CinemaScópio

ATENÇÃO: Mudança de blog CANNES 2011

2011-05-07T20:14:00.000-07:00

A cobertura de CANNES 2011 poderá ser acompanhada no seguinte endereço: http://cinemascopio.blog.uol.com.br.

Espero ver vocês lá. Abs! Kleber

RECIFE FRIO LANÇADO EM DVD

2010-12-14T07:27:00.000-08:00

(texto de divulgação/release)

O PREMIADO FILME PERNAMBUCANO "RECIFE FRIO" GANHA DVD ESPECIAL
COM LANÇAMENTO NESTA SEXTA-FEIRA DIA 17, NA LIVRARIA CULTURA, NO RECIFE

Depois de 40 prêmios ao longo de um ano de carreira nos festivais de cinema no Brasil e no exterior, a ficção científica Recife Frio, do cineasta Kleber Mendonça Filho, chega ao formato DVD numa edição especial com extras. O lançamento será na Livraria Cultura, no Recife, na próxima sexta-feira, 17 de Dezembro, com uma sessão especial do filme às 18h30, no primeiro andar. O DVD, uma produção com distribuição independente, irá custar R$ 16. Livrarias Cultura de Porto Alegre, São Paulo, Brasília, Campinas, Salvador e Fortaleza também terão o filme à venda.

Recife Frio se passa "daqui a alguns anos", quando eventos inexplicáveis transformam a capital pernambucana numa cidade fria, chuvosa, revolucionando costumes e toda uma sociedade que surgiu tropical.

O DVD, com arte e design de Clara Moreira (responsável pelo design gráfico de filmes pernambucanos como Muro, de Tião, Pacific, de Marcelo Pedroso, e todo o material gráfico feito para o Janela Internacional de Cinema do Recife), traz a mixagem original do filme em Dolby DIgital 5.1 Surround e Tela Anamórfica 16x9. Traz também extras, como 2 cenas que não entraram na montagem final e um making of de 8 minutos que mostra um pouco do processo de produção de Recife Frio, feito ao longo de três anos (primeiras imagens, a cena do Papai Noel, foi feita no natal de 2006).

RECIFE FRIO DVD
- Tela Anamórfica 16X9 para monitores widescreen.
- Remasterizado a partir da Matriz Original de Alta Definição.
- Som Dolby Digital 5.1 Surround Sound / Som Dolby Digital 2.0
- Legendas em Português, Inglês e Espanhol.
- Making of - Filmando Recife Frio
- Cenas Cortadas -
- Visita a Olinda
- Josias Soares - Homem do Tempo
Festivais e Prêmios
Trailer
- Vinil Verde (2004)
- Crítico (2008)

Recife Frio estreou no Festival de Brasília do Cinema Brasileiro em novembro do ano passado, onde foi exibido na noite de sábado, 21 de novembro, numa sessão já considerada histórica, com impressionante reação do público e crítica. Saiu do festival com 7 prêmios (Diretor, Roteiro, Prêmio do Público, Prêmio da Crítica, Prêmio Aquisição do Canal Brasil, Prêmio Vagalume, Melhor Momento do Festival segundo Júri do Correio Braziliense).

Desde então, são contabilizados cerca de 40 prêmios de Júri, Público e Crítica em festivais no Brasil como Tiradentes, São Paulo e FICA, e em 11 países com seleções em Roterdã (Holanda), Toulouse (França), Indie Lisboa (Portugal) e Havana (Cuba).

Nesse último mês de novembro, foram mais quatro prêmios. No Festival Internacional de Curtas do Rio de Janeiro Curta Cinema, ganhou Melhor Filme (Ficção), Melhor Filme (Público) e Melhor Filme (Júri Jovem). No Festival Internacional de Curtas de Belo Horizonte, findo semana passada, ganhou Melhor Filme (Público). Ontem à noite, na Mostra Londrina, no Paraná, Recife Frio conquistou mais quatro prêmios: Melhor Roteiro, Direção e Filme (Júri Oficial) e Melhor Filme (Público).

Para Kleber Mendonça Filho, "Recife Frio é um filme muito pessoal sobre uma visão minha do Recife, cidade que anda muito mal tratada no seu traçado urbano. Embora o filme seja claro no que quer dizer, Recife Frio é um lamento de amor pelo Recife".

Não é por um acaso que Recife Frio junta-se a uma onda espontânea de filmes feitos por cineastas pernambucanos (Um Lugar ao Sol, de Gabriel Mascaro, Eiffel, de Luiz Joaquim, Menino Aranha, de Mariana Lacerda) que enfocam exatamente essa crise pela qual passa o Recife, que se vê demolida e verticalizada sem qualquer atenção para o futuro. "O poder que o filme tem de se comunicar com todos dentro e fora do Recife talvez mostre que esta é uma questão universal".

CRÉDITOS DVD
Produção Executiva
Emilie Lesclaux
Kleber Mendonça Filho

Produção do DVD
Manuela Galindo

Autoração
Tiago Martins Rêgo

Arte e Design
Clara Moreira

RECIFE FRIO
24MIN / HD / 35MM / 1:78
Recife, Brasil, 2009
Sobre o realizador:

Kleber Mendonça Filho nasceu no Recife, PE. Formado em jornalismo pela UFPE, tem trabalho abrangente como crítico de cinema, tendo escrito para o Jornal do Commercio, Folha de S. Paulo e seu próprio site, o CinemaScópio. É programador do Cinema da Fundação Joaquim Nabuco e do Janela Internacional de Cinema do Recife. Como cineasta e roteirista, seus filmes são A Menina do Algodão (2003), Vinil Verde (2004), Eletrodoméstica (2005), Noite de Sexta Manhã de Sábado (2006), Crítico (2008) e Recife Frio (2009), títulos que receberam mais de 100 prêmios no Brasil e no exterior, com seleções para festivais como Brasília, Gramado, Hamburgo, Karlovy Vary, Roterdã, Clermont-Ferrand, BAFICI e Quinzena dos Realizadores do Festival de Cannes. Trabalha atualmente na montagem do seu primeiro longa-metragem, O Som ao Redor.

Filmografia:

Enjaulado (Caged in, 1997, Betacam, 33’), A Menina do Algodão (The Little Cotton Girl, 2002,Mini-DV / 35 mm, 6’), Vinil Verde (Green Vinyl, 2004, 35mm, 16’), Eletrodoméstica (2005, 35 mm, 22’), Noite de Sexta, Manhã de Sábado (Friday Night, Saturday Morning, 2006, Mini-Dv / 35 mm,14’), Crítico (2008, mini DV/35 mm, 76'), Luz Industrial Mágica (Industrial Magic Light, 2008, HD, 7').

Sinopse:

Estranha mudança climática faz Recife, na região Nordeste do Brasil, passar a ser uma cidade fria. O documentário de uma TV estrangeira examina os efeitos da mudança em toda uma cultura que sempre viveu em clima quente.

PRODUÇÃO CINEMASCÓPIO E SÍMIO FILMES
PRODUTORES ASSOCIADOS CABRA QUENTE FILMES

DIREÇÃO E ROTEIRO KLEBER MENDONÇA FILHO
PRODUÇÃO EMILIE LESCLAUX
PRODUÇÃO EXECUTIVA JULIANO DORNELLES E KLEBER MENDONÇA FILHO
FOTOGRAFIA KLEBER MENDONÇA FILHO
MONTAGEM EMILIE LESCLAUZ E KLEBER MENDONÇA FILHO
SOM KLEBER MENDONÇA FILHO
ELENCO ANDRÉS SCHAFFER, ANTONIO PAULO, YANNICK OLLIVIER, JR. BLACK, DJANIRA PESSOA CORREIA, JÚLIO ROCHA, PEDRO BANDEIRA, GLEICE BERNARDO DE FRANÇA, RODRIGO RISZLA, GRAÇA ARAÚJO, GILVAN SOARES, CRISTIANE SANTOS, ENIO, PINTO E PATATIVA
PARTICIPAÇÃO ESPECIAL LIA DE ITAMARACÁ
MAQUIAGEM PARA LIA GERA CYBER
EFEITOS ESPECIAIS CARLOS EDUARDO NOGUEIRA
MOTION DESIGN ANDRÉ PINTO
PRODUÇÃO DE ELENCO RENATA ROBERTA E RUTÍLIO OLIVEIRA
ASSISTENTES DE PRODUÇÃO JOSIAS TEÓFILO, LELLYE LIMA E SIMONE JUBERT
ARTE GRÁFICA CLARA MOREIRA
FINALIZAÇÃO LINK DIGITAL
SUPERVISÃO DE FINALIZAÇÃO PEDRO SOTERO
MIXAGEM ESTÚDIO CARRANCA PE

Menos Imagens da O2?

2010-10-15T08:56:00.000-07:00

Estou no processo de montagem do meu filme, 'O Som ao Redor', e pensando sobre imagens, arquivos e tal, e eis que me chega esse curiosíssimo email, supostamente da O2 (será verdadeiro?), onde propõem uma revolução para que deixemos (?) de filmar 550 para 1 (isso em filme película) e 1000 para 1 (em digital), e assim diminuir o lixo imagético que se cria no áudiovisual. Se for verdade, resta perguntar em que planeta do cinema eles moram. (Kleber Mendonça Filho)

Reproduzo aqui a mensagem e a proposta, que se chamaria 'O Método'!

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Companheiros,

Nesta semana começamos um movimento aqui na O2 para mudar a maneira de filmarmos. A ideia é disciplinarmos o descontrole que se instaurou nas filmagens em digital. Para isso estamos criando o que chamamos de "O MÉTODO". Como ele está diretamente ligado ao trabalho de você peço a paciência de darem uma lida no email abaixo enviado para diretores e produtores da O2 para saberem como estamos pensando em encarar este novo jeito de filmar.

Evidentemente estamos mais do que abertos e interessados em sugestões que vocês possam ter. Depois do Método coloquei um texto do Humbertão, montador, que parece ter ouvido nossa conversa aqui na O2 e postou algo muito ilustrativo do problema.

Na quinta feira passada fizemos uma reunião aqui na O2 sobre a nossa pós e entre outros assuntos nos foram dadas duas informações curiosas:

1 - A O2 completou este mês um petabyte de capacidade de memória, isso é 4 vezes mais do que a memória da UOL ou 1/4 do que tem o Google mundial. Não é pouco.

2 - Falta memória disponível na O2.

Diante desta situação paradoxal foi feito um levantamento e vimos que quando rodávamos em película os filmes obedeciam uma proporção média de aproveitamento de 35 para um. (o que convenhamos já era um absurdo de disperdício) Para digitalizar este material rodado gastávamos 1 hora mais ou menos. Ao passar para o mundo digital nossos filmes saltaram para uma média de 550 para um ( neste mês houveram 2 projetos onde foi rodado 1.000 para 1) Para digitalizar material rodado em digital é preciso 3 vezes mais tempo do que o que é telecinado pois o rendering/conformação é lento e depois disso ainda ha a digitalização normal. Ou seja, estamos rodando 16 vezes mais material e gastando 100 vezes mais horas de equipamento por projeto, fora o material bruto que para ser arquivado em LTO, precisa de mais 3 vezes o tempo do material para a nova conformação.

Além do problema de memórias astronômicas, rodar esta infinidade de material tem criado um segundo gargalo, o trânsito destas imagens. (para não falar na infelicidade dos montadores que trabalham muito mais e fazem filmes piores pois gastam 90% do seu tempo jogando fora o lixo e apenas 10% montando). Para resolver estes problemas vimos dois caminhos: Sair comprando mais máquinas para dar conta deste fluxo ou racionalizar o fluxo. Vamos fazer um pouco das duas coisas.

Das novas máquinas o Paulo Barcelos e o Tamis estão se encarregando, este email é para propor uma maneira de diminuirmos a produção de lixo imagético, vamos chamar assim. Proponho abaixo uma pequena mudança no nosso método de trabalho. Vamos lá:

*O MÉTODO:*

1 - No mundo digital não faz mais sentido nos referirmos as nossas tomadas como se fossem filmadas. Faremos uma nova claquete onde deve constar o número do cartão ao invés do rolo, o número do clipe gerado pela câmera no lugar do take e o número da cena como é hoje. ( podemos manter um espaço para colocar o número de take de cada cena para quem acha que começar sempre do 1,2,3... ajuda a rever o material no set .)

*A primeira decisão* De hoje em diante todo mundo usa os mesmos números. O som direto canta a cena, o número do cartão e o número do clipe não mais a cena, o rolo, e o take. "- Cena 4, cartão 2, clipe 23...ação."obs - O número do clipe gerado pela câmera vem com umas letrinhas tipo AZX 023. O que vale é sempre o número final: 23.

2- Ao final de cada take o diretor deve avisar ao video-assist ou ao assistente que está anotando a planilha do relatório se o take rodado deve ser logado ou não. Esse é o grande momento mágico que vai fazer toda a diferença.

Sábado eu e o Paulinho testamos isso em dois filmes de Bradesco e reduzimos o volume de material logado para 1/5 !!! O Marcelinho e o Saulo quiseram nos beijar quando receberam o material sem lixo para montar. ( mas nós não deixamos).

*A segunda decisão*: *Voltar aos anos 60 quando no set o diretor tinha que dizer " Copia", ao final de cada take que lhe parecesse razoável. O assistente escreve na planilha e passa para o loger selecionar o que vai para a montagem.

3 - Apesar dos takes bons estarem sendo logados numa pasta que vai para o montador, o material bruto vai também ser guardado caso aconteça alguma coisa ou seja preciso ver mais material. Este bruto no entanto não passará por todo o processo de conformação, digitalização etc. É um back-up que vai ser apagado assim que o filme for ao ar.

*A terceira decisão* O logger deve fazer duas pastas. Uma com o material logado e outra com back-up do bruto. Só a primeira segue todo o processo.

4 - Com a gravação digital, muitos sets praticamente aboliram a palavra "corta". Como a câmera só registra um novo número de clipe quando é cortada, apesar de ser chato, é fundamental que depois de cada erro diga-se "corta", para que o que foi gravado até então, o lixo, seja jogado fora. Cortar entre cada take é também importantíssimo para ajudar o trabalho do montador. Sem isso os clipes ficam imensos, cheios de gordura e dificultam muito todo o processo que se segue: Logar, conformar, digitalizar, montar e conformar para LTO para arquivar.

*A quarta decisão: Corte sempre após cada erro ou entre cada novo take. Perde-se um tempinho no set e salva-se um tempão em todo o resto do processo.*

5 - O luxo dos luxos, optativo mas recomendável: Se o diretor puder assistir a tudo que mandou logar , na hora do almoço ou entre takes, para ver se ha mais alguma coisa a descartar, será sensacional.

6 - E agora vem o argumento com maior poder de convencimento: Percebemos que a pós cobrava o mesmo valor para filmes que rodam 1 hora de material e para filmes que rodaram 12 horas, apesar de um usar 4 horas de máquina e o outro 48.

O Tamis está fazendo um cálculo de quanto custa a hora de máquina e na folha de orçamento o diretor dirá quantas horas de material quer rodar e isso será cobrado como acontecia com o negativo. Com isso os filmes maiores não serão mais financiados pelos filmes menores. (obs: não estamos acrescentando um custo a mais, apenas separando este ítem do custo de pós)

*A sexta decisão* Os filmes pagarão por hora de material rodado. Esse novo esquema começa valer hoje mas estamos abertos a comentários e aprimoramento do método.

Muchas gracias

Fernando Meirelles

A Desmistificação de um Ofício

A possibilidade da imagem cria a banalização da imagem. Vem-me a cabeça uma palavra: inversão. Qualidade é quantidade? Não seria melhor preparar mais, pensar mais, planejar mais do que imprimir muito e sem critério? Outra coisa em que fico pensando é uma doideira, pois trata da transferência de responsabilidade ou transferência de decisões. Como foi captado muito material, é transferido para o montador a responsabilidade de ver todo o material e poder tomar as decisões sobre a escolha e o momento das cenas que serão usadas na edição final.

Na hora da captação das cenas, como você pode digitalizar direto num HD com muita memória, a quantidade de material que é enviado para a montagem é absurdo. Mas ao mesmo tempo, o que eu chamo de banalização também pode ser chamado de inclusão, possibilidade de acesso à criação de imagens por todos. O mundo digital permite isso. Tem escola de cinema para índios, para os jovens favelados e das periferias. É um novo tempo, precisamos aprender a lidar com ele, embora as coisas estejam sempre mudando. Posso contar duas experiências recentes com duas produções de filmes publicitários que editei.

RED
Antes de começar a montar tive que me informar sobre algumas coisas, como por exemplo: como montar no Avid o material originário da Red sem perder informação do time-code nativo? Tenho que agradecer ao Thames Lustre e à equipe de montagem da O2, que após editarem em Avid a série para TV "Som e Fúria", que teve suas imagens captadas com a RED e também com 5D, passaram-me as informações de como abrir o material através do plug-in Meta Cheater. Existem outras maneiras de fazer com outros plug-ins, mas desde então venho usando esse método. No primeiro trabalho, um comercial de automóveis, captado com a câmera RED, o set era um câmera-car com uma grua com controle remoto seguindo um automóvel na Avenida Paulista e cercanias. A câmera não cortava nunca. As tomadas têm cerca de 30 minutos em média. Captava direto no HD da câmera de 600 GB, quando cortava a câmera demorava muito para reiniciar, por esta razão, optou-se por não cortar em nenhum momento. Em cada uma dessas tomadas eu tinha o plano geral, o médio e o mais fechado, detalhes das rodas, faróis, grade dianteira, etc. Imaginem a dificuldade para separar o material, classificar o que é o quê, para ter acesso mais fácil na hora de montar, se numa mesma tomada você tem vários planos? Só o material exterior-dia de um dos automóveis tinha 6 horas captadas. E estou falando de comerciais de 30 segundos. Um novo critério para se ver o material: eu me deparei nesse mesmo trabalho com uma tomada de 33 minutos. A tomada consistia em um tilt. Correção da câmera do painel do automóvel para a alavanca de câmbio automático. Painel - câmbio, câmbio - painel: 33 minutos. Eu precisei ver todos os movimentos para poder escolher o melhor, mas é tudo igual. Muitas vezes foi preciso acelerar os movimentos, então qualquer tomada serviria? O total do material captado nesse trabalho foi de 16 horas, eu tive que entregar três comerciais de 30 segundos mais 3 minutos de banco de imagens para o cliente. O material captado foi aberto no Pablo da Casablanca, descarregado numa fita HD. Recebi uma cópia do material em mini DV. Digitalizei no Avid na mesma qualidade, só para montar. Depois de montado exportei um EDL. O filme montado foi conformado na Casablanca e feito um color grading, somente do filme montado.

5D

Estou convivendo hoje, também num trabalho para publicidade, com 21 horas de material para três comerciais de 30 segundos. O material foi captado com três câmeras 5D simultâneas. Depoimentos, mais cenas de cobertura para poder ilustrar os depoimentos. Foram 60 horas de trabalho, só para poder importar o material para dentro do computador onde seria editado. Recebemos o material num HD de transporte e abrimos em qualidade DV no Avid, somente para a montagem. Antes de filmar, foi feito um teste de sincronismo com a 5D. O som gravado num DAT segurou um sincronismo absoluto em tomadas de até 10 minutos de duração, a partir daí passou a variar, mas nada que não desse para ajustar na "gilete". Graças à Deus, à Santa Edite e ao Dr. Shutz, bateram a claquete. Para quem não sabe, essas são as entidades máximas que habitam as salas de montagem e edição. Para abrir esse material no Avid, levamos mais ou menos de 2,5 a 3 para um, ou seja, para cada 1 minuto de material captado gastamos 2 e meio a três minutos para abrir. Esse trabalho de importar os materiais a serem montados é feito pelo assistente de ilha ou pelo assistente de montagem, profissionais que hoje em dia precisam ter conhecimento de informática. Importar o material é um trabalho que deve ser feito com o maior cuidado e organização possível, porque é dessa organização que partirá todos os EDLs, listas OMF, etc. Eu só estou na ativa ainda porque conto com a ajuda de assistentes, em geral jovens, que têm familiaridade com a linguagem dos computadores e da informática.

Depois de montarmos o filme, conformamos a montagem no Final Cut em qualidade Full HD. Exportou-se um Quick Time Movie sem compressão para a Casablanca, onde foi feito o color granding final. Esses filmes foram produzidos pela produtora Movi&Art. É muito doido, mas não tem volta. E a velha máxima de que o material é Rei, foi pro brejo? Será que vamos ter que assistir o material em fast? Ou é só uma questão de educação?

É preciso urgentemente que se crie algum critério para captar imagens no formato digital. Até lá, vamos seguir os critérios já estabelecidos pela cinematografia? Por favor, pensem antes de captar. Eu estou no exercício da função de montador de filmes publicitário há 37anos e já passei por outras mudanças. Deixei a moviola e, infelizmente, passei a montar naquelas ilhas Umatic. Era um horror, não tinha precisão nenhuma, foi um tempo muito ruim. Depois passei a editar com Avid, o que foi um prêmio. Consegui novamente pensar a montagem do filme como eu pensava na mesa de montagem, o processo de raciocínio é o mesmo.

É preciso "domar" as pessoas envolvidas na captação de imagens pelo método digital. Depois da produção, existe a pós-produção. O excesso de material está matando os montadores, inclusive de fome, porque o montador trabalha agora, no mínimo, quatro vezes mais, sem contar o tempo necessário para importar o material. Toda mudança é dolorosa. O mundo digital é prejudicial à coluna cervical e por consequencia o humor dos montadores.

*Umberto Martins* (Humbertão montador)

Filmando 'O Som ao Redor'

2010-07-18T19:49:00.000-07:00

Fui abrir esse meu blog depois de 2 meses e de repente, Cannes voltou rapidamente à mente, algo que parecia já tão distante. Para mim, é como se eu tivesse visto 'Uncle Boomee' ano passado, ou 'O Leopardo' restaurado se misturando às outras 4 ou 7 vezes que já o havia visto. Não, minto, 'O Leopardo' parece mesmo que o revi 10 ou 13 semanas semanas atrás. E o filme de Joe, eu poderia desenhar algumas imagens no caderno se ainda fosse pra escola, na aula de matemática.

Mas hoje eu 'tou no 4o dia de filmagem de 'O Som ao Redor', meu primeiro filme do tipo 'longa'. Não sei bem como compartilhar a sensação, mas em maio, Cannes deu a experiência inigualável de ver muito filme, e agora eu estou dentro do meu próprio filme. Como no festival, eu aqui tenho alguma idéia do que fazer, vez ou outra me sentindo perdido, sem ter exatamente uma idéia fechada sobre o que ver ou procurar.

De qualquer forma, estar dentro das imagens, vendo-as ou inventando as minhas, é uma coisa que não tem preço, e no que os anos passam, e você acumula experiência de vida, logo vê que as imagens e os sons são indissociáveis da vida em si. Talvez por serem mesmo prova de existir, vendo ou filmando. (kleber mendonça filho)

PS: o blog que eu realmente tenho tido prazer de atualizar é um dedicado apenas a imagens, e é pra lá que eu tenho mandado fotos que traduzem um tico do que tem sido vivido nas filmagens de 'O Som ao Redor'. Vejam http://www.flickr.com/photos/cinemascopio/

Genre Movies

2010-05-23T13:46:00.000-07:00

RUBBER TEASER 1 ! from oizo mr on Vimeo.

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Três citações ao cinema de gênero, exemplares curiosos nas mostras paralelas. Destaque para o “argentino noir” Carancho, de Pablo Trapero, “o filme do pneu assassino” Rubber, do francês Quentin Dupieux, e “o filme de terror uruguaio” La Casa Muda, de Gustavo Hernandez. Todos foram apresentados com essas aspas redutoras pela imprensa e são frutos de novas imagens captadas com as últimas câmeras digitais. O cinema moderno continua revendo gêneros clássicos sob novas configurações.

Em Carancho, Trapero (Leonera, que competiu dois anos atrás) nos dá uma versão atual do film noir, onde seus personagens são falhos e apaixonados. Ricardo Darin (de O Segredo dos Seus Olhos) e Martina Gusman (de Leonera, esposa do diretor) se conhecem no mundo dos acidentes de carro nas ruas de Buenos Aires. Ela é paramédica de ambulância, ele um advogado que aproveita-se das vitimas para montar esquemas de compensação junto às seguradoras.

É um thriller noturno filmado com a câmera Red de altíssima definição, deixando o filme com aspecto de vídeo algo de estéril. Há, no entanto, enorme energia de todos os envolvidos. Coloca Trapero no que talvez seja uma fase de transição ao fazer um filme mais comercial, mas ainda muito bem realizado (Carancho é um sucesso na Argentina, perdendo apenas para Iron Man 2, atualmente). O filme leva também a crer que os argentinos tem um super astro local inquestionável para o seu cinema, no rosto de Darin.

Rubber, candidato a filme cult-gréia 2010 passou na Semana da Critica e mostra as aventuras de um pneu velho, abandonado no deserto californiano. Ele ganha vida e livre arbítrio, saindo pela estrada a desintegrar quem encontra pela frente, de passarinhos a seres humanos. O mote do filme é ser “sem noção” (no reason), o que talvez explique o porquê de o bendito pneu não atropelar ninguém, mas matar por concentrada telepatia. É ver para crer, embora fique a sensação de que se fosse um curta, seria melhor.

E o que dizer do bem sucedido La Casa Muda, uma raridade por ter sido feito no Uruguai, com seis mil dólares de orçamento, e utilizando a mesma câmera fotográfica Cânon 5D usada em Rubber? É prova de que há enorme potencial para que realizadores filmem seus filmes de maneira simples e qualidade incrível. La Casa Muda foi projetado em alta definição na Quinzena dos Realizadores, e passou perfeito.

O filme é mais um micro-thriller explorando o mito da casa mal assombrada. Dividido em uma dezena de econômicos planos seqüência, Hernandez fez um filme eficaz, não exatamente revolucionário, que começou a vender bem no mercado apos sua passagem pela Quinzena, garantindo versão em película e distribuição em diversos paises.

Cannes

2010-05-23T13:21:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

O júri presidido pelo diretor americano Tim Burton fez um trabalho interessantíssimo de destacar com a Palma de Ouro um dos cineastas mais originais da última década, o tailandês Apichatpong Weerasethakul, que Cannes já vinha mapeando desde seu filme Tropical Malady (Mal dos Trópicos), prêmio do júri presidido por Quentin Tarantino em 2005. Essa Palma irá permitir que um público bem maior veja Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (Tio Bunmee Que é Capaz de Lembrar de Suas Vidas Passadas), filme digno de toda a atenção, e que, esperamos, tenha distribuição nos cinemas do mundo.

A deixa para Uncle Boonmee chegar ao público é importante porque, até agora, os distribuidores brasileiros não compraram nenhum filme de Weerasethakul, provocando um fenômeno curioso.

Cinéfilos sérios mais jovens conhecem os filmes desse autor apenas via downloads na internet, um grupo menor tendo visto exibições especiais em mostras e festivais no país. A grande maioria não parece saber da sua existência. Para os novatos, há a piada já bastante velha a ser descoberta de que o apelido de é ‘Joe’.

Na coletiva de imprensa realizada imediatamente apos a cerimônia de entrega dos prêmios, ontem, no Palais des Festivals, Tim Burton admitiu que ele mesmo não conhecia o trabalho de Weerasethakul, mas definiu sua relação com o filme muito bem, algo compartilhado por muitos em Cannes.

“O mundo está cada vez menor com o cinema de Hollywood, onde os filmes se parecem com tantos outros, e vi nesse olhar algo que eu nunca tinha visto antes. O filme tem uma idéia maravilhosa de eternidade, pessoas que não têm forma e onde o tempo se expande”. Falou bem Burton, que tem um jeito relaxado e nem um pouco pretensioso no seu falar inconfundivelmente americano.

O Grand Prix, efetivamente o segundo lugar, foi para o muito bom filme francês Des Hommes et des Dieux (Dos Homens e de Deus), de Xavier Beauvois, relato seguro e honestamente tocante sobre um grupo de monges franceses vitimados por extremistas. O filme representa o cinema francês clássico e deverá ter boas pernas ao longo do ano de cinema que começa agora, pós Cannes.

Os outros prêmios também mantiveram o nível. Juliette Binoche, cujo rosto foi a própria marca do festival esse ano, nos cartazes e materiais gráficos, ganhou pela sua participação adorável em Copie Conforme, de Abbas Kiarostami, um bate bola conjugal de inegável delicadeza. Binoche não perdeu a oportunidade de protestar contra a prisão, no Irã, do outro cineasta iraniano, Jafar Panahi, segurando uma placa com o nome do realizador.

Javier Bardem dividiu seu prêmio de Melhor Ator (por Biutiful, de Alejandro Gonzalez Inarritu) com o italiano Elio Germano, do simpático drama doméstico-familiar La Nostra Vita, de Danielle Luchetti.

O prêmio duplo lembrou que a seleção esse ano estava forte em figuras paternas, presentes não apenas nos personagens de Bardem e Germano, mas também no prêmio do júri Un Homme Qui Crie, do cineasta Mahamat-Saleh Haroun, natural do Chad, cujo drama como nação ele filmou no seu filme delicado.

Se Bardem soprou beijinhos para sua “amiga, companheira, meu amor” Penélope Cruz, Germano não perdeu a oportunidade de detonar do alto do pódio internacional de mídia, que é o Festival de Cannes, a política italiana. “Nós artistas tentamos levantar a inteligência da Itália, não obstante o nível dos nossos dirigentes”.

Acertaram ainda com o Prêmio de Roteiro para o sul-coreano Lee Chang-Dong, que fez Poetry, um melodrama tão simples quanto culto sobre uma mulher que descobre, aos 65 anos, a poesia, o neto e os limites do corpo com a chegada da idade.

É preciso que seja dito que pelo menos dois filmes podem ter sido deixados de lado pela injustiça. Another Year, de Mike Leigh, é um dos filmes mais seguros de um autor já tão bem sucedido no seu projeto de cinema, na sua criação de um mundo. Pode ser a sina do autor estabelecido, acharem que ele traz mais do mesmo.

E o ucraniano My Joy, de Sergei Losnitza, que o júri de Burton não conseguiu enxergar o surgimento de um novo cineasta para a ficção, com olhar pessoal e doído sobre seu próprio país, a Rússia. Não é todo dia que uma estréia chega com tanta força.

CANNES 2010 em Frases

2010-05-23T13:05:00.001-07:00

Alguma mesa numa das noites aqui no festival, com amigos coreanos.

“Meu posicionamento em relação à morte continua o mesmo, sou totalmente contra”

Woody Allen, na coletiva do seu novo filme You’ll Meet a Tall Dark Stranger

“Tenho sentido falta de esperança no cinema, os filmes devem ter mais esperança”

Alejandro Gonzalez Iñarritu, sobre seu filme Biutiful.

“Porquê é preciso ter esperança no final de um filme?”

Sergei Losnitza, diretor ucraniano de My Joy (Minha Alegria),
devolvendo pergunta de jornalista que cobrou total falta de esperança no seu filme.

“Não há nada pior do que um cineasta que trata a história com ignorância”

Nikita Mikhalkov, diretor de O Sol Enganador 2

“Cada um deve poder interpretar meu filme seguindo o que sente”

O tailandês Apichatpong Weerasethakul, diretor de Tio Boonmee
Que Conseguia Lembrar de Suas Vidas Passadas

“O céu é um lugar super estimado”

O espectro de uma mulher dá sua opinião sobre o
além morte, no mesmo filme de Weerasethakul

“Spider 3D. 8 Pernas. 3 Dimensões”.

Slogan publicitário de filme B em 3D. O formato tridimensional também
coqueluche do mercado de Cannes.

“Um filme não conseguirá mudar as coisas nunca no Iraque”

Ken Loach, cujo novo filme Route Irish, sobre prestadores de serviço britânicos à solta no Iraque, passou em competição

“O melhor amigo de um menino é a sua mãe”

O Norman Bates de Anthony Perkins, agora em som digital 5.1 na versão restaurada de Psicose (1960), de Hitchcock, exibido em sessão especial dos seus 50 anos.

“Queria que meu filme fosse alegre, que mostrasse uma alegria e um bom humor que são tão particulares na favela”.

Luciana Bezerra, uma das realizadoras de 5X Favela – Agora Por Eles Mesmos, exibido em sessão especial no festival.

“O senhor acredita que o Irã tem armas de destruição em massa?”

Repórter iraniano perguntando a um atônito Doug Liman, diretor do thriller Fair Game, que analisa as mentiras da casa Branca para atacar o Iraque. Liman passou para a próxima pergunta.

"Depois de problemas de tipo grego, nao vou poder estar no festival. Com Cannes, vou até a morte, mas nao darei mais um passo que seja pra frente."

O enigmático bilhete de Jean Luc Godard para a organização do festival, explicando sua ausência.

Prêmios Cannes

2010-05-23T10:41:00.000-07:00

Binoche, melhor atriz no cartaz do festival e nos prêmios.

Palma de Ouro: (Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives) directed by Apichatpong WEERASETHAKUL
Grand Prix: DES HOMMES ET DES DIEUX (OF GODS AND MEN), de Xavier Deaubois
Ator: Javier Bardem, por Biutiful.
Atriz: Juliette Binoche
Roteiro: Poetry
Prêmio do Júri: Un Homme qui Crie
Curta: Micky Bader e Chienne D'Histoire.

Marcia Faria Fala Sobre 'Estação'

2010-05-23T10:40:00.000-07:00

Cannes Video #4: Curta 'Estação' from Kleber Mendonça Filho on Vimeo.

Losnitza

2010-05-23T07:23:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Um encontro com alguns jornalistas num dos espaços fechados da praia, em Cannes, aconteceu quinta-feira com o realizador ucraniano Sergei Losnitza, diretor de My Joy (Schastye Moye, ou Minha Alegria). Losnitza é um desses diretores que tem enorme propriedade sobre o que está falando, sobre o filme que fez e alguns dos seus procedimentos, embora o filme em si permaneça uma grande nébula. Seu retrato impressionante enquanto cinema e visão humana e política da Rússia hoje ainda repercute.

Havia curiosidade sobre esse documentarista que estréia agora direto na competição de Cannes. “Documentário não é realidade”, diz Losnitza. “As sombras de uma árvore ou de um prédio na rua são as mesmas num filme de documentário, ou num filme de ficção. De qualquer forma, minha experiência no que se convenciona chamar de ‘documentário’ está no filme, mas isso me interessa apenas no sentido técnico, para responder a essa pergunta”.

Matemático de formação e tradutor de japonês, Losnitza mora hoje na Alemanha, “onde, se compararmos com a Rússia, há um abismo enorme em termos de uma sociedade que vê dignidade no cidadão. A Rússia está atrás”. Ele estudou em São Petersburgo, de onde saiu um outro grande filme dele, todo montado a partir de imagens de arquivo do serviço de propaganda soviético, guardado na cidade. O filme chama-se Blockade (2005).

Losnitza falou extensamente sobre a muito comentada estrutura do filme, vista como complexa. “De jeito nenhum, esse filme não poderia ser mais simples. Se você o fatiar e separar as histórias que eu conto, cada uma delas funcionaria perfeitamente no You Tube. Na verdade, como nas fábulas, há até avisos dados ao nosso personagem, instruções que ele ignora. É tudo muito simples”.

Ele contabilizou a importância de falar do passado no seu filme, com dois episódios que se passam no que os russos chamam de ‘A Grande Guerra Patriotica’, e que o mundo conhece como ‘2a. Guerra Mundial’. “Essas idas ao passado estabelecem o desejo de não sermos humilhados e a dificuldade de se aceitar um ponto de vista pessoal independente, e é claro que isso é um problema numa sociedade totalitária”.

Eu perguntei sobre uma sinfonia de rostos humanos que compõe um dos mais belos momentos do filme, e o diretor falou por 12 minutos sem pestanejar. Esse momento de bravura do filme destaca também a parceria de Losnitza com o fotografo moldavo Oleg Mutu, que Losniza convidou para filmar depois de ver seu trabalho nos filmes romenos A Morte do Senhor Lazarescu e 4 Meses 3 Semanas 2 Dias.

“Oleg é excelente, ele trabalhou com uma trepeça de 40 quilos que segurava a câmera, ao mesmo tempo em que a deixava ligeiramente instável, como alguém que tenta manter firme equilíbrio. Foi uma parceria feliz”.

Nessa sequência dos rostos, é a única instância onde a câmera abandona o filme e ganha vida própria, uma forma de constatar que não há saída, talvez uma confirmação de que os elementos do conto de fadas estão sendo colocados em ação”.

“Nós levamos três meses para achar aqueles rostos, que eu escolhi cuidadosamente para passar um sentimento muito forte de tempo perdido e nenhuma esperança, qualquer que ela seja. E, às vezes, acho que só mesmo no interior profundo da Mãe Rússia que esses rostos existem.”

Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (competição)

2010-05-23T06:32:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Eu mal havia saído da última imagem de Hitchcock (o carro sendo puxado do pântano), e lá estava já na sala a 150 metros de distância vendo a abertura do novo filme de Apichatpong Weerasethakul, onde um búfalo é visto ruminando sobre terreno pantanoso. O titulo maravilhoso é Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (Tio Boome que Consegue Lembrar das Suas Vidas Passadas).

Três filmes esse ano em Cannes me chamaram a atenção por irem além da narrativa pura e simples, atingindo um estado de suspensão no espectador normalmente descrito como ‘transe’. Primeiro veio O Estranho Caso de Angélica, depois o ucraniano My Joy (Minha Alegria), de Sergei Losnitza, e por último esse do Joe. O Grande Prêmio do júri ou a Palma de Ouro para qualquer um dos dois últimos (em competição) estaria de bom tamanho, e de forma intercambiável.

Esses três superam as outras demonstrações de cinema onde autores estabelecidos como Mike Leigh e Abbas Kiarostami "apenas" nos dão filmes fortes, prazerosos de se ver, e que poderiam levar qualquer um dos prêmios disponíveis.

Nos casos de Oliveira, Losnitza e Joe, são filmes que parecem se bastar pelo que são, frutos mais de intuições autorais do que técnicas projetadas. Em ambos, é impossível dissocia-los de suas respectivas culturas, ficando a suspeita de que não seriam realizados em nenhuma outra parte do mundo que não Portugal, a Rússia e a Ásia budista, respectivamente.

Para mim, os três me inspiram sensação rara no sentido de eu não ter grandes interesses em escrever sobre eles, ou mesmo discuti-los. Parecem se bastar na sala de projeção, e senti isso ao final de Uncle Boonmee, ainda com a tentadora opção de tentar correr atrás de uma entrevista com Joe. No entanto, pensei que não teria muito o que falar, e duvido se ele teria muita coisa a dizer. Alguns filmes se bastam ali mesmo.

Ironicamente, algumas linhas sobre o filme.

Apichatpong Weerasethakul volta para uma idéia palpável de natureza e floresta, sublinhada por fantástico trabalho de som. Há a filosofia informada desde o início que estamos em todas as coisas vivas da floresta, e o tom impresso por esse autor consegue superar qualquer sensação vulgar associada à idéia de ecologia com sua construção de imagens totalmente alienígena. Se em Avatar, cada imagem é uma questão laboriosamente colocada, num filme como Uncle Boomee o espaço verde simplesmente é, assim como as forças míticas em ação.

Na verdade, volta a sensação de que os responsávels pela imagem registrada são visitantes de outro planeta. As inserções de elementos fantásticos precisam ser vistas para serem totalmente sentidas, e a relação do filme com a morte é de uma beleza também fascinante.

A pequena trama serve de terreno para um panorama que deixa o espectador ateu imerso numa série de estranhezas que cheiram a uma verdade consumada desconhecida, ao mesmo tempo em que há espaço para dúvidas e algum humor que reflete em você mesmo. O filme ainda é engraçado, mas de uma forma totalmente cúmplice, um feito e tanto dada a quantidade de situações inusitadas.

Morrendo em casa, um homem mais velho está cercado dos seus parentes mais queridos. Numa ceia de jantar, eles recebem a visita do espectro de sua esposa falecida e também a visita do filho dele, há anos desaparecido. O filho aparece em forma que não parece humana.

Com aparato de hemodiálise em mãos, a família segue numa peregrinação pela floresta, onde vultos indescritíveis os protegem e garantem a chegada numa caverna que teria sido o local de nascimento do Tio Boome numa outra encarnação. Não deve existir nos registros ritual de passagem tão bonito e enigmático como esse no cinema, poderosíssimo na construção de suas imagens místicas que, em nenhum momento, são uma questão, uma dúvida. Apenas são, e deixam o espectador boquiaberto.

Como cinema, é uma experiência que sugere sair de si mesmo, deixando no ar o sentimento de que o mundo, de fato, é um espaço em constante busca de equilíbrio espiritual, quase nunca tendo a calma e a paz para encontrá-lo. O filme sai de si, e o espectador pega uma rara carona nesse transe reproduzido.

Filme visto na Sala Bazin, Cannes, Maio 2010

Psicose (Cannes Classics)

2010-05-23T06:30:00.000-07:00

Lançado em 1960 e ainda moderno em cada uma das suas cenas, Psicose (Psycho), de Hitchcock, passou em cópia digital restaurada, mais um evento de cinefilia sem igual no Festival esse ano, depois da sessão de O Leopardo, semana passada, de Luchino Visconti. Ver o filme na tela grande impressiona não apenas como experiência audiovisual incomum, mas, especialmente, ao vermos como Psicose estava à frente do seu tempo, e, hoje, totalmente integrado ao cinema moderno.

Puristas poderão questionar (eu um deles), mas remixaram a trilha sonora de Bernard Hermann, uma das mais lembradas de toda a história do cinema, para som 5.1 Surround. As cordas violentas de Hermann agora fazem o peito vibrar, com baixas freqüências profundas que deixam as imagens ainda mais cortantes. Esperamos que, em alguns anos, não convertam o filme para 3D. K.M.F

5X Favela (exibição Especial)

2010-05-22T11:53:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Passou em sessão especial 5X Favela – Por Nós Mesmos, uma combinação em longa metragem de cinco histórias curtas, realizadas por jovens diretores que têm origem social em comunidades cariocas, ou favelas. Considerando que Berlim exibiu em primeira mão o paulistano Bróder, de Jéferson D, também dotado de um olhar de dentro, 2010 mostra sinal interessante de que a imagem do cinema no Brasil está chegando às classes menos favorecidas, que sempre foram retratadas passivamente pelas classes mais favorecidas. Se isso será uma realidade natural a partir de agora, veremos.

O projeto pertence a Renata De Almeida Magalhães e Carlos Diegues. 48 anos atrás, ele juntou-se a colegas de sua geração, “todos burgueses engajados”, nas suas próprias palavras, ao me falar em Cannes, para fazer 5X Favela. Eram cinco histórias, cada uma dirigida por Diegues, Leon Hirzman (idealizador desse filme originalmente, já falecido), Miguel Borges, Joaquim Pedro de Andrade e Marcos Farias.

Na nova versão do filme, há também cinco episódios, que são os seguintes: Fonte de Renda, de Manaíra Carneiro e Wagner Novais. Feijão e Arroz, de Rodrigo Felha e Cacau Amaral Wesley, Concerto Para Violino, de Luciano Vidigal, Deixa Voar, de Cadu Barcelos, e Acende a Luz, de Luciana Bezerra.

No encontro com a imprensa, num píer da praia privada do Hotel Majestic, em Cannes, eles mencionaram uma questão interessante já no titulo original do projeto, recentemente corrigida.

O filme teria se chamado 5X Favela – Agora Por Eles Mesmos, ato falho ao, mais uma vez, tratar a classe observada como terceira pessoa. Luciana Bezerra lembrou que foi o cineasta Ruy Guerra, um dos mentores do grupo através de oficinas de roteiro e direção, que chamou a atenção e sugeriu o titulo final, 5X Favela – Agora Por Nós Mesmos.

O filme tem um resultado dos mais felizes, começando pela honestidade sentida no todo e passando pela competência de contar as histórias, todas aparentemente pequenas, mas que ilustram perfeitamente o panorama geral de ser pobre no Brasil, de estar, de alguma forma, por fora, no Brasil. Chega a ser tocante em vários momentos.

No primeiro episódio, Fonte de Renda, um rapaz passa em direito e descobre as dificuldades de entrar numa bolha social que não é a sua. Amigos ricos simpáticos acham que ele será um novo canal para trazer ‘paradas’ da favela e os livros técnicos não são baratos. Silvio Guindane interpreta o rapaz com inteligência, num personagem que tem respeito por si mesmo. Há uma participação de fato emotiva no filme de Hugo Carvana, e é muito bom imaginar os ecos de Valdomiro Pena (de Plantão de Polícia, clássica série da Globo) nesse curto papel.

Feijão e Arroz tem o encanto de ter uma trama pequenina, sobre um garoto que ouve do pai que não agüenta mais levar a mesma marmita do titulo para trabalhar, todo dia. O filho junta-se a um amigo para produzir uma galinha, nos levando a um desfecho tocante sobre memórias de infância e comida.

O segmento contem ainda uma cena maravilhosa, onde os dois meninos de comunidade são virtualmente assaltados por crianças ricas saindo de uma escola, num momento que mistura sabiamente algo que pode ser bullying, mas é claramente um roubo. A reversão de papéis interessantíssima.

Detalhes como esse põem o filme lado a lado com Bróder, e percebemos uma mudanã de discurso e ponto de vista. Em Bróder, me impressionou a visão benvinda e caricata de gente rica, que, no filme de Jeferson D, passa como uma sátira social.

Concerto Para Violino, editado no meio do programa, dando um certo peso necessário ao todo, é a única história que fala abertamente sobre o tráfico, ainda que ancorada na amizade de três amigos, esfacelados pela violência. A trama e seu desfecho são surpreendentemente brutais, mas sempre com uma segurança notável.

Deixa Voar nos mostra amigos soltando papagaio (ou pipa), quando a pequena estrutura de bambu e papel cai numa área proibida, dominada por outro grupo. O que poderia terminar em tiro, acaba com apertos de mão motivados por interesses mútuos e saudáveis por meninas/mulheres, o que não deixa de impressionar pelo clima romântico gente boa.

Essa delicadeza encerra o filme com Acende a Luz, da cineasta mais conhecida do grupo, oriunda do Nós do Morro e responsável pelo premiado curta Mina de Fé. Luciana Bezerra filma um natal quente no Vidigal, e sem eletricidade.

O técnico da companhia elétrica é gentilmente seqüestrado pelos moradores até que a luz volte, num tom de bom humor carioca com comedia italiana clássica. A imagem que encerra o filme é não apenas linda, mas sugere a promessa de que uma área antes escura da cinematografia brasileira talvez esteja acendendo aos poucos.

O que mais chama a atenção nesse projeto é como cada idéia foi bem dimensionada, a partir de roteiros inteligentes. Duas observações válidas: o visual constante de todos os filmes poderia ter sido repensado, talvez com uma equipe de fotógrafos diferentes, e a contextualização geográfica do Rio, cidade dividida, não é muito apresentada.

No encontro com a imprensa, os realizadores deixaram claro que Diegues os convidou e lhes deu total controle sobre o filme. Manaíra Carneiro se pergunta “se o filme não dará início a um movimento no cinema brasileiro, formado por realizadores com um outro olhar sobre a sociedade”.

No entanto, o assunto mais abordado era o da representação: “Queria que meu filme fosse alegre, que mostrasse uma alegria e um bom humor que são tão particulares na favela”, disse Bezerra.

Sobre o personagem universitário do seu segmento, Novais diz que “queria tratar com respeito, sendo igual a qualquer pessoa, nunca da maneira depreciativa que alguém da favela é normalmente tratado”.

Uma palavra que ouvi mais de três vezes de alguns colegas brasileiros, mas de nenhum dos estrangeiros que viram o filme: "ingênuo". De forma alguma achei o filme ingênuo, na verdade, me impressionou exatamente a forma como as histórias são pequenas, algo que pode levar alguns a confundir senso adequado de escala com total falta de pretensão.

Normalmente, nossos filmes grandes, sobre favela ou sertão, são, em geral, tomados por temas gigantescos em letras garrafais, e o resultado é o conceito claro do 'elefante branco', sem vida ou habitação. Esse 5X Favela é um filme pequeno que tem coração.

Filme visto na Buñuel, Cannes, Maio 2010

Poetry (competição)

2010-05-22T11:49:00.001-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Passou também em competição mais um exemplar de evidentes qualidades do cinema coreano, Poetry (Poesia), filme de Lee Chang-dong. É um melodrama maravilhoso que não seria uma escolha torta para a Palma de Ouro, caso o júri não tenha ‘los cojones’ para reconhecer My Joy, de Sergei Losnitza, ou Uncle Boomee Who Can Recall His Past Lives, de Joe.

É a história de uma senhora de 66 anos que mora com o neto, adolescente recluso, e decide entrar numa oficina de poesia. O professor avisa a turma que até o fim do curso, cada um terá que compor um poema. É difícil ver um filme que propõe uma obra artística dentro da sua narrativa (uma musica, uma pintura, um poema) e consegue nos surpreender com algo realmente bom, em cena, como alguns dos poemas criados nessa oficina.

Poetry, na verdade, é bem mais complexo, começando com o corpo de uma garota boiando num rio e a suspeita de que a personagem principal está perdendo a sua memória lenta e dolorosamente. A atriz Kim Hira, conhecida na Coréia por papeis secundários na TV, deve ser a escolha mais óbvia para a Palma de Atriz. Ela é incrível.

Filme visto na Lumiere, Cannes, 2010

Fair Game (competição)

2010-05-22T11:37:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

A única presença americana esse ano na competição passou ontem e se chama Fair Game, do cineasta Doug Liman. Ele fez um filme bom que deverá ser pouco popular nos EUA. Faz uma lavagem realista de roupa suja sobre as verdades por trás do ímpeto de Bush em derrubar Saddam Hussein, fabricando mentiras sobre as tais armas de destruição em massa. Deverá ser o companheiro de prateleira do recente Zona Verde, de Paul Greengrass, embora o filme de Liman invista na força de personagens, aqui defendidos por Sean Penn e Naomi Watts.

Só nesse primeiro semestre, são três filmes de destaque que usam o termo "zona verde" (a área considerada segura pelas forças que ocupam o Iraque). Além do filme de Greengrass, Fair Game e o último de Ken Loach, Route Irish, também em competição em Cannes, lidam com aspectos periféricos importantes da Guerra. E há ainda um quarto, Armadillo, relato muito interessante sobre a guerra na geografia do Afeganistão.

Watts interpreta Valerie Plane, uma mãe de dois filhos, casada com um diplomata escanteado (Penn), e moram em Washington. Seus amigos e vizinhos não sabem que essa mulher, que todos acreditam ser uma empresaria é, na verdade, agente da CIA.

O filme abre em outubro de 2001, um mês depois dos ataques aos EUA, e o serviço de inteligência americano está fervilhando. O principal projeto deles é levantar provas para que uma ação militar contra Hussein faça sentido.

O filme, claramente de esquerda, gerou comentários amargos de dois colegas americanos, saindo da sessão: “o único americano em Cannes e é anti-americano!” É curiosa a reação.
Liman mantém os conflitos bem próximos da realidade, que talvez tenha sido o toque decisivo dado por esse diretor (Swingers, Vamos Nessa) no primeiro filme que dirigiu da série Identidade Bourne, onde o gênero ‘espião’ ganhou levada mais realista.

Há um tom semelhante ao de filmes clássicos americanos do passado, e o espectador não tem tempo para piscar os olhos acompanhando o jogo de poder. Num momento muito curioso, a guerra é declarada em rede nacional de TV, e vemos o personagem de Sean Penn num saguão de aeroporto, todos ao seu redor dormindo.

Por ser verdadeira, a história soa ainda mais enervante. Plane foi exposta (identidade revelada para alguém que era agente da CIA) num artigo enfurecido da vice-presidência americana, publicado no Washington Post, tiro no pé do próprio governo.

O motivo da raiva foi um outro artigo do marido de Plane (Penn) que questionava as ações da Casa Branca, que já fabricava razões para começar a Guerra do Iraque, frustrado com as informações bem pesquisadas da CIA de que Saddam não tinha as tais armas de destruição, e que nada levava a crer que eles teriam acesso a essas armas.

Fica a desconfiança de que Fair Game (Jogo Justo) venha aumentar a lista de filmes questionadores sobre o atual conflito dos EUA no oriente médio, a exemplo de Redacted, de Brian de Palma, o oscarizado Guerra ao Terror (um fracasso comercial, de qualquer forma) e Zona Verde, filme de Paul Greengrass que não aconteceu.

Filme visto na Lumiere, Cannes, Maio 2010

Prêmios Un Certain Regard

2010-05-22T11:27:00.001-07:00

Fui ver agora há pouco a entrega de prêmios da mostra Un Certain Regard, que tem um cerimonial dentro da mostra oficial muito tranquilo. Thierry Fremaux chama todo o pessoal de apoio e seguranças, e sua equipe de seleção da mostra, para o palco. É uma celebração, e de repente o peso de todo o festival, e os dias aqui desfrutados, caem nos ombros dessas pessoas. É muito bom.

A presidente do Júri, Cliare Denis, começou dizendo que o filme do Manoel de Oliveira, O Estranho Caso de Angélica, escolhido como filme de abertura, "iluminou toda a seleção com sua poesia". Foi isso mesmo. K.M.F

Os prêmios:

Prêmio Un Certain Regard (Fondation Groupama Gan)
Hahaha, de Hong Sangsoo (Coréia do Sul)

Prêmio do Júri
Octubre (Peru), de Daniel Vega e Diego Vega.

Prêmio de Interpretação Para as Três Atrizes de Los Labios
Adela Sanchez, Eva Bianco, Victoria Raposo

2 Cortes Secos

2010-05-21T12:45:00.000-07:00

2 Cortes Secos me chamaram a atenção em Cannes, de dois filmes que colam ficção com realidade. Em 'Fair Game', de Doug Liman, as palavras da personagem interpretadas por Naomi Watts são completadas pela personagem real que ela interpreta, a partir de imagens de arquivo.

No dinamarquês Armadillo, filme punk rock sobre destacamento dinamarquês enfrentando o Talibã no Afeganistão, uma explosão num videogame de combate vira uma explosão de estrada que estilhaça as pernas de um soldado.

Psicose 50 Anos

2010-05-21T06:26:00.000-07:00

Você está na 1a fila da Sala 60eme, de frente para a tela que ameaça desabar sobre você. As cordas de Bernard Hermann fazem seu peito vibrar. É PSICOSE de Hitchcock. (foto de Marcelo Miranda, eu estou à direita, afundado na cadeira, já temendo o filme) K.M.F

'My Joy'

2010-05-20T03:39:00.000-07:00

'My Joy', de Sergei Losnitza.

Obs: Esse texto é uma revisão geral acrescida do texto anterior sobre 'My Joy' publicado anteriormente.

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

A Palma de Ouro clara e evidente, a primeira desse Festival de Cannes, é a produção Alemanha/Ucrânia Schastye Moe (My Joy – Minha Alegria), do cineasta russo Sergei Losnitza, que não apenas estréia no longa metragem, mas o faz já na competição. Além da Palma, ele ainda arrisca ganhar a Câmera de Ouro, para estreantes. Poderosíssimo, como só o cinema russo parece conseguir ser, esse filme passa como uma parábola de proporções bíblicas sobre a Rússia atual, cultura fascinante marcada por uma história brutal que sugere pesado karma.

Losnitza apresenta uma pintura sofisticada do estado de espírito de toda essa cultura, pelo jeito marcada pela palavra “documentos...”, falada inúmeras vezes de maneira ameaçadora por homens fardados exercendo as piores formas de poder, oprimindo os mais fracos.

O filme parece tirar todo o ar da sala. O espectador pode sentir-se intimidado pelas imagens de Losnitza, num filme que abre com um trator passando literalmente por cima do espectador. No entanto, há sempre a certeza de que ele sabe bem o que está fazendo.

A força descomunal do filme poderá ser discutida e/ou questionada pelos que não têm intimidade com o país e sua história recente, ou seu panorama atual, algo que um outro realizador jovem, Ilya Khrjanovsky, fez no seu primeiro longa, 4 (2005), inédito comercialmente no Brasil. Tudo pode parecer agressivo demais, sombrio demais.

Losnitza tem uma carreira brilhante no documentário em curta e média metragem. Fez um outro filme impressionante chamado Blockade (2006) a partir dos arquivos do orgão de propaganda soviético sobre o cerco nazista a São Petersburgo (Leningrado, na época), recriando sons para as imagens mudas que mostram uma cidade asfixiada tentando viver.

Em Schastye Moe, o espectador é colocado num estado de tensão suspensa constante, e entra na casa das duas dezenas as imagens potentes da força bruta esmagando sinais inconfundíveis de delicadeza. Quando existe a suspeita de nihilismo por parte do realizador, ele nos dá uma sinfonia de rostos humanos numa feira de cidade pequena, um homem que só quer passar amor para seu filho pequeno, um outro que quer voltar para casa com um vestido para sua mulher.

O personagem principal é um motorista de caminhão (Viktor Nemets) que, como um garoto num conto de fadas, tenta manter-se na estrada principal, mas aos poucos toma caminhos cada vez menores e perdidos na floresta, aqui filmada em dois tons: no verde do verão e no branco gelado do inverno, onde Schastye Moe confirma suas tendências fabulares.

O fotógrafo moldavo Oleg Mutu (A Morte do Senhor Lazarescu, 4 Meses 3 Semanas 2 Dias) usa a tela larga scope de maneira orgânica, cada espaço ciente de sua importância, unindo estética e informação narrativa.

Losnitza nos leva a uma estrutura fabular perfeitamente cortada pelo clima de modernidade, vez ou outra nos contando episódios isolados no passado russo de uma memória afetiva traumatizada pela guerra.

Com a bússola moral quebrada, Losnitza desconstrói nossa segurança de espectador treinado, nos deixando sozinhos com os elementos. É ainda mais impressionante a sequência final, um apocalipse perfeitamente integrado à história, claramente fruto de um russo que lamenta muito o estado atual da cultura política e herança histórica que parece prender o seu país num estado constante de trauma.

MIKHALKOV - A participação de Schastye Moe na competição de Cannes terá um aspecto interessantíssimo pois baterá de frente com um outro filme, O Sol Enganador 2, produção russa dirigida pelo veterano Mikhail Mikhalkov. O choque será não apenas estético, mas político.

Conversando com colegas russos, soubemos que, diferente de Losnitza, que abandonou a Rússia por não saber mais lidar com o país, especialmente sua política ufanista de cinema, Mikhalkov é próximo do poder e de Vladimir Putin, que muitos na Rússia vêem como herdeiro da mentalidade stalinista de autoridade e propaganda.

Mikhalkov esteve também responsável pela política de cinema na Rússia, que praticamente deixou de apoiar filmes independentes para canalizar verba para esse seu filme novo, o mais caro da história cinematográfica russa (custou 40 milhões de dólares). Mikhalkov seria ainda uma continuação das reduzidíssimas classes abastadas que prosperavam favorecidas pelo antigo regime, seu filme uma promessa de propaganda.

O Sol Enganador 2, segunda parte do filme que ganhou o Oscar de Filme Estrangeiro (1993) passa sexta-feira, em Cannes.

Video #3: Realizadores '5X Favela'

2010-05-19T12:30:00.000-07:00

Cannes Video #3 - '5X Favela' from Kleber Mendonça Filho on Vimeo.

Des Hommes e des Dieux (competição)

2010-05-19T08:36:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

A França tem quatro filmes em competição (Tournée, de Mathieu Almaric, La Princesse de Montpensier, de Bertrand Tavernier, e Hors la Loi), e destacamos o muito bom Des Hommes e des Dieux (Dos Homens e de Deus), de Xavier Beauvois. É muito sóbrio e bem filmado esse relato sobre fé, vocação e amor ao próximo como projeto de vida, num monastério nas montanhas de Maghreb, norte da África, anos 90.

É a histórica verídica de como um grupo de oito monges franceses envolvem-se com extremistas do islã, que passaram a discordar até mesmo do apoio que o monastério dava aos seus vizinhos, uma comunidade pobre. O elenco inclui Lambert Wilson, mais confortável aqui do que no filme do Tavernier, e o impagável Michael Lonsdale, que segue sendo grande presença no cinema francês, desde Beijos Roubados, de Truffaut.

No filme mais silencioso de todo o festival, uma cena onde ouvimos O Lago dos Cisnes, de Tchaikovsky revela-se um dos momentos memoráveis do festival. Beauvois cria um transe que será quebrado pelo peso da intolerância e da violência. Muito bem recebido.

Cannes 2010

2010-05-19T08:28:00.000-07:00

Pablo Trapero, diretor de 'Carancho'

Grand Hotel, entrevistas no jardim.

Juliette Binoche a modelo esse ano partout.

Realizadores do '5x Favela' em Cannes

2010-05-19T08:22:00.000-07:00

Sobre a Imagem Russa

2010-05-19T04:59:00.000-07:00

Eu tentei lançar alguma coisa no texto sobre My Joy, do Losnitza, sobre a força bruta da imagem numa idéia de cinema russo, qualidade que também encontramos na literatura, poesia que vem de lá. É algo de difícil comprovação, pois ela passa pelo racional e vai direto ao coração, em geral quebrando-o. Talvez esse clipe aqui postado ajude a ilustrar um pouco do efeito geral de My Joy. Pertence a um filme irmão do filme de Losnitza - "4" (2005), de Ilya Khrjanovsky, obra interessante, mas indisciplinada e até imatura, também um panorama moderno sobre o país. De qualquer forma, essa sequência de abertura eu nunca esqueci, e é carregada dessa força "russa" de enquadrar, de agredir com uma imagem de um poder inimaginável sobrepondo-se a tudo.

Cotações Atualizadas

2010-05-19T03:22:00.000-07:00

POETRY, Lee Chang-Dong - ****
5X FAVELA - ***
MY JOY, de Sergei Losnitza - *****
CARANCHO, de Pablo Trapero - ***
DES HOMMES ET DES DIEUX, de Xavier Beauvois - *** 1/2
LA CASA MUDA - ***
I WISH I KNEW, Jia Zhang Ke - *** 1/2
COPIE CONFORME, de Abbas Kiarostami - ****
FILM SOCIALISME, Godard - ****
BIUTIFUL, de Alejandro Gonzalez Iñarritu - *1/2
LA PRINCESSE DE MONTPENSIER, de Bertrand Tavernier - ** 1/2
COUNTDOWN TO ZERO, de Lucy Walker - ** 1/2
L'HOMME QUE CRIE (competição), Mahamat-Saleh Haroun - *** 1/2
RUBBER (Semana da Crítica), Quentin Dupieux - ***
SHIT YEAR (Quinzena), Cam Archer - ***
YOU'LL MEET A TALL DARK STRANGER (Hors Concours), Woody Allen - *** 1/2
ANOTHER YEAR (competição), Mike Leigh - *** 1/2
CHAT ROOM (Certain Regard), Hideo Nakata - Abandonei aos 44 mins, detestei.
IL GATOPARDO (Cannes Classics), Visconti - *****
AURORA, Cristi Ouiu - *** 1/2
WALL STREET - MONEY NEVER SLEEPS, Oliver Stone - *** 1/2
O ESTRANHO CASO DE ANGÉLICA, Manoel de Oliveira *****
MARTI, DUPA CRACIUN (TUESDAY, AFTER CHRISTMAS), Radu MUNTEAN ****
RIZHAO CHONGQING (CHONGQING BLUES), WANG Xiaoshuai ***
THE HOUSEMAID, IM Sangsoo ***
ROBIN HOOD, Ridley Scott **

My Joy (competição)

2010-05-18T13:38:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Schaste Moe (My Joy, Minha Alegria), de Sergei Losnitza, é a Palma de Ouro clara e evidente em Cannes esse ano. O filme tem um estado de espírito que acelera o pulso pela força de cada um dos seus planos. Toda vez que vejo esse cinema de corte russo, com traços inconfundíveis da herança soviética, lembro daquela carcaça de cavalo levantada pela ponte suspensa em Outubro, de Eisenstein.

Esse filme passa como uma parábola de horror de proporções bíblicas sobre a Rússia. Indo além de uma idéia de retrato realista dessa cultura e sua paisagem, vamos um passo além, pois o filme resulta numa pintura sofisticada do seu próprio estado de espírito, o retrato da alma.

A força descomunal do filme poderá ser discutida e/ou questionada pelos que não têm intimidade com o país e sua história recente e atual. Tudo pode parecer agressivo demais, pessimista demais, poético demais, de um impacto difícil de administrar. Para quem tem uma intimidade mínima, essa visão artística só pode ser admirada.

Esse é o primeiro filme de ficção de Losnitza, que tem uma carreira brilhante no documentário em curta e média metragem. Fez um outro filme impressionante chamado Blockade (2006) a partir dos arquivos do orgão de propaganda soviético sobre o cerco nazista a São Petersburgo (Leningrado, na época), recriando sons para as imagens mudas que mostram uma cidade asfixiada tentando viver.

Em Schastye Moe, o espectador é colocado num estado de tensão suspensa constante, e entra na casa das duas dezenas as imagens potentes da força bruta esmagando sinais inconfundíveis de delicadeza.

Quando existe a suspeita de nihilismo por parte do realizador, ele nos dá uma sinfonia de rostos humanos numa feira de cidade pequena, um homem que só quer passar amor para seu filho pequeno, um outro que quer voltar para casa com um vestido para sua mulher.

No entanto, esse é um filme que começa com a imagem de uma betoneira misturando concreto, um trator e um cadáver, e o nível de tensão em cada plano é algo a ser ainda estudado.

O fotógrafo moldavo Oleg Mutu (A Morte do Senhor Lazarescu, 4 Meses 3 Semanas 2 Dias) usa a tela larga scope de maneira orgânica, cada espaço ciente de sua importância, unindo estética e informação narrativa.

Das paisagens de verão a florestas geladas, Losnitza nos leva a uma estrutura fabular perfeitamente cortada pelo clima de modernidade, vez ou outra nos contando episódios isolados no passado de uma memória coletiva traumatizada.

Nosso personagem principal e condutor é um motorista (Viktor Nemets) de caminhão que, como um garoto num conto de fadas, tenta manter-se na estrada principal, mas aos poucos toma caminhos cada vez menores e perdidos na floresta.

Com a bússola moral quebrada, e a alma claramente vencida, Losnitza desconstrói nossa segurança de espectador treinado, nos deixando sozinhos com os elementos, e um deles é um outro cadáver que precisa ser enterrado. É ainda mais impressionante a sequência final, um apocalispe perfeitamente inserido na história, fruto de um russo que lamenta muito o estado atual da cultura política e herança histórica do seu país.

Filme visto na Debussy, Cannes 18 Maio 2010

I Wish I Knew (Un Certain Regard)

2010-05-18T12:51:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Me chama a atenção que ao ver um filme de Eduardo Coutinho, tem-se a sensação de estarmos diante de um documentarista. No cinema de Jia Zhang Ke, fica a impressão de que ele é um historiador. Seus últimos três, pelo menos, Useless (2007), 24 City (2008) e esse novo – I Wish I Knew - que passou em Cannes domingo (Un Certain Regard) - parecem ter a chave da história oral nas mãos, uma contrapartida de cabeças falantes equilibrada por uma construção de imagens sofisticadas de registro, ao que parece, feitas com uma preocupação não apenas de preencher a tela larga do cinema hoje, mas principalmente no futuro.

Sente-se uma certa transformação na obra de Jia Zhang Ke, se pegarmos seus filmes de dez anos atrás, mais claramente associados à idéia de ficção. Nessa trinca recente, ele assume o papel de principal cronista / testemunha ocular da China moderna, um feito e tanto num cinema chinês moderno que também parece preocupado em trazer para os filmes as mudanças que ocorrem na cultura, infra-estrutura e paisagem do grande país.

Sua preocupação com esse registro sugere um amor pessoal focado. I Wish I Knew não pareceu agradar tanto a platéia, uma informação sempre desimportante, mas talvez notável considerando que o realizador e sua atriz estavam presentes.

O filme constrói (em duas horas e 20 minutos) uma versão palpável de história através de relatos vividos verbalizados. A técnica de história oral sempre me atraiu muito nos estudos de história.

Sua fragilidade é exatamente sua maior força, ouvir o relato em primeira pessoa que traz experiência de vida e verdade, ao mesmo tempo em que a memória pode ser falha, introduzindo o erro e o julgamento errado de um determinado fato. Datas podem ser equivocadas, mas nada supera essa experiência narrada, ou a imagem de um rosto que lembra, ou que faz esforço para lembrar.

Zhang Ke usa uma galeria de personagens maduros, alguns idosos, para filmar a China, as mudanças de costume, a violência dos conflitos internos, da Guerra, do partido, dos lugares abandonados, ou demolidos.

Num momento, ele nos mostra uma entrevista interrompida bruscamente pela sua personagem, que ordena “pare de gravar”, seguido de um corte sumário. A cena semelhante de Um Lugar ao Sol, doc de Gabriel Mascaro, me veio à mente, sem jogar aí qualquer julgamento sobre aquele outro procedimento.

I Wish I Knew tem alguns procedimentos que o levam a um outro estágio do documentário. As imagens largas em scope sugerem que não há outra forma de filmar a China, e as composições são fortes, enamoradas tanto pela beleza como a feiúra da arquitetura e da destruição.

Filme visto na Debussy, Cannes, 16 Maio 2010

Copie Conforme (competição)

2010-05-17T12:14:00.001-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Saindo agora da sessão do filme novo de Abbas Kiarostami, Copie Conforme (Cópia Verdadeira). Horas antes, eu havia escrito sobre as legendas de Godard em Film Socialisme, e agora à noite Kiarostami usa de maneira jocosa as mudanças de língua, tudo muito inteligente e com significados no mínimo astutos, até onde consegui sentir. O filme, no entanto, não é sobre isso, mas apenas um dos detalhes que o enriquecem muito.

É uma mudança e tanto de forma, no que já havia sido anunciado como o primeiro Kiarostami filmado na Europa, com atores europeus. O filme é um presente para Juliette Binoche.

Na superfície, o filme flerta com uma série de outras observações já feitas que rondam a memória do espectador, em especial Viaggio a Italia, de Rosselini, e mesmo o Before Sunrise/Sunset do Richard Linklater. Une uma reflexão sempre a pé e em deslocamento sobre o casamento como história pessoal de cada um, de duas pessoas, somando essa história ao em torno, que não deve ser por acaso tratar-se da Itália.

O homem (William Schimell), aliás, é um acadêmico, especializado em patrimônio cultural, e será a parte mais fria da dupla, cética, distante e fria, mas com doses curiosas de um homem ainda apaixonado. É inglês. Ela, francesa, também fala italiano e francês, e a verbalização do que sentem logo vira uma caixa de pequenas surpresas ao longo do filme.

Ali por baixo, Kiarostami discute rica e prosaicamente identidade de ser você mesmo com uma outra pessoa, e o que se constrói junto num ambiente que já parece ter visto de tudo, vivido tudo e acolhido todos. E tocam os sinos da igreja, sempre para lembrar que o tempo passa e leva as pessoas junto.

O filme é muito delicado.

Filme visto na Sala Debussy, Cannes, 17 maio 2010

Terraço da Quinzena

2010-05-17T12:09:00.000-07:00

É aqui onde encontros são feitos, entrevistas marcadas e bebida consumida.

Biutiful (competição)

2010-05-17T09:43:00.001-07:00

Bardem, looking miserable.

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Para quem, como eu, nunca admirou os filmes de Alejandro Gonzalez Iñarritu (Amores Brutos, 21 Gramas, Babel), dotados daquele estilo bombástico que parece sempre querer mostrar de maneira tão enrolada esse mundo já tão complicado, o novo trabalho dele deve registrar como seu nível mais baixo até agora. Biutiful (em competição), com Javier Bardem, passou hoje no Festival de Cannes, uma traquitana emotiva infernal. O japonês Takeshi Kitano também exibiu seu novo trabalho, Outrage, sobre outra coisa infernal, uma guerra entre yakuzas. E passou o novo Godard.

A competição esse ano não tem sido animadora. Biutiful, de Iñarritu, junta uma coleção de retratos da suposta realidade, cada um deles manipulados à exaustão pelo diretor para que tudo se feche direitinho sob seus desígnios.

É sobre um homem (Bardem) que agrega em si mesmo toda a crise da sociedade moderna mundial capitalista: faz bicos fora da lei para pagar as contas, trabalha com imigrantes chineses e africanos, tenta ajudá-los em ações humanitárias que soletram o quão BOM ele é, questiona sua espiritualidade, seu casamento, o amor, a bipolaridade, cuida das crianças, encara a morte, vê gente morta.

É um desses roteiros de máquina sobre alguém “à procura de redenção” e a primeira vez que Sr. Irritu trabalha sem a parceria de Guillermo Arriaga, que recebia parte das reclamações por aquele estilo colcha de retalho que encontrou em Babel sua vocação maior para aula de geografia.

Biutiful se passa em Barcelona, que na tela tem a feiúra suja de São Paulo ou Cidade do México. Não deixa de ser curioso lembrar que esta é a mesma cidade onde Woody Allen fez Vicky Cristina Barcelona. Esse look Estrada dos Remédios ou Largo de Pinheiros sugere uma busca pelo retrato dodói do mundo como um todo.

Um aspecto da projeção ontem foi revelador: Iñarritu obviamente deu ordens para que Biutiful passasse com um volume nunca antes ouvido na Sala Lumiere, como se não bastasse as imagens, situações e mensagem estridentes do filme em si. Estava alto, e suspeito que a intenção era valorizar uma sequência que parecia ser importante para o realizador (numa boate), mas que para o espectador não era realmente nada.

Um brincalhão com aspectos sonoros, ele tem duas cenas gravadas com microfones de lapela nos atores que, ao se abraçarem, ouvimos o NHhhhRRfffFFFMMoooMM dos esfregões humanos, até mesmo os corações batendo. Over.

Por nenhum motivo aparente, o filme começa e acaba em formato scope 2.35, mas o 90% do meio é tela plana 1.85. Um corte que volta para o scope rumo ao final nos mostra a imagem aberta do horizonte com o sol, mas é uma cilada. Logo após, vem mais tranqueira. Problemas de laboratório?

Primeira sensação de “socorro!” na competição, muito embora saiba que existe um mercado para esse tipo de coisa.

Filme visto na Lumiere, Cannes, 17 de Maio 2010

Outrage (competição)

2010-05-17T09:35:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Outrage (competição) não deixa de ser uma decepção vinda de Tóquio, onde o autor e ator Takeshi Kitano, o cara dura mais interessante do cinema internacional, nos dá um incrível banho de sangue que chega a lembrar pornografia. Ignoramos a historinha e já sabemos que vão partir para o BANG!! POW!! CAPOW!!” a cada quatro minutos, de relógio. E que sons de tiros... que som de um cutelo decepando dedos...

Envolvimento, caracterizações ou observações sobre a máfia japonesa são ejetadas para dar lugar a um toma-lá-da-cá draconiano a partir do momento em que uma família decide dar um susto numa outra família. O espectador logo ficará dormente por esforço repetido.

Pela monotonia, freqüência do sangue e criatividade das execuções, lembra Sexta-Feira 13, embora o assassino seja qualquer um, em qualquer lugar. Vez ou outra, a brutalidade é engraçada e absurda (uma vitima é pega na cadeira do dentista), mas na maioria das vezes apenas desagradável e vazia.

Do ponto de vista cultural, é interessante observar que a idéia de racismo e uma mínima correção política ainda não chegou ao Japão. Acontece que a Yakuza despeja a embaixada do Gabão em Tóquio para fazer seu escritorio, seu embaixador um homem negro retratado de forma caricata, QI inexistente e nenhum respeito próprio em cenas pensadas como comédia. Silêncio absoluto da platéia ocidental em Cannes. Se a Yakuza é racista, faria parte da história, mas fica a dúvida sobre o olhar do próprio filme.

Filme visto na Debussy, 16 Maio 2010

Film Socialisme (Un Certain Regard)

2010-05-17T09:24:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Jean Luc Godard, muito aguardado, cancelou sua vinda a Cannes, onde faria concorrida coletiva de imprensa hoje. SO jornal Liberation publicou o que seria o conteúdo do bilhete manuscrito que enviou a Thierry Fremaux para dar suas satisfações:

"Depois de problemas de tipo grego, nao vou poder estar no festival. Com Cannes, vou até a morte, mas nao darei mais um passo que seja pra frente."

Seu filme, no entanto, passou, chama-se Film Socialisme (Un Certain Regard), prova de que quem já fez tanto pelo cinema, pode fazer mesmo qualquer coisa. O cancelamento de sua vinda ao festival parece casar perfeitamente com as palavras que fecham o filme: ‘No Comment’.

Os franceses têm uma expressão muito boa para mostrar ceticismo, espanto, descrença e alguma interjeição de absurdo: “n'importe quoi”. Film Socialisme foi o mais benvindo ‘n'importe quoi!’ de Cannes até agora, uma nova variação dos fluxos de idéias e pensamentos que observamos na obra recente de Godard, uma mutação da sua capacidade de expressar-se por imagens, já há 50 anos.

Chama a atenção que seja tão textualmente um livro ilustrado de poesias, falado em francês, russo, algumas frases em inglês. Nada em Film Socialisme parece pré-formatado, e isso nos remete a uma das frases de Godard incluídas no material de imprensa. “Mesmo com Final Cut (ed: programa de edição da Apple, usado até para editar os video-posts aqui do blog), o mais humilde ou mais arrogante dos montadores estará preso às convenções do passado e do futuro”.

Estamos num transatlântico, onde o filme bate bola formal com o outro ensaio que é o filme pernambucano Pacific, de Marcelo Pedroso, imagens de um deslocamento burguês filmadas com pequenas câmeras digitais.

A água do mar convida pensamentos, que são reprocessados nas legendas em inglês como obras à parte, redefinindo o papel da legenda e provavelmente irritando os que não ouvem o francês. A legenda deixa de ser um instrumento e vira obra, e eu adorei isso. Talvez adorasse da mesma forma se não entendesse francês. É como se as letras subtituladas finalmente ganhassem liberdade de ser outra coisa, não submissas à fala, mas paralelas ao filme.

Outra referencia é Um Filme Falado, de Manoel de Oliveira, também num transatlântico que se desloca pelo tempo. Godard sobrepõe seus temas como irmãos antagonistas, em geral usando curtas frases: Palestina: acesso negado, pobre Europa, humilhada pela Liberdade, Hollywood Meca do Cinema, Tumulo do Profeta, o sol e a morte a gente não olha de frente (o que me leva ao filme do Iñarritu, visto momentos antes).

É um fluxo digital, uma corrente de idéias que no todo irá sempre levar alguns a perder a paciência, e outros a sentir um prazer sereno nessa massa caótica.

Num dos momentos do filme, a voz de Godard é ouvida: “CinemaScope”, e corrigida por uma criança, “Não, 16X9”. Talvez defina a relação absolutamente moderna desse chato fascinante, que aos 79 anos continua se revendo dentro da própria imagem, mudando com ela. Ou melhor, desejando que ela evolua.

Filme visto na Debussy, Cannes, 17 Maio 2010

La Princesse de Montpensier (competição)

2010-05-17T05:19:00.001-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

O cinema francês foi mal representado ontem, na mostra competitiva, com La Princesse de Montpensier, filme algo de empalhado de Bertrand Tavernier. É um dramão de época (1562, na guerra entre católicos e protestantes) com cascos de cavalo estrondando o Dolby quase tanto quanto os volumosos figurinos e lutas de espada. A coletiva de imprensa deixou transparacer que o filme é mais dos produtores do que de Tavernier, sempre um problema.

Marie de Montpensier (Melanie Therry) é uma jovem força feminina da natureza, capaz de fazer todos os homens enlouquecerem por ela, um problema já que Therry, certamente uma gracinha (fotografa como Michelle Pfeiffer em Ligações Peigosas) não é nenhuma Claudia Cardinale em O Leopardo. Lambert Wilson, Gaspard Ulliel e Grégoire Ringuet encaram tudo com profissionalismo, embora o filme aparente ser a resposta francesa para o mesmo tipo de passatempo inexpressivo de Robin Hood, que abriu Cannes quarta passada.

Filme visto na Sala Lumiere, Cannes, 16 Maio 2010

Un Homme Qui Crie (competição)

2010-05-17T05:15:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Muito bom o filme em competição do Chade, o primeiro do país africano na história de Cannes. Un Homme Qui Crie (Um Homem Que Grita) é sério candidato a prêmio. Retrato honesto e tocante da vida hoje no Chade, onde a juventude está sendo perdida pela guerra civil e as perspectivas de vida logo chegam a zero para a população. Pode parecer painel ambicioso, mas não é, uma vez que o cineasta Mahamat-Saleh Haroum usa os pequenos detalhes para falar de algo bem grande.

É um filme sobre a figura paterna, homem de 60 anos, ex-campeão nacional de natação, que há 40 anos cuida da piscina de um hotel, ilha de riqueza. Seu filho de 20 é levado a força para lutar no faminto exército do país. É tudo tão lindamente filmado, com emoções contidas que revelam um filme poderoso, deixando o espectador mais uma vez se perguntando, “mas, e a África...?”.

Filme visto na Sala Bazin, Cannes, 15 maio 2010

Another Year (competição)

2010-05-17T05:13:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Na manhã do sábado, o Grand Theatre Lumiere, o maior de Cannes, exibiu duas versões de Londres, por dois autores com extensa folha corrida. Primeiro passou Another Year (competição), onde Mike Leigh mais uma vez acompanha, com sua peculiar mistura de ceticismo e alento, um grupo de pessoas na capital inglesa. Depois, esvaziaram a sala, e voltamos para a segunda sessão, onde Woody Allen mostrou seu novo filme, You’ll Meet a Tall Dark Stranger (hors concours), crônica sobre os temas que lhe são caros, o pessimismo quase sempre bem humorado de viver.

No caso de Leigh, volta o bom espanto de ver um cineasta totalmente interessado em filmar o rosto das pessoas. É curioso ver esses dois filmes juntos, pois Leigh confirma-se incrível retratista da realidade inglesa, enquanto Allen continua sendo o autor de uma dimensão paralela só sua, aqui por um acaso filmada em Londres. “Esse filme poderia ter sido feito em qualquer outra cidade”, disse Woody na coletiva.

Em Another Year (Outro Ano/Mais Um Ano), Leigh faz jus ao titulo mostrando pequenos detalhes da vida de um grupo de pessoas ao longo da divisão clássica quatro estações (da primavera ao inverno). Com uma dezena de personagens bem administrados, fica claro apenas na última cena quem seria de fato o foco principal do filme, toque potente.

Um casal cinqüentão feliz, ele (Jim Broadbent) é geólogo, ela (Ruth Sheen) psicóloga, tem um filho tranqüilo de 30 anos (Oliver Maltman). São o eixo do filme e dão assistência emocional para Mary (Lesley Manville), uma amiga simplesmente infeliz que passa a testar a paciência dos amigos com sua carência. E há uma série de outros personagens interessantes, sempre interagindo em torno de instituições britânicas como pequenas salas, cozinhas e jardins.

Leigh é muito acusado, na sua carreira, de dureza e crueldade com alguns dos seus personagens, algo que desaparece em alguns dos seus filmes. Seu último, Simplesmente Feliz, foi seu olhar mais ensolarado até agora, e voltamos, de certa forma, às sombras com Another Year.

É muito curioso observar como filmes batem para as culturas que os produziram.
Ontem, por exemplo, saiu crítica na revista britânica Screen International que joga o filme no lixo pelos personagens “que você evitaria numa festa” e, essa é a melhor parte, pondera que “a carreira nos cinemas da Inglaterra deverá ser sombria, onde já instala-se clima pessimista com as novas medidas tomadas pelo novo governo”, citação ao clima inglês pós-eleição que deu vitória aos conservadores.

Talvez um olhar que se atenha ao cinema revele o filme de um artista que dramatiza como poucos o teatro humano.

Filme visto no Lumiere, Cannes, 15 Maio 2010

You'll Meet a Tall Dark Stranger (hors concours)

2010-05-17T05:05:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Sobre Woody Allen, poucos autores dramatizam tão bem o ridículo necessário que é a comédia humana. A começar pelo título You’ll Meet a Tall Dark Stranger (Irás Conhecer um Moreno Alto), que leva a duas coisas. A promessa de romance para uma mulher, normalmente via cartomante, que tem no ideal latino uma noção de romance sensual. Ou, na versão de Woody Allen, o sujeito alto e moreno é a própria morte, semelhante à ironia de Clarice Lispector quando as cartas prometem à sua Macabéia “um alemão loiro”.

E Allen nos dá uma outra ciranda terrivelmente sarcástica de personagens que preferem depositar suas possibilidades de felicidade na ilusão. Uma esposa abandonada na terceira idade (Gemma Jones) passa a decidir sua vida via cartomante. Seu ex-marido (Anthony Hopkins) clareia os dentes, passa a fazer exercício e casa-se com uma jovem prostituta à procura do elixir da juventude. Um escritor fracassado (Josh Brolin) submete o manuscrito de um amigo morto, como se fosse dele. A mulher dele (Naomi Watts) acredita numa possibilidade de amor que talvez não seja real.

“Minha relação com a morte continua a mesma, sou totalmente contra”, afirmou Allen para uma onda estridente de gargalhadas no encontro com a imprensa, sábado. “Quero chegar aos 100 como Manoel de Oliveira chegou, e não com placas de alumínio espalhadas pelo corpo, me arrastando, ligado a aparelhos”.

Sobre o sarcasmo para com os que vivem de ilusões, disse “se eu conhecer um boboca numa festa que acredita em misticismos e cartomantes, é claro que eu vou rir da cara dele e achá-lo um boboca; mas sei que ele será bem mais feliz do que eu jamais serei. De qualquer forma, para mim, eles só fazem alimentar uma indústria de milhões de dólares”.

Brolin, que também está em Wall Street – Money Never Sleeps, de Oliver Stone, falou de Allen: “há um grande fator de sedução em Woody Allen, e esse fator vem da sua humildade. Eu fiz uma ponta em Melinda Melinda, anos antes, e ele me convidou para esse filme novo com um bilhete que dizia, “você talvez se lembre de mim de Melinda Melinda, eu era o diretor”.

A relação de Allen com os atores foi descrita por ele da seguinte forma: “tudo se resume a você saber contratar. Sabendo contratar os atores, você já tem tudo à mão e não precisa fazer mais nada, só calar a boca e pegar o cheque”.

Durante a projeção, You’ll Meet a Tall Dark Stranger passa como um filme meio-termo de Allen, pelo menos até o momento em que a imagem cinematográfica de uma janela, já no final, eleva o filme a algo realmente especial. Sem entrar em detalhes, mostra, num único plano, que a felicidade, assim como o próprio cinema, é apenas uma questão de ponto de vista. É bonito, e é amargo.

Filme visto na Lumiere, Cannes, 15 de Maio 2010

Domingo - Manhã

2010-05-16T02:48:00.001-07:00

Vídeo KMF da Sessão de 'O Leopardo'

2010-05-15T15:47:00.001-07:00

Cannes Video #2 - 'Il Gatopardo' from Kleber Mendonça Filho on Vimeo.

O Que Vi Até Agora

2010-05-15T14:59:00.000-07:00

L'HOMME QUE CRIE (competição), Mahamat-Saleh Haroun - ****
RUBBER (Semana da Crítica), Quentin Dupieux - ***
SHIT YEAR (Quinzena), Cam Archer - ***
YOU'LL MEET A TALL DARK STRANGER (Hors Concours), Woody Allen - ***
ANOTHER YEAR (competição), Mike Leigh - *** 1/2
CHAT ROOM (Certain Regard), Hideo Nakata - Abandonei aos 44 mins, detestei.
IL GATOPARDO (Cannes Classics), Visconti - *****
AURORA, Cristi Ouiu - *** 1/2
WALL STREET - MONEY NEVER SLEEPS, Oliver Stone - *** 1/2
O ESTRANHO CASO DE ANGÉLICA, Manoel de Oliveira *****
MARTI, DUPA CRACIUN (TUESDAY, AFTER CHRISTMAS), Radu MUNTEAN ****
RIZHAO CHONGQING (CHONGQING BLUES), WANG Xiaoshuai ***
THE HOUSEMAID, IM Sangsoo ***
ROBIN HOOD, Ridley Scott **

Sessão Histórica de 'O Leopardo' Restaurado

2010-05-14T14:57:00.000-07:00

por Kleber Mendnça Filho
cinemascopio@gmail.com

Em Cannes, você acha que vai apenas ver tranqüilo a versão restaurada de O Leopardo, de Visconti, na sala Debussy, e nota que a sessão não será normal já pelo cheiro de perfume que abala o ar. Aí percebe que, na fileira imediatamente atrás de você, papéis marcam poltronas com os nomes de Alain Delon, Claudia Cardinale e Martin Scorsese...

Para quem tem relação próxima com o cinema (eu e todos vocês que lêem isso aqui), a sensação não é careta. O cinema gera um sentimento mitificador sem igual, e se estamos falando de um clássico absoluto dessa arte como ‘Il Gatopardo’ a distância só parece aumentar. Só que, ao olhar para trás, você vê Alain Delon sentado vendo o mesmo filme, e Cardinale, filmada por Visconti, sendo vista por você sem lentes, ou Scorsese, que fez ‘The Age of Innocence’ pensando em Visconti, reprocessando O Leopardo. É tudo muito possível no cinema, e muito próximo no cinema, e distante demais.

Foi uma sessão histórica, e rever o filme não teria preço se fosse pago. Entre muitos, o momento que mais me chamou a atenção é a cena onde o príncipe de Burt Lancaster, sentindo-se velho e decadente no meio da grande festa, é rejuvenescido pela beleza indescritível de Cardinale, noiva do seu sobrinho, Delon. Lancaster já faleceu, Delon e Cardinale já estão velhos, talvez em algum momento se sentindo como aquele príncipe.

Qualquer excesso, perdoem, mas acabo de sair da sessão e o tema é caro ao Sr. Visconti. Foi muito bom.

Aurora (Un Certain Regard)

2010-05-14T14:50:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Cannes continua sendo o ponto zero hoje no mundo para o cinema romeno, e a mostra Un Certain Regard nos traz mais duas provas de que esses romenos parecem ter dominado o mercado do realismo. Eu só acho interessante que num mundo cada vez mais 3D, será que existe um mercado para esse realismo tão afiado? Marti, Dupa Cracium (Terça, Depois do Natal), de Radu Muntean, e Aurora, de Cristi Puiu, foram exibidos quinta e sexta.

A atual safra premiadíssima de cinema romeno, na verdade, como todos já devem saber, teve início com um filme maravilhoso de Puiu, exibido em Cannes 2005, A Morte do Sr. Lazarescu, que infelizmente não encontrou distribuição no Brasil. Puiu levou a Câmera de Ouro naquele ano com a linda história de um homem idoso e doente, numa noite de Bucareste. Seu segundo filme foi muito esperado e fica o lamento geral que seja uma decepção.

Está de volta o tratamento processual que parece unir todos os filmes romenos (Leste de Bucareste e Policia Adjetivo, de Corneliu Porumboiu, 4 Meses 3 Semanas 2 Dias, de Cristian Mungiu), vindo de uma câmera perspicaz que acompanha o personagem num determinado ambiente. O problema é que em Aurora, Puiu leva o conceito ao ponto da exaustão, ainda mais a serviço de um olhar que já conhecemos. Tematicamente, há ainda sensação de déja vu.

É essencialmente a história de alguém que mata, algo que Kieslowski filmou tão bem (e em menos da metade do tempo) em Não Matarás, ou Haneke (usando vetores diferentes, é verdade) em algo como Benny’s Vídeo.

Em Aurora, Puiu pede demais do espectador ao nos fazer acompanhar um homem recém divorciado, infeliz, perambulando por Budapeste e matando, ao longo de três horas de projeção quatro pessoas. Difícil não lembrar que o título internacional de Não Matarás é A Short Film About Killing (Um Filme Curto Sobre Matar), e que Puiu fez um filme longo sobre a mesma coisa. Muito bem filmado, com um final ainda mais lacônico que parece sugerir que a sociedade é um lugar frio e indiferente para se viver, Aurora talvez seja a minha primeira real decepção vinda da Romênia.

Filme visto na Debussy, 14 de Maio 2010, Cannes

Marti, Dupa Cracium (Un Certain Regard)

2010-05-14T14:47:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

De volta à expressividade pessoal que faz os romenos tão bons, temos Terça, Depois do Natal, que poderá ser discutido a partir de agora em termos de como filmar a intimidade das pessoas. Uma referencia, especialmente na raiz temática “casamento”, sempre foi Ingmar Bergman, mas Muntean consegue deixar marca própria nessa linda/terrível história sobre o fim de um casamento.

O marido tem uma filha e tem também uma amante alguns anos mais jovem que a esposa. Eu tinha visto o filme anterior de Muntean – Boogie, passou na Quinzena em 2008 -, bom filme que fica menor junto desse. Já analisava relações de traição, responsabilidade, relacionamento, tudo muito bem filmado, atuado e vivido.

Num filme onde o cinema é tão íntimo dos personagens, vale dizer que o barulho da câmera faz parte da cena onde homem e mulher sussurram um para o outro, ou gritam um com o outro. E é ainda um filme onde a cena final não pode ser esquecida. Ela sintetiza não apenas a cumplicidade entre pessoas, mas entre a câmera e nós mesmos.

Filme visto na Debussy, Cannes, 13 Maio 2010

Wall Street - Money Never Sleeps (hors concours)

2010-05-14T14:43:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Foi nos primeiros meses de 1988 que eu vi no Cinema São Luiz (Recife) Wall Street – Poder e Cobiça, filme de Oliver Stone, na época ainda gozando do sucesso de Platoon. O filme, enxuto, tenso, com um sólido senso moral, falava sobre os EUA daquele momento, dominado pela cultura yuppie da era Reagan. Hoje, parece o tipo de filme que não vemos mais em Hollywood, obra adulta para adultos, e que só agora, 22 anos depois, ganha uma continuação, Wall Street – Money Never Sleeps (O Dinheiro não Dorme). Passou ontem em Cannes em pré-estréia mundial fora de competição. Tem estréia no Brasil em setembro.

Foi o filme do dia, em termos de mídia, uma das poucas produções Hollywood esse ano no festival, para a alegria de uma imprensa faminta por filmes grandes cheios de celebridades num cardápio onde predominam pequenos filmes autorais de países como a Romênia, a Coreia ou mesmo a França. Aliás, como bem disse o inglês Mike Leigh (em competição esse ano outra vez com Another Year), numa entrevista publicada ontem na Hollywood Reporter, “os americanos fingem que, mas, na verdade, não entendem Cannes”.

E os jornalistas, americanos ou não, estavam felizes ontem com a presença de Stone, Michael Douglas (que ganhou seu Oscar de ator por Wall Street), Josh Brolin, Shia LaBeouf, Frank Langella e o produtor Edward Pressman, na coletiva de imprensa.

Douglas, que interpretou o urubu de Wall Street Gordon Gekko, está de volta no filme novo, que começa com Gekko saindo da prisão por crimes cometidos nos anos 80. Dos seus artigos pessoais recuperados na saída, um gigantesco celular ilustra bem a passagem do tempo e dos costumes. São de Gekko/Douglas as melhores falas dessa continuação, como “nos anos 80, ganância era uma coisa boa, hoje ela foi legalizada”.

É curioso observar que, se o primeiro filme traçava perfil de um estado de espírito político na sociedade americana na época, nesse novo sobressai-se antes de tudo um reflexo do mercado atual de cinema. Se no primeiro, Douglas dividia o filme com Charlie Sheen, agora Douglas está no filme como passageiro. Nosso herói é interpretado por LaBeouf (Transformers), ator amigável para platéias jovens que os produtores claramente almejam com o tom censura 13 anos (o PG-13 de Hollywood) do todo.

Na verdade, o trabalho de LaBeouf nesse novo Wall Street repete o que ele mesmo fez em Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal, ou seja, ser o meio campo entre os adolescentes e um grande astro de 20 anos atrás, agora grisalho.

No entanto, o filme não deve ser desprezado. Stone, o principal cronista dos EUA, talvez em toda a história de Hollywood, sempre lidando com Grandes Temas em letras garrafais (Vietnã, anos 60, 11 de Setembro, Nixon, política externa, Bush, etc) mais uma vez retrata essa sociedade numa época em que a informação é tudo o que há. Seu filme é sobre o poder assumindo a forma mutante da informação, o que nos leva às aspas de Russel Crowe na coletiva de Robin Hood, no primeiro dia de Cannes, e talvez ao novo Godard, Film Socialisme.

Stone chega a encher a tela de letrinhas, números e efeitos digitais (uma bolha de sabão ilustra o efeito... er... ‘bolha estourada’ da economia) que parecem coisa de filme 3D (o filme é 2D). Há jargões técnicos e a trama, vez ou outra, soa como uma língua estrangeira não dominada, embora o roteiro se esforce para trazer tudo para o térreo. Susan Sarandon, por exemplo, faz a mãe do garoto, endividada por especular com imóveis.

De qualquer forma, passa batido esse pequeno drama maternal se comparado aos conflitos entre o herói do filme original, interpretado por Charlie Sheen (reaparece numa ótima e cínica ponta), e seu pai (Martin Sheen), um dos pontos mais fortes daquela obra. Vai-se também um certo clima de cinema americano ‘grand public’ que não se faz mais (o Wall Street original) com os ‘post its’ desse novo na idéia de família. Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme ou O Dinheiro Não Dorme Nunca termina sendo mesmo o retrato desse tempo agora.

Filme visto no Lumiere, Cannes, 14 de Maio 2010

O Que eu Vi Até Agora

2010-05-13T13:48:00.000-07:00

AURORA, Cristi Ouiu - *** 1/2
WALL STREET - MONEY NEVER SLEEPS, Oliver Stone - *** 1/2
O ESTRANHO CASO DE ANGÉLICA, Manoel de Oliveira *****
MARTI, DUPA CRACIUN (TUESDAY, AFTER CHRISTMAS), Radu MUNTEAN ****
RIZHAO CHONGQING (CHONGQING BLUES), WANG Xiaoshuai ***
THE HOUSEMAID, IM Sangsoo ***
ROBIN HOOD, Ridley Scott ** 1/2

Godard aspas

2010-05-13T13:45:00.000-07:00

A frase mais comentada em Cannes, via edição publicada da revista 'Les Inrockuptibles', foi “Autor não tem direito, autor só tem dever!” O encontro de Godard com a imprensa semana que vem, em Cannes, deverá ser um dos momentos mais importantes do festival.

The Housemaid (competição)

2010-05-13T13:25:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Na competição, o coreano The Housemaid (a Empregada Doméstica), de Im Sangsoo, conta história perfeitamente escabrosa entre ricos e pobres, sobre a jovem titular que trabalha numa mansão. Ela passa a ter caso com o patrão milionário para o desgosto da esposa grávida e a sogra. Poderia ser o filme brasileiro que não tem sido feito, talvez pelo fato de o material lembrar qualquer coisa entre Nelson Rodrigues e uma novela das oito. O filme, no entanto, é cinemão Scope, cada plano uma alegria para o diretor.

Eu fiquei dividido entre não gostar da sensação constante de marxismo simples onde ricos são ruins e pobres têm bom coração e o interesse geral pelo material. É algo que dissipa-se pela pura energia de Im Sangsoo. É a riqueza generalizada desses filmes coreanos, vide Oldboy, Hospedeiro, Mother, Thirst, etc.

Sangsoo parece pegar emprestado pelo menos duas deixas de A Profecia (cena, elemento de construção, não tematicamente), o thriller de 1976 dirigido por Richard Donner. Esse jovem diretor coreano esteve em Cannes em 2005 com o igualmente energizado The President’s Last Bang, que talvez seja bem melhor, reconstituição sanguinolenta de um golpe de estado em 1980, em Seoul.

Como sempre em tratando-se de coreanos, eles não são nunca chatos, e é importante ressaltar uma certa energia sensual nesse filme e um final WHATDAFUCK - HÃ???!!! que parece elevar alguns graus acima o que já estava me entretendo. Eu achei que seria vaiado, foi até bem aplaudido. Parece que a energia instiga.

Filme visto na Debussy, Cannes, 13 Maio 2010

O Estranho Caso de Angélica (Un Certain Regard)

2010-05-13T12:49:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Da tranqüilidade do primeiro dia, Cannes pulou para a quarta marcha hoje. Dois orientais chamaram a atenção, o melodrama chinês sobre pais e filhos Chonqing Blues, de Wang Xiaosuai, e o nunca chato coreano The Housemaid, de Im Sangsoo, uma luta de classes numa mansão.

No entanto, quem não pára de roubar a cena em festivais desse porte a cada novo pequenino-grande filme é Manoel de Oliveira, que estreou mundialmente O Estranho Caso de Angélica, apresentado na paralela Un Certain Regard.

Oliveira estava na coletiva de imprensa do seu filme, tranqüilo, discutindo cinema, e é sempre bom enfatizar que ele faz isso aos 101 anos de idade. “A morte é uma certeza, e eu não tenho medo dela”, afirmou.

Indo direto ao ponto, seus filmes proporcionam experiência sem igual que sugere ligação entre um cinema pessoal e moderno feito hoje que não existiria sem um sentido palpável de um passado que parece ser só dele. É um privilégio poder ver essas modernas cápsulas do tempo, onde predomina a sensação de analógico num ambiente onde só se pensa em digital.

Quantas vezes mais iremos nos impressionar com a sua capacidade de escrever esse cinema com letras, sons e imagens que nos remetem a uma noção palpável de Portugal, e nisso vem a elegância romântica criada na literatura e no teatro, nos galanteios de muito tempo atrás, no linguajar de um olhar romântico que ainda sai puro num filme feito em 2010?

O Estranho Caso de Angélica, uma co-produção brasileira (via Mostra Internacional de Cinema de SP), foi originalmente escrito em 1952 como roteiro... Oliveira atualiza como ninguém mais atualizaria, deixando uma idéia curiosa de um senso de tempo que não cabe no termo ‘anacronismo’. Isso faz de O Estranho Caso de Angélica o irmão coerente de uma outra jóia desse autor, Peculiaridades de uma Rapariga Loira, que estreou ano passado em Berlim, adaptação de Manoel de Oliveira para o romance de Eça de Queiroz.

Em ‘Angélica’, o personagem central chama-se Isaac, um fotógrafo judeu levado numa madrugada chuvosa para uma quinta de família nobre para fotografar pela última vez Angélica, bela jovem que acaba de morrer. Com sua Leika manual, e um reforço na iluminação, ele a enquadra, imagem que não conseguirá mais tirar da cabeça. Um pouco como o próprio espectador.

A governanta desse cavalheiro está sempre reclamando que ele só tem olhos para coisas antigas, preferência sustentada apaixonadamente pelo próprio Isaac, e a associação jocosa com o tom de Oliveira é inevitável. E lá saem dois personagens voando pelos céus como recortes montados a partir de um filme de Meliés chocando-se com uma discussão recente sobre os caminhos do downturn financeiro do mundo atual.

Enfrentando o estranhamento inicial da família católica da falecida, Isaac segue assombrado pela imagem da mulher, documentando, talvez para esquecer (ou para lembrar sempre) os trabalhadores braçais das vinhas do Rio Douro, objeto de estudos passados na obra de Oliveira. Ele quebra seu transe formal com a mecanização de tratores e caminhões que passam sempre aqui e acolá, outro prazeroso choque.

Estaria Manoel de Oliveira, um pouco como Isaac, documentando apaixonadamente uma certa beleza que está indo embora com o tempo? A poesia disso tudo é que esse cinema dele é esse próprio registro.

Filme visto no Debussy, Cannes, 13 Maio 2010

"Entrance" - VIDEO #1

2010-05-12T14:23:00.001-07:00

"Entrance" - Cannes 2010 vídeo #1/CinemaScópio from Kleber Mendonça Filho on Vimeo.

Cannes, agora há pouco

2010-05-12T12:45:00.001-07:00

CORTA! FF! CORTA!!! FF!!

2010-05-12T12:35:00.000-07:00

Vendo esse Robin Hood do Ridley Scott, mais uma vez a mesma sensação. Esses filmões caros de Hollywood não se dão tempo para ter classe ou estilo, se é que podemos cobrar algo tão essencial num filme de cinema. Lá vai uma grua subindo para finalmente vermos um plano aberto e CUT, para um plano médio de alguém num cavalo, o montador não teve paciência de deixar a grua mostrar mais, subir mais. Max Von Sydow vai dar um abraço paternal em Russell Crowe numa outra promessa de plano aberto... CUT para um plano desengonçado mais próximo da mesma ação. CUT, CUT, CUT, e o montador, talvez ameaçado pelos executivos já nervosos de que o elenco não tem nenhum adolescente, faz CUT CUT CUT e a gente fica dormente, vendo o filme correr feito um doido, sem nenhuma imagem realmente de valor nas esbaforidas duas horas e 20 de projeção. CUT CUT CUT. E olha que Scott fez aquela coisa linda e perfeitamente impressa nas nossas mentes, o horror show Alien (1979). Hm. K.M.F

Instalação de Tapete Vermelho

2010-05-12T11:42:00.000-07:00

Quarta, dia de Robin Hood

2010-05-12T11:25:00.000-07:00

Oh, esse Google...

Er... não.

Next...

Ok.

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

A imagem de homens ainda instalando um tapete vermelho numa das calçadas da Croisette, em Cannes, meio que definiu o dia no maior festival de cinema do mundo. O filme de abertura, Robin Hood, passou na prestigiosa sessão de gala, mas teve as projeções de imprensa vazias como nunca antes visto no festival, fato talvez explicado pelo lançamento mundial do filme de Ridley Scott sexta-feira. A coletiva de imprensa do ‘industrialmente divertido’ filme de aventura parecia gerar mais interesse do que o filme em si, uma vez que a imprensa já havia visto a revisão de Scott e Russell Crowe (fizeram Gladiador juntos) para o herói universal.

A ausência em Cannes que todos comentavam era a do próprio Ridley Scott, que operou o joelho recentemente, ficando em casa sob ordens do seu médico.

Crowe, que também é produtor dessa nova versão do nobre ladrão de Nottingham, estava na função. Ele entrou na coletiva com os dois filhos pequenos, e parecia cochichar nos ouvidos dos meninos algo tipo “papai vai ali falar umas bobagens com essas pessoas e volta já, não se assustem com as câmeras e esses flashes...”.

Fez seu trabalho como o “talento classe A” que ele é em Hollywood, participando com paciência e bom humor às perguntas generalistas da imprensa global. “Brasil, Espanha, talvez Portugal têm boas chances, sim”, opinou sobre a Copa do Mundo.

O filme de Scott sugere o mesmo tipo de revisão que os recentes Jornada nas Estrelas e Batman Begins ofereceram, nos mostrando “o início de tudo”. É algo que Hollywood tem chamado de ‘reboot’, termo associativo do “reiniciar” um computador. Não é de se espantar que boa parte desses filmes tenham a fluência digital de um computador, com mega-ritmo para não aborrecer crianças de 13 anos e um estilo joão-ninguém ditado pelo montador, e não pelo diretor.

Nos melhores momentos da carreira de Scott (Alien, Blade Runner, Thelma & Louise), temos a impressão de estarmos vendo filmes. Nos piores, ele não parece passar de um empresário e gestor, e inclua aí o tão popular Gladiador.

“Está na hora de refazer Robin Hood? Sim, totalmente, embora nossas idéias iniciais dessem um filme de sete horas e meia”, disse Crowe. “Muitos foram feitos, e conheço toda a tradição deixada por Errol Flyn, Douglas Fairbanks, até mesmo a versão de Mel Brooks, A Louca Louca História de Robin Hood. De todo modo, não acho que um sequer tenha me dado as motivações desse herói popular”.

O ator australiano continuou “Numa época em que o inglês médio viajava não mais do que 20 kms do seu lugar de nascimento, temos um homem que conheceu a Palestina, um cosmopolita que viu a pobreza do seu pais e quis mudar alguma coisa”.

Hábil manipulador de mídia, Crowe respondeu com enormes aspas a pergunta sobre de quem um moderno Robin Hood roubaria, hoje. “O poder hoje está nas mãos de gente como vocês, que trabalham com a informação. O monopólio da mídia é o grande inimigo e fonte de toda a riqueza”.

A coletiva prosseguiu com perguntas sobre adereços de couro e sobre a cena em que Lady Marianne (Blanchett) ajuda Robin a sair da sua couraça de ferro estilo século 12. “Como foi a preparação para tirar aquela couraça?”, perguntaram a Blanchett. “Era de plástico”, finalizou a também australiana. Sua resposta foi ainda mais honesta não foi sobre o filme em questão, mas sobre seu trabalho ao lado de Liv Ullman na montagem de Um Bonde Chamado Desejo, em Sidney. “Liv é um míssil que só busca a verdade”.

Eu viajei a Cannes via Jornal do Commercio e Aliança Francesa Recife

Produtor

2010-05-12T11:07:00.000-07:00

Brian Grazer supervisiona Blanchett. (eu prometo que esta será a pior foto de toda a cobertura, e que isso não se repetirá). K.M.F

Café da Manhã, Cannes

2010-05-12T11:05:00.000-07:00

12 de Maio, 2010, Boulevard Carnot, Cannes

CANNES 2010 #12 STAND BY

2010-05-10T06:01:00.000-07:00

Cannes 2010

2010-05-09T08:32:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Minha 12a vez em Cannes. Saio da aposentadoria por duas semanas para estar novamente lá, cobrindo para o Jornal do Commercio (Recife), via parceria com a Aliança Francesa.

Aqui no blog, todo o material, e mais alguma coisa, na já conhecida melhor cobertura do Brasil! Usarei vídeo, fotografia e textos, com o acréscimo do twitter, esse ano. Muita coisa pela frente, com certeza, e aqui vão duas sequências de imagens que fazem parte da experiência cannoise.

Vendo entre 35-45 filmes por festival, vemos essas vinhetas dezenas de vezes, abrindo as sessões. Para quem nunca foi, posto aqui.

Esta abre sessões da seleção oficial, competição, Un Certain Regard, foras de competição.

Essa é a da 'Quinzena', provavelmente a mais linda vinheta de festival de cinema do mundo (e são muitas).

Uau

2010-05-09T08:30:00.000-07:00

Eu não sei bem o que achar disso, mas é potente.

M.I.A, Born Free from ROMAIN-GAVRAS on Vimeo.

Recife Frio Atualizado (Festivais e Prêmios)

2010-05-07T19:49:00.000-07:00

E 'Recife Frio' vai indo em frente, com mais alguns convites e seleções no Brasil e exterior nos próximos meses. No meio de toda a correria do longa, eu não vou poder acompanhar o filme nos próximos festivais, mas não é possível fazer tudo.

Por outro lado, já estamos tocando um DVD especial com Recife Frio para os próximos meses, acompanhado de algum material extra. A repercussão tem sido incrível e a capacidade que o tal filme tem de comunicação me espanta. Nas próximas semanas, uma exibição no Cinema São Luiz, Recife, deverá acontecer.

Muita gente tem me perguntado se não vou postar no You Tube, a resposta ainda é não. O filme ainda terá uma carreira em 35mm, nas salas de cinema, é importante que seja visto coletivamente. Para mim, a internet deve ser sempre o último estágio possível de um filme, e já postei meus outros no Vimeo - http://www.vimeo.com/cinemascopio/videos. Tentem ver.

No mais, uma atualização das andanças recentes do filme.

Festival de Brasília (Novembro 2009)
Melhor Diretor
Melhor Roteiro
Prêmio da Crítica
Prêmio do Público
Prêmio Aquisição Canal Brasil
Melhor Momento do Festival - Prêmio do Jornal Cooreio Braziliense
Prêmio Vagalume

Festival Luso Brasileiro de Santa Maria da Feira (Portugal, Dezembro 2009)
Melhor Filme (Júri Oficial)
Melhor Filme (Público)

Festival de Tiradentes (Janeiro 2010)
Melhor Filme (Prêmio do Público)

Festival Internacional de Roterdã (Holanda, Janeiro 2010)

Festival Latino-Americano de Cinema de Toulouse (França, Março 2010)

3º Festival de Cinema da Cidade de Nova Iguaçu
Prêmio Melhor Roteiro

Cine PE 2010 (Abril 2010)
Melhor Diretor
Melhor Roteiro
Melhor Direção de Arte
Prêmio Aquisição Programa Zoom - TV Cultura

A SEGUIR

Panorama Coisa de Cinema - Salvador
Festival Internacional de Cinema e Vídeo Ambiental (FICA, Goiás)
XIII Fenart - João Pessoa (filme passa dia 26 de maio)

K.M.F

Homem de Projeção (1992)

2010-04-02T13:27:00.000-07:00

Em geral, eu me relaciono bem com os filmes que eu já fiz, sem grandes arrependimentos. E ainda tem alguns que eu realmente gosto muito (!), como esse Homem de Projeção (1992), com oito minutos e feito no final do curso de jornalismo em super8 e VHS. É sobre seu Alexandre Moura, projecionista do extinto Art-Palácio, no centro do Recife (fechado em 1992).

O filme registra seu Alexandre, que virou um amigo de verdade, e também a sala de cinema, que pertencia a uma outra era. É menos conhecido que Eletrodoméstica, Vinil Verde e Recife Frio, mas tem alguma coisa de especial pra mim, talvez por já ter o efeito do tempo passado em cima dele.

Homem de Projeção é um dos 9 filmes que eu disponibilizei no Vimeo, com ótima qualidade. A minha página lá é: http://www.vimeo.com/cinemascopio/videos . K.M.F

Homem de Projeção (1992) from Kleber Mendonça Filho on Vimeo.

Deixando a Crítica Para Fazer Filme

2010-04-01T13:57:00.000-07:00

Aos Leitores...

Depois de 12 anos e seis meses, estou deixando de escrever para o Jornal do Commercio do Recife. Foi uma parceria excelente, que rendeu belos frutos e onde eu sempre tive total liberdade de externar minha visão de cinema e de mundo num trabalho (em termos de configuração, perfil e produção) inédito no Recife, incomum no Brasil. Foi uma decisão difícil, mas que se faz necessária.

O motivo de eu deixar a crítica cinematográfica é o meu longa metragem O Som ao Redor, que está em pré-produção. Logo será filmado e ainda esse ano estará em pós-produção. Equilibrar um trabalho desse porte com as obrigações semanais de um crítico, vendo filmes e escrevendo, simplesmente não é possível.

Os dois últimos textos escritos no atual contrato com o JC foram para Chico Xavier e A Single Man, publicados hoje, quinta-feira de Páscoa, dia 1o de abril. Eventuais interpretações de que isso é uma piada não procedem.

Há a real possibilidade de eu voltar em maio para mais duas semanas de trabalho no que deverá ser a minha 13a cobertura consecutiva do Festival de Cannes 2010, mostrando o tipo de relação próxima que tenho com o Jornal do Commercio.

Nesse sentido, preciso agradecer ao JC pelos anos de colaboração, especialmente ao meu editor Marcelo Pereira, do Caderno C, Ivanildo Sampaio, redator chefe, e meus colegas de editoria Flávia de Gusmão, Fabiana Moraes, Diana Moura, Marcos Toledo, Schneider Carpeggiani e Carol Almeida. E no último ano, a parceria também de Felipe Fernandes e Luis Fernando Moura, estagiários profissionais.

De qualquer forma, a partir de agora, a prioridade de trabalho e tempo é o longa metragem. Eventuais posts aqui no blog virão, mas sem o compromisso semanal de escrever tanto. E sobre tanta coisa.

Obrigado, Kleber
cinemascopio@gmail.com

Chico Xavier - O Filme

2010-04-01T13:24:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Antigamente, a semana santa oferecia boas oportunidades de lucro para os cinemas, que colocavam em cartaz dramas bíblicos como Ben Hur e Os Dez Mandamentos, ou paixões de Cristo já bem riscadas e em preto e branco. Os costumes mudaram e as salas hoje ignoram a páscoa, exceto por fenômenos isolados como A Paixão de Cristo (2004) de Mel Gibson, que resgatou a sensação de cinemas terem seus dias de igreja. Esse ano, o brasileiro Chico Xavier, filme de Daniel Filho, investe na semana santa como estratégia de negócio, no país espiritualizado que é o Brasil. O filme estréia amanhã em 350 cinemas.

Há um mês, um funcionário do multiplex UCI/Ribeiro Plaza Casa Forte já mostrava-se impressionado com a procura pelos ingressos, rivalizando Harry Potters e Twilights. Deverá ser um sucesso de público, do mesmo diretor que parece investir no populismo como pesquisa estética, vindo dos sucessos recentes Se Eu Fosse Você, vistos por cerca de dez milhões de brasileiros.

Em Chico Xavier – O Filme, Daniel Filho aborda o médium mineiro que faleceu aos 92 anos em 2002. Sua trajetória de ligação divulgada entre o mundo terreno e o espiritual atraía o interesse de crentes e ateus pelo fato de assumir para si um mistério da natureza humana, o de saber o que se encontra depois da morte, incluindo o contato com os mortos.

Talvez seja um prato cheio para os produtores de um filme que poderá beneficiar-se de um público muito pouco cartesiano como o brasileiro, fruto de inúmeras misturas de fé, e cujo resultado é mais precisamente próximo do “espiritual”, sem que isso defina exatamente uma igreja, ou uma franquia religiosa.

O populismo do cinema de Daniel Filho não deixa de ser fascinante. Ele investe no acabamento (o filme é tecnicamente bem feito) e no desejo constante de agradar o espectador que crê. Nesse sentido, seu filme cai mesmo como uma luva no mercado da semana santa, resgatando o tom de catecismo filmado (ou espiritualismo comercial projetado) dos clássicos bíblicos de páscoas passadas.

Não há dúvidas ou questionamentos, e mais uma vez chega a sensação de que o cinema brasileiro de mercado tem essa preferência nacional pelos “grandes temas” abordados com pinceladas gigantes e desengonçadas que passam por cima de detalhes como sutileza e intimismo.

De fato, Chico Xavier – O Filme parece ter saído da mesma máquina de cinema modesto que cuspiu produtos recentes como Lula – O Filho do Brasil, de Fábio Barreto, ou Salve Geral!, de Sergio Rezende. São filmes que parecem achatar as histórias e personagens reais nos quais se baseiam para que caibam nas caixas apertadas da superficialidade narrativa.

Ostentando a realidade de personagens verídicos como medalha, os resultados são geralmente folhetinescos, e mais uma vez fica a sensação de estarmos diante de uma novela pobre de idéias, mas rica em mediocridade, como se acreditasse que seu público não seria capaz de entender algo mais interessante. Já nos letreiros fantasmagóricos de Scooby Doo na abertura, o filme parece nos lembrar que fantasmas são o mote.

Sobre TV, aliás, Daniel Filho arma seu filme, não por coincidência, ao redor de um programa televisivo, Pinga Fogo, onde Xavier (Nelson Xavier) é sabatinado por entrevistadores. Zooms na imagem eletrônica do vídeo nos levam aos esperados flashbacks do Chico criança, rapaz, homem e senhor. Sua entidade maior, Emanuel, também é vista vestindo uma toga.

Dos primeiros contatos com os desencarnados à sua fama regional e nacional de elo entre os dois planos, ficamos sabendo como surgiu a estranha peruca que marcou a imagem de Xavier à sua trajetória de crenças e descrenças, onde os céticos são: a) vilanescos ou b) no caso do personagem de Tony Ramos, transformados em fieis que se entregam às evidências, outra afinidade com o cinema comercial religioso. De Ben Hur a Samsão e Dalila, alguém verá forçosamente a luz antes do fim da sessão.

Ramos e Cristiane Torloni, aliás, parecem ter sido escritos para representar o espectador médio, talvez o casal que for pagar para ver o filme num multiplex. Pais em luto, ela crê, ele não, e a atuação de Ramos soa como a leitura de um telegrama, e nao de algo que teria sido psicografado.

Curioso ver que os melhores momentos do filme são no estúdio de TV, onde Daniel Filho de fato parece mostrar intimidade com o material. Das câmeras RCA de época trocando lentes, às direções de estúdio e planos da platéia e entrevistadores, o filme flui, como se estivesse em casa. É a fé televisionada para as massas, mas exibida nos cinemas. Amém.

Filme visto no UCI Boa Viagem, Recife, Março 2010

A Single Man

2010-04-01T13:16:00.000-07:00

Intervalo de photo-shoot.

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Conheça um personagem pelo quão bem organizadas são suas gavetas. À certa altura de Direito de Amar (A Single Man, EUA, 2009), filme de Tom Ford, o elegante George abre uma de suas gavetas impecáveis na sua casa podre de chic e impressiona como a caixa de Band Aid combina com o em torno, não só na coordenação de cores, mas também em arrumação. Essa história frufru de amor e perda nos chama para desfrutar de suas paixões materiais e emotivas, com ênfase no material.

Filmes são como casas, e o simples fato de vê-los significa entrar na residência do diretor. Ford, profissional reconhecidíssimo do ramo da moda, nos mostra a sua visão de mundo. Aparentemente, é um romântico muito elegante, mas carregado dos trejeitos irritantes que aprendemos a associar ao mundo espetacularmente vazio dos fashionistas.

Ford, através do seu filme, parece procurar amparo para as agruras do mundo na beleza, e isso não seria uma coisa ruim, ao contrário. No entanto, o tratamento do todo sugere algo de negativo pelo fato de a beleza que parece encantar Ford é aquela realçada por assessórios, pelo artifício, e não pelo valor humano, pelas coisas que, quem sabe, deveriam ser realmente importantes na vida.

O personagem principal é George (Colin Firth, ator britânico de interesse), um professor de literatura inglesa na Los Angeles de 1962. Ele acaba de perder seu companheiro super model (na verdade, era arquiteto) num acidente. Seu luto parece combinar perfeitamente com o esquema de cores que o cerca, seja na decoração, nas roupas ou até mesmo na correção de imagem do filme em si. É como se Ford tivesse exacerbado uma aula passada de expressionismo.

O parafuso emocional de George ganha tons sublinhados de montagem, câmera e som, e Ford nos faz enxergar sua idéia pessoal de beleza através do seu triste personagem principal. Ele é bem mais blasé com sua amiga do peito (Julianne Moore), que é real, do que com seus encontros momentâneos com representantes de uma idéia comercial de beleza.

A imagem de uma bela garotinha de vestidinho rodado, cuja câmera a filma de baixo para cima, nos leva a um rosto que deve ter levado quatro horas para maquiar. No escritório da universidade, a secretaria impecável e espetacularmente bela chama a atenção de George não por sua personalidade engraçada, livre ou forte, mas pelos maravilhosos adereços de roupa, cabelo, perfume e maquiagem que resultam num lindo piteuzinho fashion.

E assim vai o filme, com um senso estético paralisante, mas com uma sensação de luto narrada em primeira pessoa não tão distante assim da saudade contida em Viajo Porque Preciso Volto Porque Te Amo, o ensaio de Marcelo Gomes e Karim Ainouz que não poderia ser mais distinto na construção de imagens.

Resta um filme imprensado entre dores de amor e a dúvida cruel do que vestir, e se a escolha irá cair bem com o papel de parede. Que chic.

Filme visto no Cinema da Fundação, Recife, Março 2010

The Box

2010-03-31T15:02:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho

cinemascopio@gmail.com

Na tradição das histórias de trancoso, onde o realismo da vida diária se transforma no fantástico, temos A Caixa (The Box, EUA, 2009). Esse filme atinge graus de muito interesse antes de finalmente deixar um gosto forte de insatisfação no espectador, algo que parece ser a marca do seu diretor, o americano Richard Kelly. No seu lançamento nos EUA ano passado, A Caixa pareceu lembrar muita gente dos antigos episódios de Além da Imaginação (The Twilight Zone), de Rod Serling. Essa história foi, inclusive, escrita por um colaborador da clássica série de TV, Richard Matheson (também autor de Eu Sou a Lenda).

O ponto de partida é corretamente clássico e intrigante. Em 1976, um casal classe alta (James Marsden e Cameron Diaz), ele funcionário da Nasa, ela professora, recebem a visita de um homem (Frank Langella) que sai do já obrigatório carro preto. Na verdade, o filme toma bem o seu próprio tempo para estabelecer o mistério, um deleite total desde o início.

Como um vendedor, ele traz uma caixa com um botão vermelho protegido por uma redoma de vidro. Lembra uma reprodução portátil do temido botão do apocalipse na Guerra Fria. Há a informação de que a família poderá ganhar um milhão de dólares (sem imposto) caso decidam apertar o botão. O detalhe é que, fazendo isso, alguém, em algum lugar, irá morrer naquele mesmo instante como resultado direto da ação.

Procurem não saber mais nada sobre o filme, até pelo fato de o que se segue ser indescritível. Kelly surgiu como um herdeiro fedelho de David Lynch, e a sensação persiste positiva e negativamente. Estreou com o cultuado Donnie Darko (2001), história sobre um adolescente marcada por uma certa angústia, mas também por buracos no tempo e no espaço, realismo e sonho.

Seu segundo filme, o bagunçado Southland Tales (2006), tem poucos defensores. Fez um filme gigantesco que não parece fazer muito sentido, exceto pela ousadia de gastar um caminhão de dinheiro e o interesse de alguns dos seus momentos.

Em The Box, Kelly trabalha pela primeira vez com um estúdio (Warner) e parece ter tido carta branca para trazer toque autoral, com tudo o que esse toque tem de bom e de ruim, incluindo mais buracos no tempo e no espaço. Isso significa que algum personagem irá entrar em algum lugar e sair a quilômetros de distancia num flash de luz e água.

A primeira hora do filme é muito boa. Kelly não trabalha apenas com essa trama fantástica e suas repercussões, mas usa com grande efeito o clima da época, filmado com requintes prazerosos de produção. A casa da família com sua decoração anos 70 berrante, uma visita à Nasa em plano seqüência, os carros e roupas conspiram para uma atmosfera imaginada de tempo e espaço – os EUA da Guerra Fria – sublinhadas por estranhas notícias espaciais.

Depois de mais ou menos uma hora, o espectador pode começar a fazer caretas e exclamar mudos “??!!”, e suspeitamos que Kelly não quer que seu filme seja divertido, mas apenas estranho, desconexo e emperrado. Há ainda um tom de seriedade que não lhe faz muito bem. Assistimos a desdobramentos que carecem de envolvimento, enquanto A Caixa enforca-se com sua própria corda.

Chama a atenção a escolha de elenco. Diaz parece engolir Lewis, ator com cara de garoto de 17 anos, jogador de futebol americano, embora o roteiro de Kelly abra espaço para cenas inusitadas que constroem o casal, não obstante a discrepância entre os dois atores. Momentos como o que ele constrói uma prótese ortopédica para a esposa são o tipo de curiosidade que Richard Kelly injeta nos seus filmes, mesmo que o todo deixe essa sensação geral de insatisfação e oportunidades perdidas.

Filme visto em Bluray, Fevereiro 2010, Recife

O Livro de Eli

2010-03-18T21:10:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Nos chamou a atenção que os dois filmes lançados hoje no circuito comercial – Um Sonho Possível e O Livro de Eli – poderão facilmente ser projetados em escolas da bíblia para platéias cristãs que queiram reiterar sua fé. Esse tom conservador exultante pode ser sobra da doutrina dos anos Bush-pós 11 de Setembro, quando o sentido de “ser americano” fechou-se ainda mais como um caracol em torno da idéia de família, do patriotismo e da religião.

Em O Livro de Eli (The Book of Eli, 2009), dirigido pelos Irmãos Hughes, temos uma versão especial de um sub-gênero conhecido: o filme pós-apocalíptico, muito em voga nos anos 60 e 70 (O Planeta dos Macacos, The Omega Man, Mad Max) como produto do medo de uma guerra nuclear entre capitalismo e comunismo. No geral, esse tipo de filme tinha um herói que refletia o desespero da anarquia que tomaria o mundo, ele mesmo levando sua descrença e seus medos na nossa frente. É o tipo de produto artístico onde um pouco de nihilismo faz sempre bem.

Já em O Livro de Eli, o herói titular é interpretado por Denzel Washington, ator que impõe qualidades imaculadas aos seus personagens, desde sempre. Eli certamente se comporta como os heróis do passado, um homem capaz de usar a ultra-violência contra os que partem para cima dele com selvageria. No entanto, Eli revela-se totalmente diferente.

Além de naturalmente imaculado via Washington, Eli é um herói messiânico que recebeu uma missão de espalhar a palavra de Deus sobre a terra como o portador das velhas boas novas. Não há quedas ou erros nesse homem pós apocalíptico, pois ele é o certo e o escolhido. Depois de 15 minutos, é como se víssemos Jesus desafiando a paisagem com um facão, pistola e 12.

O livro também vira objeto de desejo do malvado da história, Carnegie (o sempre interessante Gary Oldman), que quer usá-lo como instrumento de poder (ele é visto lendo biografia sobre Mussolini).

Carnegie é o chefe de uma comunidade onde tudo se troca, a personagem de Tina Turner da Bartertown de Mad Max Além da Cúpula do Trovão, onde a vida também vale pouco. O escritório de Carnegie fica nas ruínas de uma sala de cinema.

Os Irmãos Hughes dirigem com alguma tentativa de estilo, mas eles próprios parecem ter uma missão: a de nunca permitir que seu filme exista como uma divertida aventura (a sequência do casal de idosos é a mais séria ameaça nesse sentido). É uma quase-culpa católica, pois O Livro de Eli é um desses projetos tristes que sugerem aspirações mais profundas e espirituais.

Eu simpatizo com os Hughes, faziam (talvez ainda façam) produtos autorais curiosos, cheios de energia mas pobres de construção e iseguros no estilo sempre agressivo. Para quem viu Menace II Society (1993), Dead Presidents (1995) e From Hell (2001), talvez concorde.

Em Livro de Eli, parecem usar manuais de instrução para chiliques modernos a partir de material reciclado. A fotografia é escura, mesmo no deserto, e cinza esverdeada, mesmo sob céu azul. Essa artificialidade parece combinar com a monotonia messiânica de Eli, que faz amizade casta com a garota mais gracinha (e limpa) do mundo pós apocalíptico (Mila Kunis), enquanto o filme atinge dois coelhos com uma só pedra: é sertanejo e gospel, ao mesmo tempo.

PS: a virada final não faz sentido para ateus.

Filme visto no Plaza casa Forte, Recife, março 2010

The Blind Side

2010-03-18T21:03:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Um Sonho Possível (The Blind Side, EUA, 2009) é o filme que deu o Oscar de Melhor Atriz a Sandra Bullock. É a história de Leigh Anne Tuohy, empresária branca conservadora (é republicana, porta armas de fogo), casada e com dois filhos. Ela adota um garoto negro de 17 anos, dois metros de altura e uma massa corporal que só parece sugerir uma coisa: futebol americano. Talvez seja o tipo de filme feito para circular no meio oeste racista dos EUA, onde os valores aqui defendidos serão compreendidos e aplaudidos. Por ter vencido esse Oscar, está sendo oferecido em lugares como o Brasil. Cuidado.

Esse filme e A Proposta foram os dois grandes sucessos de Bullock em 2009, arrecadando juntos quase 600 milhões de dólares só nos EUA. A soma aumenta a suspeita de que o Oscar foi um salário bônus para a atriz.

Mais uma vez, temos a questão da representação, nesse caso racial. Há pouco, outro filme oscarizado, Preciosa, nos mostrou uma outra adolescente americana negra e grande, presa nos problemas de sempre (abuso, violência, drogas). Se algo ali no enfoque já soava verdadeiro, o simples fato de o filme ser sobre essa menina, tendo-a à frente da câmera em quase todas as cenas, já é mais do que meio caminho andado.

Em Um Sonho Possível, o filme é sobre a empresária branca que parte para praticar seu cristianismo condescendente no garoto negro, que é tratado como um enorme bicho de pelúcia, ou um animal doméstico fofinho encontrado na rua. Para quem defender o filme lembrando que a história é real, vale destacar que a vida certamente pouco tem a ver com um anuncio de margarina disfarçado de filme como esse.

Primeira pergunta, por exemplo, é: será que o filho caçula da família era tão irritante quanto o do filme? O ator mirim Jae Head soa como um boneco de pilha loiro e sua alegria histérica e constante pega muito mal quando se transforma no professor de futebol do seu irmão negro adotado, seis vezes maior do que ele.

Apresentado como o arquétipo freqüente no cinema americano do homem negro grande e manso (vide E o Vento Levou, À Espera de um Milagre, etc), vitimado por uma mãe viciada em crack, Michael Oher (Quinton Aron) vaga pelo filme como um Obelix negro. É incapaz de entender as orientações do seu técnico de futebol, mas aprende o conceito do jogo quando sua mãe branca prega como um pastor da Igreja Disney sobre a força da família. Bullock enrola bem a língua pra falar o sotaque sulista americano, representação cultural do conservadorismo em todas as formas. The horror.

Filme visto no Plaza Casa Forte, Recife, março 2010

Polícia Adjetivo

2010-03-18T20:59:00.001-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

À certa altura de Policia Adjetivo (Politist, Adjectiv, Romênia, 2009), filme de Corneliu Porumboiu, tem-se a sensação de estarmos ouvindo o embate sem acordos entre um medico humanista e um mecânico submisso a manuais operacionais. Os dois discutem a questão da responsabilidade para com o ser humano, questão que deveria ser orgânica e nunca técnica. De forma brilhante, o filme mostra para o espectador que o poder está muitas vezes com o mecânico, que, além de cego, é ainda surdo.

Numa dessas coincidências de programação, o filme estréia no Recife com O Que Resta do Tempo, do palestino Elia Suleiman. Alem de ambos terem estado no Festival de Cannes 2009, são filmes distintos em cores e estilos mas que se desdobram a partir do humor que brota sob uma idéia bem estabelecida de opressão.

No filme de Porumboiu, um jovem policial (Dragos Bucur) vê-se encarregado de seguir um adolescente usuário de haxixe que talvez tenha dado a droga para dois amigos. O policial sabe que, perante a lei antiga, o garoto deverá ser preso e julgado, arruinando a vida de um jovem que, para ele, faz algo que não merece castigo tão duro. Sabe também que a Romênia, no seu processo de europeização, irá mudar a lei para esse tipo de delito. É uma defesa humanista e bem fundamentada dentro de uma idéia de cultura e tempo.

Não é difícil entender onde está o ponto de vista do cineasta nesse conflito, claramente representado pelo herói desse filme policial comicamente lento. A lentidão proposta pelo filme expõe o absurdo de um trabalho que consiste em observar pouca coisa acontecendo e ainda burocratizar esse quase nada através de um relatório que resulta na mais árida literatura (estampada na tela para que o espectador possa sentir a ironia do absurdo).

O primeiro filme de Porumboiu – Ao Leste de Bucareste -, era uma comedia hilariante com esse tipo de minimalismo sobre como os romenos lidam com sua memória recente. Em Policia Adjetivo, paira sobre o todo o peso de uma cultura ditatorial que estimulava o absurdo no dia a dia, rotina muitas vezes marcada por uma idéia de burocracia que ninguém deveria nunca merecer.

Se o tom radical do filme é capaz de deixar alguns espectadores do lado de fora, os que estiverem firmes nos trilhos do que Porumboiu propõe serão brindados com um longo trecho final absolutamente genial onde o já citado “médico” (o jovem policial) irá enfrentar o “mecânico” (seu chefe infernal), interpretado pelo grande ator que é esse Vlad Ivanov.

Ivanov mostrou domínio absoluto da ameaça mansa das palavras contra duas jovens mulheres num quarto de hotel em 4 Meses 3 Semanas 2 Dias, de Cristian Mungiu. Em Polícia Adjetivo, põe, literalmente, os pingos os ‘i’s ao desconstruir - com o poder da hierarquia e a ajuda de um dicionário - uma tentativa de humanizar as leis do homem para o homem. A cena final é uma jóia triste de ironia, possivelmente a grande arma da arte contra os tiranos.

Filme visto na Sala Debussy, Cannes, Maio 2009, e revisto no Cinema da Fundação, Recife, outubro 2009.

Entrevista - Corneliu Porumboiu

2010-03-18T20:50:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Corneliu Porumboiu, 35 anos, é um dos talentos mais destacados da nova geração de cinema romeno que vem conquistando todos os grandes prêmios mundo a fora, começando pelo Festival de Cannes. Seu primeiro filme, Ao Leste de Bucareste (2006), uma engraçada reflexão sobre memória (ou amnésia) e história, ganhou a Câmera D’or, troféu dado a estréias. Seu segundo filme, Policia Adjetivo (Politist, Adjectiv) levou o prêmio especial do júri em Cannes, ano passado, e tornou-se um dos mais elogiados filmes do ano no mundo todo. Tido como “filho do festival”, Porumboiu reforçou com obra perfeitamente absurda a boa mão do cinema romeno para discutir o tempo e as palavras, as leis e a opressão, tema recorrente num cinema de jovens realizadores que foram crianças numa Romênia ditatorial. Em Cannes, logo apos a primeira sessão de Policial Adjetivo na Mostra Un Certain Regard, Porumboiu conversou sobre seu filme com Kleber Mendonça Filho.

KLEBER MENDONÇA FILHO – Seus filmes se passam na Romênia de hoje, mas parecem ter uma carga de opressão herdada na cultura que, para um observador estrangeiro, é facilmente associada ao passado recente do país. Como chegou a Policia Adjetivo?

Corneliu Porumboiu – Sim, está tudo lá, ainda precisaremos de duas ou três gerações para dissipar esse cheiro ruim. Eu cresci nessa Romênia antiga. Duas coisas me levaram a esse filme. A primeira vem do fato de eu ter um grande amigo de infância que é policial. Falávamos de um caso que ele via como sem importancia e ele me disse que não queria levar à frente a investigação pois não queria que sua consciência pesasse. Isso me chamou a atenção porque, no gênero do “filme policial”, normalmente o policial, ou “tiras”, como os americanos gostam de chamar, os casos são sempre sérios, difíceis e espetaculares. Nesse caso, era o oposto, algo que ele, como policial, queria ignorar pela falta de gravidade por ele interpretada. Depois disso, fiz algo interessante: mandei emails para amigos perguntando o que, para eles, seria “consciência”. Foi engraçado, e as respostas as mais estranhas possíveis. Soube também de uma outra história sobre dois irmãos, numa cidade pequena, um foi pego fumando maconha pela policia, o que os levou ao seu irmão. Esses foram os dois pontos de partida, depois disso, parti para a literatura, escrever.

KMF - Policial Adjetivo passa como um filme policial no sentido “gênero policial” desmontado peça por peça. . É um policial, mas há a sensação de que você não quer que ele se entregue às peças mais fáceis desse tipo de filme.

CP – O filme é um policial! Desde o início que ele deveria ser, e quem discordar, eu mostro o titulo do filme. Me interessava muito pensar um pouco sobre filmes americanos, ou melhor, o cinema clássico de gênero. É claro que, em primeiro lugar, os desdobramentos vinham da própria história, mas eu comecei a pensar muito sobre a idéia de esperar, sobre ver coisas que não estão acontecendo. No filme policial normal, é o oposto, o que acontece é “o que conta”, “ação!”. Curiosamente, foi pensando no meu filme que passei a conhecer os outros filmes policiais clássicos, por serem o extremo oposto.

KMF - Em Ao Leste de Bucareste, você já usava o tempo filmado (real) de maneira provocadora, algo que parece ser levado a um patamar ainda mais radical em Policial Adjetivo.

CP – O cinema entende a linguagem do tempo. É a única arte onde o tempo pode estar ali intacto. Para mim, é mais fácil definir um personagem, ou uma personalidade, através do tempo de ser e estar. O estar pode ser mais revelador do que dez páginas de diálogos e caracterizações. O tempo que leva para alguém se mexer e você descrever o mundo através do tempo. É um ponto de vista pessoal meu e que me interessa como expressão no cinema.

KMF - Esse elemento tem utilização particular nos seus filmes, mas é percebido nos filmes romenos que têm chamado a atenção nessa leva recente, como A Morte do Sr. Lazarescu e 4 Meses 3 Semanas 2 Dias.

CP – É tudo uma questão de como se narra uma história. Esses filmes são simples, de certa forma, minimalistas, histórias que se passam num período curto. É uma fuga de um certo tipo de cinema de “grandes histórias” que se passam ao longo de dez anos, e você é obrigado a escolher aqueles momentos especiais. É uma visão compartilhada de cinema que, pelo jeito, temos tido.

KMF - Além de ter sido selecionado para o ateliê Cinefondation do Festival de Cannes, seus dois longas estiveram aqui. Qual sua percepção dessa relação com o festival.

CP – Dez anos atrás eu entrei na faculdade de cinema e nesse tempo, já tenho dois filmes realizados, ambos trazidos para Cannes. Para ser sincero, quando comecei a estudar, achei que fazer um filme já seria um sonho realizado. O que tem acontecido comigo já seria suficiente. É claro que me sinto um “filho de Cannes”, mas, ao mesmo tempo, me sinto totalmente tranqüilo em relação ao terceiro filme, e se ele estará ou não em Cannes, embora possa parecer que eu faça cinema para estar no festival!

O Que Resta do Tempo

2010-03-18T20:44:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Na entrevista que eu fiz com feita com Elia Suleiman (abaixo), ele parece ressentir-se de o olhar sobre seus filmes ser sempre carregado de “uma visão política”. Entendemos o desconforto do autor em filmes tão pessoais, mas não há como dissociar a política, a história e a geografia de uma obra como O Que Resta do Tempo (The Time That Remains, Fra/Ale/Ing/Ita/Bel, 2009), onde Suleiman faz uma crônica pessoal da sua cidade, Nazaré, de 1948 aos dias de hoje. Esse filme é maravilhoso.

É impossível ignorar imagens políticas como um salto com vara, poético e algo de mágico, por cima do muro erguido por Israel para separar-se (e proteger-se) dos seus vizinhos palestinos.Talvez seja uma de muitas imagens assinaturas do filme que mostram o quanto o cinema existe no autor como seu próprio estado de espírito.

Há dois lados muito claros nessa história, e que geram discussões acirradas: de um lado, a truculência de um povo militarizado que sobreviveu à barbárie do holocausto pouco tempo atrás, marcando seu espaço no mundo a força numa área que seria dividida com um outro povo irmão, enxotados de lá no pós-Guerra.

Os palestinos são claramente o lado pobre, os oprimidos, cidadãos de segunda classe no seu próprio espaço. Isso amplifica o interesse por um ponto de vista palestino via cinema contrapondo-se ao olhar já estabelecido do cinema israelense.

O ponto de vista de Suleiman é o do cidadão oprimido que integra uma sociedade oprimida, mas cuja cabeça é mantida com o nariz acima da linha do horizonte. Ele libera borrifadas de ironia e humor contra o opressor para expor o absurdo de uma vida vigiada.

Como nos seus dois filmes anteriores (Chronicle of a Disappearance e Intervenção Divina), o próprio Suleiman, 49 anos, mostra sua cara no filme. Ele é o homem que vem de longe (talvez ele mesmo, o cineasta), via aeroporto, para visitar sua mãe.

Memórias e histórias do passado ilustram o filme, lindamente composto via fotografia clara e nítida. Seu pai é um guerrilheiro numa ação de resistência em 1948 aqui mostrada sem grandes convicções de que uma vitória seria possível. De qualquer forma, a imagem do pai sobrevive forte ao longo de toda a narrativa, e, aos poucos, o espectador entende que a aparente frieza do estilo de Suleiman guarda enorme calor pelo seu pai e por sua mãe.

O jovem Elia, visto na escola assistindo a Spartacus (sobre um escravo que rebela-se) e na sua casa de tons pastéis, domina parte importante do filme, quase sempre sendo repreendido por questionamentos políticos, um dos melhores deles em relação aos EUA.

A carga histórica narrada de Suleiman cheira sempre a verdade, e o espectador tem a certeza de que estas são histórias e vinhetas anotadas da vida real.

Nos segmentos mais contemporâneos de O Que Resta do Tempo, o filme perde seu tom confessional e emotivo, mas ganha na comédia surda, absurda e sarcástica, revelando que só a arte mesmo é capaz de enquadrar a realidade e tirar dali um comentário poderoso sobre a vida em sociedade, dentro de uma geografia emocional e num tempo que é do autor, e de ninguém mais.

Filme visto no Lumiere, Cannes, maio 2009

Elia Suleiman (entrevista)

2010-03-18T14:57:00.000-07:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Elia Suleiman, 49 anos, nasceu em Nazaré, Palestina, nos territórios ocupados por Israel. Tem construído uma obra cinematográfica extremamente pessoal, adotando naturalmente o olhar de um cronista de recursos dramáticos tão afiados quanto minimalistas sobre sua visão de uma vida normal do seu povo sob condições anormais de uma repressão histórica e fraticida. Fez um dos grandes filmes da década de 2000 (Intervenção Divina, 2002), infelizmente pouco visto, mas premiado no Festival de Cannes. Em maio do ano passado, exibiu novamente em competição em Cannes O Que Resta do Tempo (The Time That Remains), belíssimo retrato pintado sobre sua família, sua cidade e sua casa. Foi em Cannes que Suleiman recebeu a reportagem do Jornal do Commercio para uma conversa sobre identidade cultural e o humor como válvula sob a opressão.

JC – Por ser frequentemente descrito como um “cineasta palestino”, seu cinema é, talvez, excessivamente discutido na base do “político”. É uma carapuça que lhe cai bem, ou não?

ES – Exatamente, e não, não me cai bem. Vejo como uma posição preguiçosa da imprensa e da critica, de uma maneira geral, que terminam parando nesse nível, sem ir alem e enxergar o elemento humano, que deveria ser o motor de tudo. É como se vivessem dentro do status quo fornecido, do qual não querem se desviar e se deixar inspirar num nível humano, internacional e universal. A maneira mais fácil é puxar o microfone e perguntar “como é que os palestinos fazem isso, aquilo e aquilo outro?”, como se estivéssemos num zoológico. Como se não vivêssemos exatamente da mesma maneira que todos vivem nos outros lugares. Todos os povos, desde a primeira e segunda guerras, insistem em viver uma vida normal. Dito isso, é impossível ignorar que, numa determinada cidade, você cruza a rua e lá está um Jeep que pertence a um determinado exército, empatando os transeuntes.

KMF – Em relação a isso, o humor pode ser especialmente fértil sob a opressão social e política? Em Cannes 2009, tanto o seu filme, como os filmes romenos Policia Adjetivo e Histórias da Época de Ouro parecem ter esse ponto em comum.

ES – Pra falar a verdade, é difícil julgar. Eu diria que ‘o humor de um gueto’ vem, em parte, da necessidade de se aumentar, alongar o tempo, ou ganhar tempo, muitas vezes verticalmente. Ou seja, se você sabe que terá uma determinada quantidade de tempo na qual irá sobreviver sob condições adversas, seja de maneira constante ou até a hora em que será levado para a forca, uma maneira de alongar sua vida nessas condições seria de ‘poetizar’. Há uma enorme quantidade de poesia no humor. E nessa redimensão do tempo, ele te faz viver um momento melhor e mais longo. Ou pelo menos, uma medida de tempo não identificada. Para mim, o cinema tem essa capacidade de ressaltar esses momentos com o humor. O humor, aliás, precisa de uma particularidade relacionada ao ritmo, à deixa, a repetição, o arremate. Faz parte de uma musicalidade, e é preciso estar atento a esse ritmo.

KMF – Seu humor pode ser corretamente associado a uma idéia de Palestina sob, ou não, o peso de Israel?

Elia Suleiman – Eu não quero colocar um selo nisso. As pessoas têm um determinado tipo de humor por questões de personalidade, e não por causa de uma ‘condição social’. É possível vermos alguém que seja muito engraçado, e essa pessoa pertencer às classes abastadas. Mas um certo tipo de humor, num determinado meio social, que pode fazer parte de um sentido de guetificação, de desespero e abandono, e o resultado disso pode ser o que chamamos de “humor negro”, ironia, e nesses casos, sim, é possível. No entanto, eu não consigo ser objetivo o suficiente para me incluir nessa teoria.

KMF - O Que Resta do Tempo é extremamente generoso com os espaços que você filma, privilegiando o plano aberto. Há uma intenção de se registrar não apenas um estado de espírito, mas também os espaços físicos, não muito distante de um documento?

ES - Meu filme não tem a pretensão de nem ao menos tentar fazer um retrato de Nazaré. Há algumas maneiras de entender aquele espaço, a primeira delas é ir lá conhecer e aprender como uma testemunha ocular, se relacionando por dentro, culturalmente. Uma outra maneira é ler perspectivas diferentes sobre lugares como Nazaré. Meu filme não lhe informa nada alem do que ele próprio significa, ou é. Por um lado, eu não tenho a autoridade de traduzir o estado de espírito de um povo, mas de expressar o que eu sinto. Não acho que o filme deva ser visto como uma tese sócio-política sobre um estado de coisas e uma sociedade. Ao assistir um filme feito por mim, peço que deixe o seu racional para trás, e também sua fome natural por informação. Creio que há pouca informação para se obter através das imagens, exceto, claro, pelo estímulo de ir atrás de mais informações.

KMF - A idéia de seu filme como um estado de espírito lhe agrada?

ES – Sim, o meu. Se algo der errado, eu poria a culpa no meu jeito de filmar, e em ninguém mais. Eu tenho uma queda clara pela ambientação da “terra de ninguém”, de uma situação estática, aquele momento em que não venta. Isso me interessa especialmente quanto à questão humana. Isso, claro, me leva a Samuel Becket, que também parece ter essa tendência de achar mais interessantes aqueles momentos em que não há nada acontecendo. Há sempre referencias a uma espécie de vácuo, mas que são promessas de ação, de mudança, pois antecedem o momento da explosão.

KMF - A cena onde as crianças assistem a Spartacus, de Stanley Kubrick, na escola é uma lembrança de infância sua? Há uma leitura política clara relacionada, talvez, à opressão.

ES - Na verdade, meu irmão viu Spartacus. Ele é quatro anos mais velho do que eu, estudávamos na mesma escola. Eu roubei essa experiência dele, assim como roubei muitas outras que terminaram sendo usadas nos meus filmes. Foi também o coral no qual ele cantava que ganhou o prêmio de melhor musica em hebreu, e não eu, pois não sabia nem nunca soube cantar num coral. Portanto, há essa mistura de referências pessoais que podem não ser as minhas experiências pessoais, mas que são verdadeiras, de qualquer forma. Ao mesmo tempo, nunca tome uma verdade como o ponto final nos meus filmes, mas apenas como um ponto de partida. A partir daí, temos ligações concretas com uma realidade vivida por mim, ou por muitos que existiam ao redor de mim.

Shutter Island / Cape Fear

2010-03-18T13:53:00.000-07:00

Alguns têm usado Cabo do Medo (Cape Fear, 1991) como referência, mas queria Shutter Island ter a força, energia e obsessão daquele outro. K.M.F

Oscar 2010: Um Registro sobre Contradições

2010-03-08T13:42:00.000-08:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Contradição foi a palavra chave na noite do Oscar 2010. Numa indústria sempre faminta por dinheiro, Guerra ao Terror, um filme que arrecadou, até agora, 14 milhões de dólares nos cinemas americanos, passou por cima de Avatar, que já está com 720 milhões no banco. Mesmo assim, prestigiram Sandra Bullock, estrela e miss simpatia embalada pelo suce$$o fenomenal do seu último filme, Um Sonho Possível (estréia no Brasil 19 de março). E na véspera do dia internacional da mulher, Kathryn Bigelow entra para a história como a primeira mulher a ganhar um Oscar de Direção por Guerra ao Terror, grande vencedor numa cerimônia que foi amplamente anunciada como empolgante, mas que arrastou-se mancando até o final.

A vitória do pequeno Guerra ao Terror (The Hurt Locker), filme produzido fora do sistema de estúdios, sugere a grande contradição de uma indústria que parece apoiar com o reconhecimento do Oscar o tipo de filme que ela mesma tem tido dificuldade de produzir. Não apostar em filmes pequenos e a maior facilidade hoje de arcar com custos gigantescos de arrasa-quarteirões tem sido assunto corrente em Hollywood.

“Guerra ao Terror foi feito sem exibições teste, sem memos do estúdio ou grupos de foco”, como bem informou a dupla de editores Bob Murawski e Chris Innis, no palco. É uma frase que pode passar despercebida, mas que revela o tipo de cinema que Guerra ao Terror representa frente aos produtos espremidos, espancados e empacotados por executivos no mundo corporativo da indústria de hoje, e que resultam no tipo de coisa que vemos semanalmente nos multiplex.

AVATAR - Pode-se dizer também que a história repete-se se lembrarmos de 1977, quando Guerra Nas Estrelas, de George Lucas, na época um sucesso e um fenômeno ainda maior do que Avatar é hoje, perdeu para o pequeno, intimista e pessoal Noivo Neurótico Noiva Nervosa (Annie Hall), de Woody Allen. O gênero ficção científica definitivamente não é levado a sério pela Academia, preferindo reconhecer méritos técnicos (Avatar ganhou Fotografia, Efeitos Especiais e Direção de Arte).

DVD - Do topo dos seis prêmios conquistados por Guerra ao Terror (som, edição de som, montagem, roteiro original, diretora e filme), foi impossível não lembrar da distribuidora brasileira Imagem Filmes. Ela comprou The Hurt Locker para distribuí-lo no Brasil, mas em junho passado, por não acreditar num produto que não encaixava-se no padrão de mercado, optou por jogar o filme direto em DVD, sem lançá-lo no cinema.

Contraditoriamente, resgatou o filme desperdiçado para lança-lo nas salas mês passado, depois das indicações ao Oscar, e agora perde a chance de faturar alto com os Oscars do filme de Kathryn Bigelow. Preparam agora um lançamento de Guerra ao Terror em Bluray, ainda um mercado de nicho. O DVD, de qualquer forma, não deve parar essa semana, nas locadoras.

Contradição curiosa foi o fato de Bullock, aos 45 anos, ter recebido, na noite do sábado, o Framboesa de Ouro de Pior Atriz por um outro filme, All About Steve, e na noite de domingo o Oscar de Melhor Atriz por Um Sonho Possível. Bullock esteve presente nas duas cerimônias, mostrando que bom humor é uma qualidade sua.

O também admirado Jeff Bridges levou Melhor Ator por Coração Louco (Crazy Heart). Bridges é presença já há 40 anos no cinema, filho de “uma família do showbusiness” (seu pai foi Lloyd Bridges, seu irmão Beau Bridges), com grandes atuações passadas contando como excelente currículo (A Última Sessão de Cinema, Starman, Suzie e os Baker Boys, O Grande Lebowski).

Preciosa, filme de Lee Daniels, outro filme de pequeno porte, saiu-se bem com dois Oscars, Atriz Coadjuvante (Mo’Nique) e Roteiro Adaptado (Geoffrey Fletcher), enquanto a Academia mostrou-se inglória e ingrata com um dos grandes filmes americanos do ano, Bastardos Inglórios, de Quentin Tarantino. Das oito indicações, converteu apenas uma, ator coadjuvante para o alemão Christopher Waltz.

TWITTER – Vale registrar o fenômeno de comunicação que é o twitter, onde, pela 1a vez, cinéfilos e imprensa usaram a ferramenta de mensagens com 140 caracteres para acompanhar a entrega do Oscar com comentários e informações instantâneas, troca inédita de impressões em tempo real, entre continentes diferentes.

Eu, pessoalmente, gostei de usar o twitter como bloco de anotação (com momentos realmente silly) e termômetro para medir a própria cerimônia, descartando eventuais fãs chocados com a derrota de Avatar. Me pergunto como será o twitter em Cannes, pois o meu interesse é escrever como alguém alfabetizado, e não ficar teclando frases soltas. Ironicamente, a sedução da ferramenta é grande.

Na internet brasileira, já foi possível sentir o peso cultural da vitória do filme argentino O Segredo dos Seus Olhos (El Secreto de Sus Ojos), de Juan José Campanella, vencedor surpresa de Melhor Filme Estrangeiro (o favorito era A Fita Branca).

Entre o desconforto de alguns com uma suposta superioridade do cinema argentino para com o brasileiro, e a transformação da vitória de Campanella numa preocupação real com os caminhos da Copa do Mundo (a Argentina pode ser superior cinematograficamente, mas é inadmissível em termos de futebol), nos resta achar a preocupação histórica com o jardim do vizinho interessantíssima. E engraçada.

E se o assunto brasileiramente paranóico é futebol a partir do Oscar dado ao cinema, no ano da copa, vale ficar assustado com pelo menos uma cena de O Segredo dos Seus Olhos (filme que eu não vi), amplamente divulgada no You Tube desde ontem à noite. Sem querer borrifar gasolina na fogueira, mas é uma cena cheia de virtuosismo que mostra total intimidade com a experiência de ir ao estádio, assunto que o cinema brasileiro é tradicionalmente perronha. A cena:

THE BREAKFAST CLUB - Os apresentadores Alec Baldwyn e Steve Martin defenderam bem as piadas roteirizadas, com destaque para uma sátira a Atividade Paranormal, mas sumiram do palco por longos períodos. Foi uma das cerimônias mais sem ritmo da memória recente, alternando entre monotonia e partes apressadas em ligeiro ‘fast forward’ para ganhar tempo.

Para concluir, a mais dolorosa contradição da noite de domingo. Uma homenagem longa e elaborada ao cineasta John Hughes, falecido precocemente ano passado. Sua obra impactou quem era jovem nos anos 80 com filmes como Curtindo a Vida Adoidado, O Clube dos Cinco e A Garota do Rosa Shocking. No palco, os atores, na época adolescentes, hoje quarentões. Vale destacar via Twitter as exclamações de uma sociedade que foi adestrada a valorizar a cosmética acima de tudo, sem lembrar que atores envelhecem e tomam rumos que podem não ter nada a ver com o cinema.

Isso, aliás, ilustra bem a trajetória de Hughes. Ele nunca foi lembrado pela Academia quando vivo. Na verdade, ele afastou-se de Hollywood depois do sucesso dos filmes Esqueceram de Mim (Home Alone), enojado com a ética dos executivos e dos estúdios, partindo para viver uma vida tranqüila com sua família até sua morte repentina. A homenagem deixou sabor agridoce de cinema através da idéia de imagens deixadas.

Oscar Twitter via CinemaScópio

2010-03-06T13:49:00.000-08:00

Depois da experiência do Globo de Ouro, estarei amanhã, durante a cerimônia do Oscar, usando o Twitter como bloco de notas e também lendo o que os outros estão postando. Para seguir, www.twitter.com/cinemascopio.

Kleber

Kathryn Bigelow

2010-03-06T07:48:00.000-08:00

Kathryn Bigelow, 59 anos de idade. Autora de cinema.

Trailer de 'Near Dark' (1987), para mim o melhor filme de Bigelow, e um dos grandes filmes de vampiro.

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Alguns desavisados podem se perguntar “Quem é Kathryn Bigelow?” Ela está cotada para ganhar o primeiro Oscar da história para uma cineasta mulher, categoria Direção. São 82 anos de premiação, e isso nunca ocorreu.

Essa californiana de 59 anos (é consenso de que parece estar no início dos seus 40) tem uma trajetória muito interessante no cinema, respeitada pela crítica e cinéfilos mais sérios como verdadeira autora. Atua, em grande parte, no cinema de gênero, e que chega à real possibilidade de um reconhecimento oficial com Guerra Ao Terror, crônica de tons realistas sobre os EUA na Guerra do Iraque.

Ela nunca fez filmes edificantes, dramas sentimentais, nunca esteve à frente de produtos fáceis como forma de conquistar respeito e prestígio. O que mais chama a atenção no cinema de Bigelow é a força e a agressividade das suas imagens, e a ausência dessa coisa que atende pelo termo com som de castigo, o “olhar feminino”.

Nos filmes de Bigelow, idéias pré-concebidas de ‘feminilidade’ devem ser ejetadas imediatamente. Esqueçam romance, sensibilidades delicadas à flor da pele e todos os clichês de um possível cinema menstruado normalmente associado automaticamente ao “olhar da fêmea”, seja lá o que isso venha significar.

Os filmes de Kathryn Bigelow são normalmente descritos como violentos, musculares, dotados de uma energia impressionante e, quase sempre, masculinos. Podem ser grosseiramente colocados em escaninhos de gêneros específicos (ação, horror, ficção científica). Em grande parte, cada um deles destaca-se individualmente pela bruta força com a qual se movimentam.

Ela estreou no cinema junto com o ator Willem Dafoe em 1982, com The Loveless, que pode ser descrito como “filme de motociclista” no estilo de O Selvagem, com Marlon Brando. O aspecto masculino e duro já estava lá, sugerindo traço que pode ser um problema no seu cinema, uma aparente despreocupação com a narrativa enxuta, compensando ao sempre abrir espaço para a energia da sua câmera.

Em 1987, ela fez um dos seus melhores trabalhos (e meu filme preferido da sua obra), o incrível “filme de vampiro” Quando Chega a Escuridão (Near Dark), filmado como um western moderno perfeitamente sangrento. Das revisões modernas do gênero vampiro, Near Dark é a que vai mais longe em termos de expandir a ética desse gênero, algo só igualado, de certa forma, ano passado com o sueco Deixa Ela Entrar. De qualquer forma, o tom de bangue bangue trazido por Bigelow, na paisagem americana e a forma como o sangue é usado na tela fazem desse uma jóia real.

Nos anos 90, Bigelow dirigiu um drama policial com o único personagem central feminino da sua filmografia, em Jogo Perverso (Blue Steel, 1990), onde Jamie Lee Curtis interpreta uma policial brutalizada pela profissão e perseguida por um psicopata. A violência do filme (em partes, achatando a credibilidade da narrativa) chamou tanta atenção quanto a energia impressa em cada imagem do seu filme seguinte, o projeto de ação, feito para um grande estúdio (Fox) Caçadores de Emoção (Point Break, 1991).

Eu lembro que vi Point Break no cinema em 1991 e fiquei, clichê dos clichês, estatelado na poltrona. Me pareceu um dos primeiros filmes que mostraram reais possibilidades de se passar por cima da magrela historinha que o levou a ser feito como um trator fora de controle, fruto de um(a) cineasta que, de alguma forma, seria cria verdadeira de Sam Peckinpah.

O tom (e ponto de venda) de Point Break é o de um “esporte radical” nessa trama sobre uma gangue de surfistas liderada por Patrick Swayze (falecido recentemente) que rouba bancos, infiltrada por um agente do FBI (Keanu Reeves). É uma das principais evidências de que Bigelow sabe filmar, seu estilo superando um projeto que seria nada mais do que rotineiro em outras mãos. Ainda hoje lembro de um pé sendo desintegrado por um tiro de 12 e, ainda sobre pés, uma perseguição a pé filmada na mão, estética que só tornou-se corrente via trilogia Bourne e Paul Greengrass, há alguns anos.

Nessa época, Bigelow era a companheira de James Cameron, seu Exterminador do Futuro 2 lançado nos cinemas e concorrente direto nas bilheterias de Point Break. Os dois desenvolveram Estranhos Prazeres (Strange Days), produção da Lightstorm Entertainment, de Cameron.

Strange Days, no geral, é uma zorra, mas uma zorra composta por momentos brilhantes, o que, no final das contas, gera ainda um filmaço. Bigelow atualizou em termos técnicos o plano sequência subjetivo de Carpenter, em Halloween, para ilustrar sensações gravadas em disco rígido por um aparelho que permite ao usuário registrar sua adrenalina via ação, violência e sexo.

Brainstorm (1983), de Douglas Trumbull, havia feito algo do tipo, mas Bigelow deu sua conhecida energia ao conceito. O filme também tem uma das mixagens mais agressivas que eu já ouvi, usando as novas, na época, possibilidades do recém lançado Dolby Digital 5.1 como instrumento de experimentação, em grande estilo.

Strange Days guarda semelhanças claras com idéias e climas observados em Avatar, uma curiosidade se pensarmos que o filho de Cameron e Bigelow gerou o novo filhote de Cameron, disputando com a nova cria de Bigelow, Guerra ao Terror, filme que usa com grande efeito o ponto subjetivo de uma câmera trôpega. Roteirizado e produzido por Cameron, esse filme, como os outros filmes de Bigelow, nunca chegou a ser um sucesso comercial.

Depois do pouco visto The Weight of Water (2000, eu não vi), Bigelow voltou a flertar com os grandes estúdios em 2002, com Harrison Ford no drama claustrofóbico K-9 – The Widowmaker, sobre um incidente num submarino russo, outro filme que, comercialmente não decolou, e que revela-se, para mim, seu filme mais fraco. Ford como comandante russo numa drama PG-13 ainda gera algum interesse, mas passa como um projeto feito sob contrato.

Seu sucesso com Guerra ao Terror tem o tom de uma redenção hollywoodiana. Seu filme anterior, Mission Zero, com Uma Thurman, parece ter sido enterrado comercialmente, sem um lançamento nos cinemas americanos. Sua indicação ao Oscar sugere a renovação de uma cineasta cujo nome parece rimar com energia e firmeza. Não necessariamente a energia e a firmeza de um homem, se considerarmos a forma como sua obra é preconceituosamente descrita como "masculina", mas a energia e a firmeza de uma mulher.

Vale ainda fazer uma última associação, já entrando no pantanoso terreno de tentativas de enxergar os lados pessoais de cineastas e suas obras. O cinema de Cameron nos oferece janela perfeita para entender sua associação com Bigelow, certamente profissional, talvez pessoal.

Suas heroínas - Sarah Connor, Ripley, a cientista de O Segrdo do Abismo, Jamie Lee Curtis em True Lies, a sinházinha de Titanic e a azulzinha de Avatar - são todas fortes, distantes léguas do padrão machista onde a mulher é aquela que será salva pelo homem, gritando aterrorizada para tentar espantar o terror e o medo. De alguma forma, é essa a imagem de força que tenho de Bigelow através dos seus filmes.

PS: Mission Zero é um curta de 8 mins, descobri agora, feito para a Pirelli, estilo promocional. É horrível.

Oscar 2010

2010-03-06T07:15:00.000-08:00

O "ângulo" escolhido pela imprensa esse ano é o embate de dois ex-amantes, Cameron e Bigelow, que fizeram filmes aparentemente diferentes, mas, na verdade, muito semelhantes.

Mas meu palpite doido é Oscar para esse aqui (amarrado, de macacão), Quentin Tarantino.

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

A tradicional entrega do Oscar acontece domingo, em Los Angeles, com uma mudança de maquiagem que estimula lucros maiores para toda a indústria americana de cine. A 82a edição propõe, pela primeira vez, uma expansão na lista dos indicados a Melhor Filme. Se antes eram cinco, a partir desse ano são dez títulos que se beneficiaram de enorme publicidade nas últimas semanas. Curiosamente, a imprensa destaca dois deles, cada um com nove indicações: Avatar, de James Cameron, e Guerra ao Terror, de Kathryn Bigelow.

Com o aumento de filmes indicados, percebe-se já um sistema de retribuições para títulos lançados durante o ano e que não têm grandes chances de efetivamente ganhar a estatueta. A academia adora o sucesso popular, o que explica a presença de Um Sonho Possível, com Sandra Bullock, na lista dos dez mais. Essa comedia sobre futebol americano foi um sucesso fenomenal nos EUA e tem no currículo essa indicação como medalha ao mérito.

Up – Altas Aventuras, animação da Pixar, representa o que há de melhor no gênero em 2009 na categoria Melhor Filme. É o real favorito na categoria específica Animação, onde também concorre.

Quatro filmes tidos como pequenos também ganham destaque no listão: A esperta ficção científica Distrito 9, de Neill Blomkamp, representa o cinema fantástico com pistolão de Peter Jackson (produtor), ganhador de duas dezenas de Oscars pela trilogia O Senhor dos Anéis. Especula-se que o gênero ficção científica só teria uma vaga nos dez mais, e que Distrito 9 teria pego a que seria de Jornada nas Estrelas, elogiado sucesso comercial da Paramount.

Amor Sem Escalas, de Jason Reitman, é aquele meio termo hollywoodiano, sugerindo alguma inteligência mas que, no final das contas, é mais do mesmo. Preciosa, de Lee Daniels, é o mensageiro do drama intimista feito por realizador e atores negros. Educação, de Lone Scherfig, marca a presença do cinema inglês, freguês anual do Oscar.

Um Homem Sério, dos Irmãos Coen, dos autores já oscarizados (Fargo, Onde os Fracos Não Têm Vez), tem forte sabor judaico. É um filme pessoal e incômodo ambientado numa comunidade classe média dos anos 60, sobre pai de família que passa por um incrível inferno astral.

O teor judaico é uma peculiaridade sempre comentada em relação aos gostos da Academia e não deve ser menosprezada no brilhante Bastardos Inglórios, de Quentin Tarantino, clara anomalia na lista dos dez mais.

Essa revisão do filme de guerra sobre soldados judeus caçando nazistas na França ocupada foi descrita no último Festival de Cannes por Eli Roth (que é judeu), um dos seus atores, como “um filme pornô kosher”. Tarantino recebeu oito indicações ao todo, sempre criando nos seus próprios termos, e reescrevendo a história através da força narrativa do cinema. Não nos espantaria se Tarantino saísse vitorioso no que seria, para a indústria, uma surpresa, seja em filme, diretor e, especialmente, roteiro.

INCENTIVO - A distribuição farta de indicações para Melhor Filme tem um pensamento comercial bruto por trás. Tudo o que o Oscar põe o dedo fica mais rico, e indicar mais cinco filmes duplica o grau de atenção e as possibilidades de identificação do grande público com os produtos.

Em termos comparativos, filmes tidos como “pequenos” dominaram a categoria principal no ano passado (Quem Quer ser um Milionário, O Leitor, O Curioso Caso de Benjamin Button, Frost/Nixon, Milk), suas arrecadações somando não mais do que 227 milhões de dólares.

Esse ano, só Avatar já passou de 700 milhões nos EUA, e ainda há outros nove filmes para incentivar não apenas as bilheterias, mas a audiência da transmissão ao vivo de hoje à noite. Se o filme é conhecido, o drama transmitido em tempo real de quem ganha ou perde o quê também fica mais atraente.

AMANTES - E dramas do Oscar são uma constante, cortesia da imprensa do cinema. Tiques típicos do jornalismo cinematográfico tentam encontrar um ângulo humano para a disputa, uma tensão emotiva.

O recorte Cameron & Bigelow vem claramente do fato de já terem sido casados. São ex-amantes na disputa pelo maior prêmio do cinema, ele com o filme mais caro da história (Avatar teria custado cerca de 450 milhões de dólares), ela com uma produção pequena, independente, feita com câmera na mão.

Já foi relatado que foi ele quem sugeriu que ela fizesse o filme. No Globo de Ouro, ao ganhar o seu, ele disse “achei que Kathryn ganharia”. Nos prêmios do Sindicato de Diretores (Director’s Guild), foi ela quem ganhou, e não Cameron. Tudo indica que Bigelow levará a estaueta para casa, marcando o primeiro Oscar da história entregue a uma cineasta.

Avatar e Guerra ao Terror são também relativamente semelhantes nas suas óbvias diferenças cosméticas. Enfocam o poderio militar americano atuando em terras estrangeiras. No filme de Cameron, ambientado no planeta fictício de Pandora, onde os nativos futuristas são azuis, há uma tentativa de politizar a presença americana em culturas distantes com o mito do bom selvagem.

Já Guerra ao Terror parece passar bem longe de qualquer traço explícito de política. Sem a camuflagem da ficção científica, o filme de Bigelow, ambientado no Iraque da presente década, está perto demais da realidade americana atual para arriscar a defesa de um ponto de vista.

Isso dá ao filme a sensação de estarmos vendo uma versão pintada de realismo (a câmera é na mão e tremida) sobre um grande herói americano (Jeremy Renner, indicado a Melhor Ator), soldado especialista em desativar bombas, à frente de um pensamento interno não muito diferente de um filme como Top Gun. Tanto Avatar quanto Guerra ao Terror são filmes com grandes e destemidos heróis americanos que fazem as coisas às suas maneiras. Os disfarces podem ser modernos, mas o conceito é o de todo sempre.

Para elavar a voltagem midiática do Oscar esta semana, a Academia decidiu punir Nicholas Chartier, um dos quatro produtores de Guerra ao Terror, que fez a besteira de enviar um email clamando por votos para seu filme, “uma produção pequena”, e que não votassem “num filme de 500 milhões de dólares”.

Chartier teve seu convite para a cerimônia de hoje cancelado, e terá que vê-la em casa, pela TV. Especula-se que tipo de dano o comportamento terá na votação final, podendo ter prejudicado o filme.

Fica também a dúvida sobre Avatar, um sucesso mundial de público (ponto positivo), mas uma aventura de fantasia (negativo) que, em termos gerais, foi criticada pela reciclagem de clichês e trama. Normalmente, é o tipo de filme que ganha prêmios técnicos, e pouca coisa mais.

Nossa aposta, em qualidade e em timing, é mesmo esse autor infernal ganhador de Palma de Ouro e já oscarizado (ambos por Pulp Fiction) que é Quentin Tarantino. Há 15 anos Tarantino é admirado pela cinefilia despreocupada com questões de mercado, mas, aos poucos, deixou de ser um “cineasta independente” para virar, talvez em 2009, um cineasta influente, do primeiro time da indústria. Bastardos Inglórios talvez marque essa transição. Vejamos.

'Recife Frio' no Rio de Janeiro (Cachaça Cinema Clube)

2010-03-05T06:33:00.000-08:00

Esse meu filme RECIFE FRIO passa pela 1a vez no Rio de Janeiro essa semana em Sessão Especial de Ficção Científica.

RECIFE FRIO (HD/35mm, Dolby, 20+ mins)
de Kleber Mendonça Filho
Sinopse: o Recife ficou frio.

Cachaça Cinema Clube
Quarta, 10 de Março, 20h30, ODEON.

Além da estréia carioca do RECIFE FRIO, exibem na mesma sessão:

ÉTERNAU, de Gustavo Jahn e Melissa Dulius
FLASH HAPPY SOCIETY, de Guto Parente
PIMENTÍPOLI, de Eduardo Souza Lima (Zé José).
+ FRAGMENTOS da obra de Georges Méliès, em película 35mm, via Cinemateca do MAM.

Desde a época em que eu estava trabalhando na pós produção que comecei a ter ilusões de grandeza sobre o filme passando na tela do Odeon. Que bom.

kmf

Odeon, Colchester, Inglaterra

2010-02-27T15:33:00.000-08:00

Num dos textos abaixo, sobre 'Pale Rider', de Eastwood, fui lembrar do Odeon, em Colchester, e dando um search nele descobri que, depois de mais de 60 anos, foi fechado em 2002, por causa de um multiplex que abriu perto. Oh, well. K.M.F

Putty Hill

2010-02-25T21:35:00.000-08:00

PUTTY HILL trailer from Matt Porterfield on Vimeo.

Eu vi Putty Hill no domingo, em Berlim, último dia do festival. O filme americano de Matt Porterfield é muito bom, passou na Forum. A título de informação e para economizar letras, me lembrou Pedro Costa e Van Sant. Porterfield dirige sem mãos no guidão uma ficção-ensaio cuja ignição é o documentário (ou uma encenação de registro direto) sobre família e amigos que reúnem-se no enterro de um homem de 24 anos. Há uma verdade sobre a ambientação e os personagens, americanos de classe baixa, e uma tristeza bem expressa por todos. Uma das sequências mais lindas de Berlim esse ano nos mostra a visita a uma casa vazia e escura, algo que continua me acompanhando, durante a semana. Capta a idéia de perda como pouca coisa. É um filme muito pequeno que, com alguma sorte, será visto. Estreou mundialmente em Berlim, e ficou pronto (digital) dias antes do festival. K.M.F

Pale Rider

2010-02-25T21:06:00.000-08:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Em outubro de 1985, eu fui ver Pale Rider (O Cavaleiro Solitário), de Clint Eastwood, no cinema, na época do seu lançamento, na Inglaterra. Foi no Odeon 1, em Colchester. Foi a primeira vez que eu, tão impressionado que estava, me vi diante da fotografia num filme. Eu talvez já soubesse o que fotografia significava, mas foi Pale Rider que me mostrou ao vivo, não sei bem porquê, um trabalho de imagens feito para ser mostrado numa tela grande. O fotógrafo é Bruce Surtees.

O que eu mais lembrava do filme eram os interiores, escuros. Me lembrava também de uma imagem com caubóis ao redor de uma fogueira, seus rostos brilhando com a luz do fogo.

Revi hoje o filme em bluray, como parte de uma admiração revisada constante (já há pelo menos dez anos) pelo trabalho de Eastwood como cineasta, algo que, um pouco como a idéia de fotografia, tornou-se admiração ponderada e consciente, pois Eastwood é um artista que eu vinha acompanhando filme a filme desde mais ou menos a mesma época que vi esse filme, no cinema. Ou seja, antes, Eastwood era alguém que eu gostava, mas sem a distância de usufruir do seu real valor.

Não sei bem se o cinema americano terá alguém como ele depois que morrer, cuja direção e visão clássica de cinema inspira a sensação de estarmos diante de uma cápsula do tempo reaberta no presente, ponte entre a câmera clássica do passado e a contemporaneidade.

Em Pale Rider, Eastwood remixa aspectos clássicos de Shane - Os Brutos Também Amam com o próprio Eastwood dos anos 70 (High Plains Drifter e The Outlaw Josey Wales) com, obviamente, Leone e Siegel de patronos. É um filme moderno, filmado como um clássico, sem nunca passar a pretensão de assim ser, um pouco como os melhores filmes que temos visto desse autor na década de 2000. Que sorte nossa ainda tê-lo fazendo filmes.

PS: sobre o bluray, é muito bom ver filmes mais antigos nesse formato de alta definição. Diferente dos filmes novos, que já foram criados e tratados dentro da tecnologia digital, filmes mais antigos como Pale Rider, originalmente feitos a partir de química e ótica (foi rodado em Panavision, com lentes anamórficas), está lá o grão original e as imperfeições naturais de um processo que, se comparado ao que se faz hoje, pode ser chamado de 'artesanal'. Nesses filmes antigos, planos são desiguais, nitidez e granulação convivem juntos e a imagem digital de repente parece uma cópia fiel do celulóide. Nunca se chegou tão perto (ou igualou) em casa o que sempre tivemos na tela do cinema. E se considerarmos que as oportunidades de se ver um filme antigo projetado em 35mm são raras (festivais, viagens ao exterior, salas especiais), o serviço prestado pelo bluray não deve ser menosprezado. É muito bom.

Um Lugar ao Sol

2010-02-25T17:27:00.000-08:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Uma maneira de pesar obras de expressão artística é procurar o ponto de vista do realizador. Um exemplo atual é um dos favoritos ao Oscar 2010, Guerra ao Terror (The Hurt Locker), que mostra a rotina de um grupo de soldados na Guerra do Iraque sem tomar claro partido. Talvez seja um plano de negócios, evitar perder espectadores patrióticos nos EUA. É possível argumentar que o tom do filme é “contra”, dada a dureza exposta, mas há uma clara postura “não me comprometa” ausente, por exemplo, do cinema americano de esquerda dos anos 70. Já no documentário Um Lugar ao Sol (2009), do pernambucano Gabriel Mascaro, o ponto de vista não poderia ser mais claro.

O filme estréia no Recife depois de uma carreira notável em festivais no Brasil e no exterior. Um Lugar ao Sol, antes de tudo, é uma anomalia. Parece ganhar por W.O. em termos de produção brasileira de cinema, fruto de uma cultura que evita atritos, tanto no cinema de ficção, como, em especial, no de documentário, onde os personagens são reais, em contextos verdadeiros.

Mascaro, cineasta jovem, partiu para apontar sua câmera como um objeto pontiagudo para a pouco registrada camada mais alta da sociedade, ou seja, os ricos. É um cinema jovem aparentemente marxista, armado com sua câmera petulante. Põe em ação uma espécie de juventude em marcha para abordar o que lhe faz mal, um ressentimento de classe onipresente na sociedade brasileira, mas, repetimos, pouco registrado pelo cinema do Brasil.

Pouco registrado se não pensarmos nos retratos de classe fornecidos por revistas como Caras, ou via paixões culturais do país como telenovelas onde a classe alta é algo a ser almejado socialmente, da decoração estridente dos interiores Projac ao amarelo irreal do suco de laranja servido em cena.

Nesse sentido, Um Lugar ao Sol chega numa cultura de imagens que sempre usou a câmera para escanear as camadas mais pobres nos nossos “favela movies” (ou “pinto no lixo movies”), da ficção ou do documentário, sempre feitos por realizadores brancos, da classe média-alta, algo de encantados com universo social tão distante deles, como elementos exóticos.

Mascaro entrevista moradores de coberturas no Recife, Rio e São Paulo para ouvir idéias verbalizadas sobre privilégio, riqueza e estatura social, poeticamente traduzidas pelo fato de todos eles estarem, literalmente, por cima, nas áreas mais nobres dos seus arranha céus. Usam a altura como proteção para o que está lá embaixo.

É uma sessão desconfortável para boa parte da platéia, pois os depoimentos, marcados na quase totalidade por um orgulho evidente dos personagens de estarem ali (nas coberturas e no filme), juntando uma espécie de show de horrores oral e social. O recorte percebido em Um Lugar ao Sol sugere o registro de tensões evidentes num país tão desigual, e a capacidade que o filme tem (mesmo pregando para platéias já convertidas) de gerar debate é notável.

No entanto, esse documentário desdobra-se ainda em direção à própria idéia de viver em cidades grandes. Há um diálogo perfeito com uma cidade como o Recife, que está sendo demolida a olhos vistos para dar lugar a noções de lucro instantâneo, correndo solto por causa de um urbanismo que parece ter a ética generosa de uma prostituta. O resultado disso, é o aumento dos abismos entre as classes, cada vez mais segregadas pela própria cidade.

Nem tudo, vale lembrar, é sombrio. A mera existência de Um Lugar ao Sol parece apontar para o início de uma mudança no olhar critico do próprio cinema brasileiro para com o país. Seria isso resultado pratico do governo Lula, que veio da esquerda e que, por linhas tortas, ainda exerce movimentos cada vez mais subreptícios de esquerda?

Semana passada, no Festival de Berlim, o filme de ficção Bróder, de Jéferson D, cineasta de pele negra que filmou sua comunidade de periferia com aparente verdade, ousou, ele mesmo, ao registrar, em uma única cena, o mundo dos ricos. Interessantíssima a cena pela questão do ponto de vista ali aplicado, pois é a única nota falsa de todo o filme.

Filme visto no Cinema da Fundação, Recife, Outubro 2009

Toy Story (3D)

2010-02-25T16:06:00.000-08:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

O relançamento de Toy Story (EUA, 1995) em formato 3D (nas salas do país equipadas para o processo) marca o início de uma temporada de relançamentos previstos para o futuro próximo de filmes importantes comercialmente, feitos originalmente em 2D, agora reconfigurados para as três dimensões. A lista de promessas inclui Uma Cilada Para Roger Rabbit, Titanic e a trilogia O Senhor dos Anéis. Mostra a força desse formato, introduzido originalmente nos anos 50, mas que encontra nas novas tecnologias digitais atuais uma bonança de dinheiro.

Toy Story será seguido de Toy Story 2, semana que vem, antecipando o lançamento esse ano de Toy Story 3D. Eu não vi esta versão 3D do primeiro filme, pois não foi feita cabine de imprensa no Recife. Sabe-se que o processo de conversão levou quase dois anos, trabalho feito quadro a quadro.

De qualquer forma, não deixa de ser interessante poder rever essa que é a primeira obra em longa metragem da Pixar Animation, estúdio que, desde então, estabeleceu o mais alto padrão da indústria no gênero "animação”, eclipsando até mesmo os filmes da Disney, sua parceira de distribuição e, há alguns anos, sua proprietária, resultado de um negocio que garante, até hoje, liberdade criativa ilimitada para a Pixar, e lucros gordos para a Disney corporation.

O estúdio de animação digital surgiu de jovens como o próprio fundador da Pixar, John Lasseter (diretor de Toy Story) e Steve Jobs, o todo poderoso da Apple Computer. Crias da escola Spielberg/Lucas de cinema americano do entretenimento de marca autoral, e fruto de uma das regiões mais ricas do mundo (o Vale do Silício, na Califórnia), têm dado ao cinema, no ritmo de um filme por ano, obras diferenciadas que refletem em grande estilo um ponto de vista americano para a cultura e para a sociedade.

Toy Story é não apenas um grande filme, mas espécie de planta baixa desse cinema, que tem marcado presença anualmente com filmes excelentes como Monstros S/A, Os Incríveis, Procurando Nemo e, por último, Up – Altas Aventuras. Está aqui o fascínio por um mundo feito de plástico, provável reflexo da sociedade americana como um todo, sem nunca deixar de lado o aspecto humano de suas histórias.

Nessa trama espetacularmente divertida sobre uma sociedade secreta de brinquedos, todos pertencentes a um menino que pouco aparece, há lutas de poder entre dois possíveis lideres da gangue, um cowboy e um astronauta (Buzz Lightyear). O primeiro, mais cético, sabe da sua condição de brinquedo. O segundo, cheio de si, crê ser mesmo um astronauta. Ambos terão que enfrentar um menino vizinho, destruidor de brinquedos, vilão realista para com situação tão imaginada.

A capacidade que os filmes da Pixar tem de manter a atenção com uma infinidade de informações visuais eficazes está toda aqui nesse primeiro filme, assim como a habilidade que têm de se comunicar com o grande público. É uma das poucas instancias onde o cinema industrial oferece produtos artísticos orgânicos, mesmo que parte do que a Pixar anime tenha no plástico sua matéria prima.

Alexei Popogrebskym: Filmando com a RED

2010-02-21T18:21:00.000-08:00

Eu fiquei bem impressionado com a realização (imagem + câmera) do filme russo "Kak Ya Provel Etim Letom" (How I Inded This Summer). Foi o único filme que me estimulou a correr atrás de uma entrevista com o diretor, Alexei Popogrebskym (no todo, 20 minutos, a ser publicada no futuro). O júri de Werner Herzog também, deu inclusive 2 ursos de prata, um deles para "outstanding technical achievement". Perguntei a Popogrebskym sobre o uso da câmera RED no filme. K.M.F

Berlinale - Um Brinde

2010-02-21T16:09:00.001-08:00

A foto é feia, mas o vinho era bom.

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Das quatro edições do Festival de Berlim que eu acompanhei, esta teve a melhor seleção de filmes na competição. Para combinar, uma premiação lúcida que, para conhecedores do universo do autor alemão Werner Herzog, é coerente. Escolheram a delicadeza do filme turco Bal (Mel), de Semih Kaplanoglu, e valorizaram novos talentos. Herzog e seus jurados ainda apoiaram Roman Polanski com Melhor Diretor não só por um bom novo filme, The Ghost Writer, mas, entende-se, pelo drama pessoal e controvertido pelo qual o mestre franco-polonês passa atualmente.

Na cerimônia de encerramento, sábado à noite, o diretor artístico da Berlinale, Dieter Koslick, anunciou feliz que, no ano em que comemorou seu aniversário de 60 anos, o Festival Internacional de Berlim superou-se em público.

Mais de 300 mil espectadores confirmam um festival que atende ao mercado, a mídia e, principalmente, o público, que lota dezenas de salas de grande porte, ao redor de Berlim, durante 12 dias. Aqui, brinca-se que as proporções gigantes da bilheteria na Berlinale são sempre estimuladas pelo inverno, o desse ano um dos mais fortes dos últimos anos. Com oito graus negativos na rua, a melhor coisa é ir ao cinema.

JÚRI - No início do festival, Werner Herzog mostrou-se curioso para descobrir se “esta seria uma safra vintage”, o cinema tratado como vinho. Não há exatamente uma resposta para isso, apenas os resultados do júri comandado por um dos grandes realizadores do cinema, cujos filmes, ao longo dos últimos 40 anos, têm provocado e estimulado a maneira como as imagens registram o elemento humano e o próprio mundo.

Ao final do festival, Herzog disse, “nenhum momento de amargura durante os trabalhos do júri”. Não era difícil suspeitar que ele talvez pudesse admirar o radicalismo de Caterpillar, de Koji Wakamatsu, vencedor do prêmio de Melhor Atriz (Shinobu Terajima). Ou enxergar algo do seu próprio cinema no filme russo Kak Ya Provel Etim Letom (Como Terminei o Verão), de Alexei Popogrebsky, sobre o isolamento radical de dois homens no círculo polar ártico.

No palco, o diretor Popogrebsky disse ter dado de presente para seu fotografo, Pavel Kostomarov, uma copia de O Homem Urso, do próprio Herzog, para que ele abrisse os olhos para a sua paixão (adquirida na filmagem) por ursos populares. Kostomarov ganhou prêmio técnico especial em reconhecimento ao extraordinário trabalho de câmera no filme, assim como os atores Gregory Dobrygin e Sergei Puskepalis dividiram o Urso de Prata na atuação masculina.

O mesmo tratamento de prêmio duplo foi dado ao romeno Eu Cand Vreau Sa Fluier, Fluier (Se Eu Quiser Assoviar, Eu Assovio), de Florian Serban, que ficou com o prêmio Alfred Bauer, que estimula novas perspectivas para o cinema, e o Grande Prêmio do Júri, na prática o segundo lugar.

É o primeiro filme de Serban e conta a história de um delinqüente que tenta lidar com o reformatório, dias antes de ser solto. Não tem o brilho de outros romenos recentes, mas tem precisão e a qualidade está lá.

Os dois ursos de prata continuam confirmando a máquina de ganhar prêmios dessa produção romena muito apreciada, onde a escrita é cheia de personalidade. Na competição de curtas metragens, a Romênia ainda ganhou Melhor Filme com Colivia (Gaiola), de Adrian Sitaru, outra observação afiada da vida.

O bom drama chinês Tuan Yuan (Separados Juntos), de Wang Quan’an, filme de abertura da Berlinale esse ano, ficou com melhor roteiro, escrito por Na Jim e Quan’an. O filme utiliza o passado recente da China para reiniciar uma antiga história de amor.

Os produtores de Polanski foram receber o troféu, um deles relatando que o cineasta teria dito que, mesmo se estivesse já livre, não teria ido à Berlinale. “Da última vez que fui receber um prêmio num festival de cinema, fui preso”, referência à sua captura na Suíça, em setembro, onde seria homenageado.

Polanski aguarda a solução de um processo iniciado nos EUA em 1977, de onde fugiu na época, que o acusa de manter relações sexuais com menor de idade. Nos perguntamos como será recebido pelo grande público The Ghost Writer, um empolgante thriller sem cenas de ação ou explosões... A vitória do filme de Polanski também foi lembrada como resultado dos investimentos na produção de cinema na própria Berlim, onde Polanski rodou seu filme.

No final das contas, Berlim 2010 deu uma levantada no nível. Nada de valorizar a tortura pré-desenhada de personagens, como no dinamarquês Submarino, de Thomas Vinterberg, um favorito dos colegas da critica. Nada de simpáticas dramédias de cara dura da Noruega (A Somewhat Gentle Man, de Hans Peter Moland), ou o cinema feminino que usa o bottom vistoso na lapela de “eu sou mulher” (o argentino Quebra Cabeças, de Natalia Smirnoffo bósnio Na Putu, de Jasmila Zbanic).

ENCERRAMENTO – Berlim foi feliz até para fechar, pois o ano dificilmente encontrará filme tão doce como o último trabalho do japonês Yoji Yamada, Otôto, título internacional About Her Brother (Sobre o Irmão Dela), escolhido como filme de encerramento. Fez dobradinha perfeita com o outro asiático que abriu o festival, o chinês premiado Tuan Yuan (Separados Juntos).

Exibido fora de competição, Otôto é um melodrama totalmente do bem sobre laços familiares testados pelo tempo e convenções sociais. Como pano de fundo, a forma muito particular (para nós estrangeiros) de como a vida na sociedade japonesa se desenrola.

O filme conta a história de mãe e filha, marido/pai já falecido, que convidam para o casamento da garota um tio que normalmente causa constrangimento pelo seu comportamento estridente. É um homem solitário e bom, que nunca teve muita sorte na vida.

Sua presença no casamento irá gerar tensão, mas são as descobertas posteriores desse tio/irmão que dão ao filme toda a sua beleza. Yamada saiu da cerimônia de encerramento com um troféu especial, a Berlinale Kamera. Um dos últimos planos do filme é um brinde proposto com vinho. Perfeito encerramento.

Essa cobertura foi feita através de parceria com o Jornal do Commercio e o Centro Cultural Brasil-Alemanha, no Recife

Berlim (texto preliminar)

2010-02-20T11:44:00.000-08:00

"Roman, by the way, thank you"

Esse filme é merecedor.

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Ao anunciar o Urso de Ouro de Melhor Filme na 60a edição do Festival Internacional de Berlim, ontem à noite, no palco do Berlinale Palast, o cineasta alemão Werner Herzog disse “não temos nenhuma amargura nesse júri, as decisões foram todas muito rápidas”. O troféu foi para o filme turco Bal (mel), de Semih Kaplanoglu, com dois outros filmes saindo destacados, o romeno Eu Cand Vreau Sa Fluier, Fluier (Se Eu Quiser Assoviar, Eu Assovio) e o russo Kak Ya Provel Etim Letom (Como Terminei o Verão), cada um com dois ursos de prata.

Os resultados do júri comandado por Herzog, um dos maiores nomes do cinema autoral no mundo, podem ser considerados felizes, marcados pela lucidez. O filme turco é uma dessas obras delicadas, que conseguem transmitir em imagens de cinema o que seria o olhar de uma criança que perde o pai muito cedo, e que vê o mundo como pedaços de sonhos. É esperar que esse filme pequeno, muito bem composto, chegue aos cinemas do Brasil.

Escolha interessante, que tanto reconhece o talento, como também sugere uma defesa pública de Roman Polanski, foi o Urso de Prata de Melhor Diretor para o franco-polonês pelo seu trabalho no thriller The Ghost Writer. Aos 76 anos, Polanski está atualmente em prisão domiciliar na Suíça, esperando possível extradição para os EUA onde poderá cumprir sentença pendente para crime de sexo com menor de idade, em 1977.

Outra escolha com sabor ousado foi para a atriz japonesa Shinobu Yoshizawa, atuação corajosa no filme Caterpillar. Yoshizawa interpreta a esposa de um herói que volta da guerra sem braços e pernas, surdo e mudo.

O júri decidiu destacar dois filmes de jovens talentos do leste europeu. O prêmio Alfred Bauer, que estimula novas perspectivas para o cinema, foi dado ao romeno Eu Cand Vreau Sa Fluier, Fluier, de Florin Serban, que ainda levou o Grande Prêmio do Júri, urso de prata que agrega enorme prestígio. É o primeiro filme de Serban e conta a história de um delinqüente que tenta se comportar no reformatório, dias antes de ser solto.

Outro favorito dos jurados foi a impressionante aventura sobre isolamento Kak Ya Provel Etim Letom, de Alexei Popogrebsky. O Urso de Prata de Melhor Atuação Masculina foi dividido entre os dois atores Gregory Dobrygin e Sergei Puskepalis, que seguram sozinhos o filme, ambientado no círculo polar ártico. O filme levou ainda menção especial pela “conquista técnica extraordinária” pela fotografia (Pavel Kostomarov).

O prêmio da Critica, anunciado na noite de sexta-feira, foi para o drama dinamarquês En Familie (Uma Família), de Pernille Fischer Christensen, penúltimo filme exibido na competição. O Teddy Bear (o ursinho de pelúcia), prêmio anual dado ao filme mais destacado de temática gay, foi para o americano The Kids Are Alright, de Lisa Cholodenko.

A produção Brasil/Inglaterra Lixo Extraordinário (Waste Land), de Lucy Walker, João Jardim e Karen Harley, exibido na mostra paralela Panorama, ganhou dois prêmios: Público e Anestia Internacional, esse último dividido com Son Of Babylon, de Mohamed Al-Daradji.

Premiação

2010-02-20T10:29:00.000-08:00

(premiação em progresso)

Urso de Ouro - Bal (Mel) Turquia

Grande Prêmio do Júri
If I Want to Whistle, I Whistle (Romênia)

Roman Polanski levou Melhor Diretor por The Ghost Writer.

Atriz foi dado a Shinobu Yoshizawa, atuação corajosa no filme japonês pancada Caterpillar.

O PRÊMIO Alfred Bauer, que estimula novas perspectivas para o cinema, foi dado ao romeno If I Want to Whistle I Whistle (Se eu Quiser Assoviar, eu Assovio), de Florin Serban.

O bom drama chinês Tuan Yuan (Separados Juntos) ficou com melhor roteiro.

Prêmio Especial por Conquista Técnica, Pavel Kostomarov, por How I Ended My Summer.

Melhor Primeiro Filme, ganhou o sueco Sebbe, de (exibido na paralela Generation 14+, dedicado a filmes com temática jovem).

Long Live The New Flesh! (Berlinale Shorts)

2010-02-20T05:49:00.000-08:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Long Live the New Flesh é o novo filme do belga Nicolas Provost. É um dos realizadores que eu mais espero ver fazendo um longa. O filme passou em competição em Berlim. Provost usa o arquivo mais potente de imagens do horror no cinema para interferir nessas mesmas imagens. Parece sugerir que a própria essência da imagem moderna é orgânica através dos pixels defeituosos, como tumores digitais que afetam a carne e o sangue expostos pelo cinema.

Ele não poupou seu arquivo que, na verdade, é o nosso próprio arquivo de visões indeléveis cinematografadas. Das citações aqui apresentadas, não é de se estranhar que o realizador mais presente seja exatamente David Cronenberg, cujo Videodrome (1982) fornece não apenas carne e sangue retrabalhados por Provost, mas também o título 'Long Live the New Flesh'.

Eu lembro que no surgimento do digital, e ainda hoje, a tecnologia de captação e reprodução de imagens foi/é acusada de uma constância irritante, diferente do celulóide, repleto, por natureza, de pequenas imperfeições e instabilidades. Provost parece ilustrar de maneira espetacular (as imagens corrompidas do grotesco, montagem e som desse filme são extraordinárias) que há um mundo em polvorosa na certeza numérica das novas formas de ver e captar.

Filme visto no Cinemax 6, Berlim, Fev 2010

Berlim e a Berlinale

2010-02-20T04:39:00.000-08:00

Jud Süß - Film ohne Gewissen. Alemão mal recebido.

Metroplis no Portão de Brandemburgo.

O Urso assaltado.

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

A Berlinale esse ano completou seus 60 anos, algumas sessões exibindo interessantíssimo material de arquivo dessa história, deixando claro que o festival foi instrumento importante nas décadas da guerra fria. Em algumas dessas imagens de arquivo, Oliver Stone espreita o lado comunista por um buraco no Muro de Berlim e Kirk Douglas lembra de ter passado pelo Check Point Charlie, a ligação oficial entre leste e oeste, entre 1962 e 1989.

Talvez seja esse histórico que ainda dê ao Festival Internacional de Cinema de Berlim um certo sabor de democracia (diferente de Cannes, é um festival de público e grandes salas lotadas pelos cinéfilos) e uma tentativa de programar filmes de teor social e político, com a habitual demonstração de respeito por autores do mundo.

Essas quase duas semanas de cinema, espalhadas em dezenas de salas grandes de Berlim, de certa forma refletem a sensação geral que essa cidade inspira. Se o mundo é repleto de cidades ricas em cultura e arte, poucas têm a capacidade de inspirar o pensamento livre para as artes (inclua aí o cinema) como Berlim, que durante tanto tempo viu-se dividida, e que agora parece agregar tudo.

É um festival de cinema encravado no meio de sítios históricos que nos lembram não apenas o que aconteceu aqui, mas que parece ainda guiar, através do passado, os caminhos para o futuro.

Com as principais salas localizadas entre o monumento em memória ao Holocausto e a antiga sede da Gestapo, a área é ainda cortada pelo fantasma desenhado no chão (em singelos paralelepípedos) do que uma vez foi o Muro, a Berlinale oferece certamente um grande dialogo entre as imagens do cinema e as imagens deixadas pelo passado.

Uma das imagens mais fortes da Berlinale esse ano, aliás, foi a do clássico Metropolis, de Fritz Lang, sendo projetado numa tela montada no Portão de Brandemburgo, outro marco da cidade. O filme foi restaurado a partir de uma copia que, acreditava-se perdida, achada na Cinemateca de Buenos Aires em 2008.

Nas suas sete mostras distintas – Competição, Berlinale Special, Panorama, Forum, Berlinale Shorts, Generation, Retrospektive e Perspektive Deutsches Kino (Perspectivas do Cinema Alemão), críticos, gente de mercado e público tentam dar algum sentido ao excesso de filmes de todos os lugares e estilos.

Curiosamente, vale observar que a produção alemã continua tímida como resultados na tela, embora a participação da Alemanha como espaço para produção esteja aumentando. O maior sucesso desse estímulo recente foi a fatia alemã em Bastardos Inglórios, de Quentin Tarantino, atualmente indicado a oito Oscars.

Co-financiado pelo fundo de incentivo ao cinema da cidade de Berlim (Berlin-Brandenburg GmbH), e filmado nos estúdios Babelsberg, nos arredores de Berlim, o sucesso mundial do filme, e o carisma de Tarantino, foram transformados em marketing para Berlim, com camisas, suéters, bonés e cartazes do filme vendidos no comercio da cidade.

Na quarta-feira passada, foi anunciado um acordo entre os estúdios Pinewood, em Londres, e os estúdios Hamburg e Adlershof numa joint venture chamada Pinewood Studios Berlin Film Services. A revista Variety de quinta-feira descreveu os fundos alemães para co-produções estrangeiras como “generosos”, nas esferas regional e federal, resultando “na mais dinâmica região da Europa para a produção de cinema”.

GOEBBELS - E os filmes alemães? Embora a questão dos fundos de incentivo e co-produções garanta nacionalidade alemã a pelo menos três outros filmes em competição, são três os filmes que puderam ser considerados alemães na competição esse ano. E foi uma mostra bem fraca de uma filmografia que já nos deu Fassbinder, Wenders e Herzog (esse ano, presidente do júri).

Não deixa de ser curioso para o observador externo ver que a única vaia ouvida nas sessões da Berlinale por esse observador foram para um drama histórico sobre o nazismo: Jud Suss – Film Ohne Gewissen (Judeu Suss – Ascensão e Queda), de Oskar Roehler, narra, como num assistível especial para a TV, a história real e terrível de Ferdinand Marian, ator ariano que foi obrigado por Joseph Goebbels, à frente do cinema no 3o Reich, a aceitar o papel do mais abominável estereotipo do judeu, numa super produção de propaganda nazista.

Ironicamente, Jud Suss – Film Ohne Gewissen tem inúmeros pontos de convergência com Bastardos Inglórios. De Goebbels à máquina nazista de imagens sendo revista, mas sem o reprocessamento interessantíssimo de Tarantino, ou uma idéia ousada de cinema. De qualquer forma, fica a dúvida: o público vaiou o filme ou o tema?

Se um segundo filme, Der Rauber (O Ladrão), de Benjamin Heisenberg, conquistou o respeito do público e da crítica, um terceiro foi um dos poucos vexames da seleção esse ano. Shahada, de Burhan Qurbani, crônica étnica sobre muçulmanos na Berlim contemporânea, lidando com um manual de problemas modernos, como aborto, homossexualismo e adultério. Esse sub-Crash berlinense é um projeto de jovem realizador, e ninguém sabe ao certo o que estava fazendo em espaço tão importante.

Vale dizer que, nas mostras paralelas, o cinema alemão pareceu relacionar-se bem com o seu passado. Alem do evento que foi a apresentação de Metropolis, Berlim apresentou a cópia restaurada de um documento essencial para entender não apenas o elemento humano, mas a história dolorida da Alemanha: Nuremberg: Its Lesson For Today, o documentário oficial do julgamento de 23 oficiais nazistas, exibido na Alemanha como parte do processo de desnazificação da Alemanha no pós-Guerra.

Por último, um relançamento pertinente, e não menos fascinante: a Fundação Fassbinder, dedicada a divulgar a obra de Rainer Werner Fassbinder, apresentou em duas sessões especiais a copia nova de um dos seus filmes menos conhecidos, Welt am Draht (1973), surpreendente por ser um filme de ficção científica sobre mundos virtuais criados por computador. É o presente.

Mammuth

2010-02-20T03:22:00.000-08:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Não é possível ignorar os comentários da imprensa internacional em Berlim sobre a forma como o ator Gerard Depardieu aparece num dos seus dois novos filmes, ambos projetados na Berlinale. L’Autre Dumas, de Safy Nebbou, é sobre o escritor Alexandre Dumas, passou na Berlinale Special (e eu não vi), mas é em Mammuth (competição), filme de Benoit Delépine, que Depardieu parece ter chocado.

Ele é filmado como uma espécie de irmão gordo do Lutador, de Mickey Rourke, cabelos longos e loiros, redondo na forma, às vezes nu em cena, sem pudores, total entrega. Obelix também seria referência. A reação da platéia chega a ser interessante dada a rejeição efusiva ao corpo de Depardieu.

O filme em si é um LA-DI-DA francês e granulado, filmado não apenas em baixa resolução, mas no que aparenta ser a intenção de fazer o filme mais visualmente feio da era moderna. Granulado como uma câmera de segurança e verde escuro no tom, Mammuth é inicialmente curioso, com suas observações da vida nas classes mais baixas da França, nas movimentações naturais de um ogro nos obstáculos do dia a dia.

Mais tarde, a julgar pelas minhas caretas discretas no escuro, talvez não passe de uma besteira com vôos de poesia de má qualidade, e ar artsy-biruta. A base aparenta ser o sentimento de passagem do tempo na vida, e há, de fato, um tom agridoce promissor.

Depardieu é um açougueiro que chega à aposentadoria sem os papeis necessários para ganhar sua pensão. Visita lugares onde trabalhou, como cemitérios e boates, à procura de documentos. Isabelle Adjani, numa estranha participação que valoriza seu rosto, é sua musa da morte, e cada novo encontro desse road movie pretensamente experimental garante os risos típicos dos filmes excêntricos.

Mammuth é uma aposta no grão e na gordura, e chega para Depardieu como um registro não apenas de pequenas pretensões artísticas, mas também dele próprio como corpo físico. De certa maneira, o filme enfrenta padrões de beleza, seja na imagem suja ou na falta de vaidade do seu astro, ocupando curioso espaço. Encolhe ainda mais após a sessão.

Filme visto no Cinemax 9, Berlim, Fev 2010

The Killer Inside Me

2010-02-20T03:18:00.000-08:00

As Imagens Americanas

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

O realizador inglês Michael Winterbottom, cujas habilidades como cineasta espalham-se por todas as gamas, formatos e gêneros apresentou seu exercício em mitologia americana aplicada, The Killer Inside Me (O Assassino Dentro de Mim). Foi exibido hoje, no Festival de Berlim, o último filme apresentado em competição. A violência do filme gerou o tipo de reação comum em festivais de cinema, e que irá repetir-se nas salas, quando do seu lançamento. Espectadores levantando-se apressados em direção à saída de emergência.

Ambientado nos anos 50, no interior do Texas, é a história de um jovem xerife adjunto (Casey Affleck) que começa a despertar suspeitas sobre suas condutas depois que uma série de assassinatos passam a ocorrer na sua jurisdição, normalmente com pessoas com as quais ele esteve.

É uma história clássica de assassino por natureza na paisagem americana, e já há acusações de que The Killer Inside Me seja mais do mesmo. Talvez seja, considerando a freqüência desse sub-gênero nas imagens americanas.

De qualquer forma, essa história foi filmada por esse realizador inglês com certo fascínio, em em 35mm CinemaScope. Estão lá os enquadramentos clássicos da mitologia americana, o sotaque forte do Texas, a música, a violência.

O filme foi, em grande parte, mal recebido, talvez refletindo a natureza barata da literatura do autor Jim Thompson, cujo livro homônimo foi publicado em 1952. É um autor, e um livro da chamada ‘pulp fiction’, e o tratamento de Winterbottom nos pareceu totalmente adequado.

A carga mais pesada das imagens agressivas de The Killer Inside Me (com distribuição já garantida no Brasil) existe na violência contra mulheres, resultado de um personagem que, em parte, as adora, e, de outra maneira, quer destruí-las em arroubos assustadores de agressão e extermínio. E o faz com as mãos e os pés, para máximo contato físico. Curiosamente, com os homens, os atos de brutalidade são bem mais rápidos e certeiros, o que não deixa de ser um aspecto curioso da construção desse personagem.

Na coletiva de imprensa, uma jornalista levantou a questão sempre presente da sexualização do crime e da brutalidade, uma vez que as duas personagens femininas são interpretadas por estrelas sensuais como Jéssica Alba e Kate Hudson. Winterbottom também enfrentou a fúria básica dos mais sensíveis, e sua resposta foi a resposta padrão.

“A violência no cinema deve ser chocante. Acho questionável quando filmes mostram a violência como algo divertido, engraçado. Sobre misoginismo, é uma questão sempre complicada, já que a violência contra as mulheres é algo que faz parte da sociedade, e certamente faz parte da história desse personagem. Alem disso, meu filme deixa claro que este é um homem com sérios problemas, ele não é um modelo a seguir”.

Winterbottom, que já fez filmes tão díspares como A Festa Nunca Termina (2000), sobre a cena musical de Manchester, Nesse Mundo (2002, Urso de Ouro em Berlim) e Caminho Para Guantanamo, lembrou que seu primeiro longa metragem, O Beijo da Borboleta (1995) já marcava território temático semelhante, mas ambientado no norte da Inglaterra.

Em Berlim, ele quis deixar clara sua intenção de fazer um filme que fosse totalmente fiel ao livro, algo que beirasse o exercício de linguagem. “Isso não significa que tenha partido para procurar a imagem do cinema noir, mesmo que o livro tenha essa carga noir.

Um aspecto também levantado na coletiva foi a ausência de todo o elenco, em Berlim. Isso foi somado aos boatos, divulgados na première mundial do filme no Festival de Sundance de que Jéssica Alba teria abandonado a sessão na cena em que é vitimada.

“Isso não é verdade, Jessica havia visto o filme antes, foi a Sundance para apresenta-lo e não ficou para ver a sessão. Sobre a ausência dos outros, é uma pena, quando aceitamos o convite para vir a Berlim, prometemos que todos estariam aqui, portanto, podem imaginar como estamos chateados. De qualquer forma, Casey tem preferido não trabalhar em filmes, e já me considero sortudo de tê-lo tido no filme”.

Filme visto no Berlinale Palast, Berlim, Fev 2010

Menos Frio Hoje

2010-02-18T12:10:00.001-08:00

foto KMF

Kak Ya Provel Etim Letom (Como Terminei Meu Verão)

2010-02-18T12:07:00.000-08:00

Depois de uma semana inteira com máximas de dois graus negativos, o termômetro passou hoje dos três positivos, começando a derreter o verdadeiro rinque de patinação no gelo no qual Berlim se transformou. Este é ido como um dos invernos mais fortes dos últimos 10 anos. E já chegando ao fim, persiste a sensação de que esta 60a edição da Berlinale tem qualidade geral respeitável, mas num todo sem filmes que desencadeiem reações de grande alegria.

Combinando o desconforto físico trazido pelo frio do lado de fora dos cinemas com o frio sentido na tela, há um destaque claro e evidente na competição que é o filme russo Kak Ya Provel Etim Letom (Como Terminei Meu Verão), do diretor Alexei Popogrebsky. Todo filmado no círculo polar ártico, na ponta extremo-leste do território russo, é a história de dois homens numa base de monitoração meteorológica isolada.

O mais velho (Grigory Dobrygin) é pai de família, e comunica-se com esposa e filho através de mensagens de celular enviadas por terceiros, na base de rádio, a centenas de quilômetros de distancia. O mais jovem é um estagiário (Sergei Puskepalis) que pegou o serviço para escrever uma monografia nesse exílio exótico. O filme se passa no verão do Círculo Polar Ártico, mas as temperaturas não parecem passar de zero grau.

A sensação de isolamento é espetacular, deixando o filme a alguns metros do cinema fantástico, onde lembranças de O Enigma do Outro Mundo (The Thing, 1982), de John Carpenter, são constantes. Trabalhos de fotografia (com a câmera digital Red) e som incríveis, provam que Popogrebsky é um nome a se observar.

O filme transforma-se em drama enervante num momento de ausência do homem mais velho. O estagiário recebe uma mensagem importante via rádio que, de forma não explicada via formas convencionais, ele não quer, ou não consegue passar para seu chefe, assumindo comportamento cada vez mais inusitado, como uma criança assustada. Seria a loucura do isolamento? Ou o peso da natureza sobre o homem, aspecto tão visto nas imagens russas de cinema?

Como Terminei Meu Verão tem a cotação mais alta no quadro da crítica, atualizado diariamente na revista inglesa Screen International, distribuída no festival. Uma leitura possível colocaria o filme bem próximo dos territórios distantes filmados no cinema de Werner Herzog, presidente do júri em Berlim.

Rompecabezas

2010-02-18T12:05:00.000-08:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Dois filmes com ponto de vista feminino passaram na competição, o melhor deles o argentino Rompecabezas (Quebra-cabeças), de Natalia Smirnoff. Muito envolvente, utiliza estrutura minimalista com resultados consideráveis. Maria Onetto, a mesma atriz tão bem utilizada por Lucrecia Martel em A Mulher Sem Cabeça, volta com um ar e uma postura não tão diferente. Interpreta uma dona de casa de Buenos Aires que descobre-se exímia montadora de quebra-cabeças.

Mãe de filhos homem crescidos, marido delicadamente machista, ela descobre na resolução peça a peça de imagens da cultura universal (Egito antigo e clássicos da pintura) uma energia que talvez estivesse faltando na sua vida. Isso aumenta depois que responde a um anúncio para que treine suas habilidades com um homem de meia idade rumo a um campeonato internacional. Uma das imagens do festival: ver essa mulher, sempre serena, não necessariamente infeliz, abrir um verdadeiro sorriso pelo simples fato de sentir-se bem consigo mesma.

É um filme de mulher sobre as conquistas necessárias de pequenas liberdades, cuidadosamente modulado pelas atuações super naturais e por um roteiro bem escrito. Salta aos olhos a capacidade que os argentinos têm de gerar filmes a partir do que parece ser pouca coisa, com grande confiança nos dramas humanos de boa qualidade e tom obviamente pessoal. Salta também aos olhos a influência de Martel não só em tentativas recentes do cinema brasileiro de curta e longa metragem, mas também nesse produto da própria Argentina.

Filme visto no Cinemax 9, Berlim, Fev 2010

Na Putu (No Caminho)

2010-02-18T12:02:00.000-08:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

O outro filme dirigido por cineasta mulher é da Bósnia e Herzegovina. Na Putu (No Caminho), de Jasmila Zbanic (ganhadora do Urso de Ouro 2006 por Em Segredo). Como no argentino, há uma libertação por parte de uma mulher, mas aqui de fantasmas da história recente e sangrenta do país, tema também visitado no filme anterior.

A aeromoça Luna (Zrinka Cvitesic) vê seu companheiro desempregado se converter a uma forma radical de islamismo, levando-o a mudar completamente como pessoa. É o choque entre a Bósnia européia globalizada pós-conflitos dos anos 90 e as raízes dessa mesma cultura, que não parece ir embora. Nos dois filmes, ações afirmativas políticas de mulheres que decidem seus próprios caminhos. No filme de Zbanic, tudo me parece tão cansado e auto-afirmativo.

Filme visto no Berlinale Palast, Berlim, Fev 2010

Smoke Gets in Your Eyes

2010-02-18T11:59:00.000-08:00

O bom título internacional de É Proibido Fumar, filme de Anna Muylaert, é Smoke Gets in Your Eyes, nome do clássico pop do The Platters, nos anos 60. Foi anunciado em Berlim que o filme terá comercialização administrada para o mercado estrangeiro pela Figa Films, de Los Angeles. O filme foi lançado no Brasil em dezembro último, e agora está no mercado de Berlim.

Taxi Driver - The Script

2010-02-18T07:43:00.001-08:00

Carpete, Cine Star, Berlim.

Apostas Para Cannes 2010

2010-02-18T06:14:00.000-08:00

Deu hoje na Screen International essa lista de especulações sobre possíveis filmes atualmente "em pós-produção" e que poderão ser considerados por Cannes. Mera especulação. Não há menção a títulos do cinema brasileiro. K.M.F

Chantrapas (Otar Iosseliani, que luxo ver filme novo dele)
Aurora, de Cristi Puiu (de A Morte do Sr. Lazarescu, um dos meus top 10 da década)
Film Socialism (Jean Luc Godard)
You Will Meet a Tall Dark Stranger (Woody Allen)
Rabbit Hole (John Cameron Mitchel)
The Tree of Life (Terrence Malick)
Somewhere (Sofia Coppola)
The Fighter (David O. Russel)
The Turin Horse (Bela Tarr)
Tamara Drewe (Stephen Frears)
Untitled (Mike Leigh)
Certified Copy (Kiarostami)
Death of a Hostage (Johnnie To)
Carancho (Pablo Trapero)
Machete (Robert Rodriguez)
The Expendables (Sylvester Stallone)
Black Swann (Darren Aronofsky)
Miral (Julian Schnabel).

Bróder

2010-02-17T09:58:00.000-08:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Surpresa boa na participação brasileira Bróder, de Jeferson D, exibido agora há pouco na seleção Panorama, em estréia mundial no Festival de Berlim via sessão de imprensa. É uma crônica muito bem observada sobre três amigos da periferia de São Paulo, faixa etária 23 anos, numa breve reunião para comemorar o aniversário de um deles. Possibilidades de o filme cair em clichês são, quase todas, anuladas por uma honestidade tocante, claramente fruto de um universo social bem observado.

O perigo do clichê está bem mais presente na sinopse do que no que vemos projetado. A ambientação é a classe média baixa de São Paulo na já muito filmada topografia urbana vernacular das periferias brasileiras dos becos e vielas. É um ambiente repleto de possibilidades, uma delas o crime.

É também um espaço essencialmente familiar, algo muito bem estabelecido na primeira meia hora, onde uma feijoada de aniversário junta os amigos Macu (Caio Blat), Jaiminho (Jonathan Haagensen) e Pibe (Silvio Guindane).

Pibe saiu do bairro para criar filho com a esposa, Jaiminho joga futebol na Espanha, é milionário, e Macu, ainda na comunidade, lida com gente que pertence claramente ao lado sombrio da força.

É claro que a matriz para esse tipo de narrativa é o Caminhos Perigosos (Mean Streets, 1973), de Martin Scorsese, ou o Os Donos da Rua (Boyz’n’D’Hood, 1991), do John Singleton, mas Jeferson D dá ao cinema brasileiro um ponto de vista importante para esse tipo de material.

O trio de amigos divide não apenas a amizade, mas também (ex)namoradas, irmãs, primas, madrinhas e padrinhos. O catolicismo é abandonado para o protestantismo (numa cena muito bem ilustrada) e é quase possível sentir o cheiro do feijão no fogo. Aos poucos, os personagens são desenvolvidos de forma muito acima da media, com perfeita integração de Blat, Haagensen e Guindane, alem de uma participação muito boa de Cássia Kiss, na casa.

Curiosamente, a única nota (espetacularmente) falsa de Bróder é exatamente uma cena onde um personagem branco, da classe alta, é visto no seu ambiente, do outro lado de um telefonema. Esse empresario bebe champanhe com sua esposa loira de olhos azuis, num verde campo de golfe. A cena me chamou muito a atenção, pois normalmente a nota falsa está na representação das classes mais baixas, no exotismo dos becos e das vielas. Ou seja, muito interessante.

A segunda metade de Bróder cai em rendimento, uma vez que Jefferson D parece precisar levar adiante a tese de que os caminhos para os jovens da periferia são, de fato, perigosos, algo arrematado num letreiro final que deveria ter sido arquivado como idéia.

De qualquer forma, os desdobramentos são bem articulados, com os dois pés no chão de São Paulo e arrabaldes, muito antes de Bróder revelar-se “um filme com uma mensagem”. Bem filmado e atuado, o que mais destaca-se para mim é o simples fato de Bróder ter coração.

Filme visto no Cine Star 3, Berlim, Fev 2010

The Kids are Alright

2010-02-17T09:47:00.000-08:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Um dos filmes mais simpáticos que vi em Berlim nesta edição chama-se The Kids Are Alright, da diretora Lisa Chodolenko, com distribuição no Brasil já definida (Imagem Filmes). É uma comédia americana de costumes e corte liberal, o tipo de coisa que os estúdios dificilmente fariam. É sobre um casal de mulheres (Annette Bening e Julianne Moore) que gerou um casal de filhos (Mia Wasikowska e Josh Hutcherson) via banco de esperma. Chegando aos 18 anos de idade, eles descobrem a identidade do pai/doador, um dono de restaurante e bon vivant (Mark Ruffalo).

O pai de família da casa é a médica de Annette Bening, controladora, dominadora e que mantém o menino de 15 anos, a garota de 18 (Wasikowska será vista em breve como a Alice no País das Maravilhas de Tim Burton) e também sua companheira na coleira curta.

Quando o homem se aproxima, é ela quem sente o peso do ciúme. Pequenas tensões surgem, todas administradas com surpreendente maturidade pelo filme, que usa vocabulário (verbal e visual) generoso para a sexualidade.

Obviamente que, nesse tipo de “cinema independente americano” (ou filmes americanos realizados fora dos estúdios), os 15 minutos finais tendem a virar decepção. De qualquer forma, The Kids are Alright revela-se uma peculiaridade, já que há aqui a defesa a ferro e fogo do ideal de família (não muito diferente de um filme da Disney), muito embora essa família seja efetivamente gay.

Filme visto no Berlinale Palast, Berlim Fev 2010

Besouro

2010-02-17T09:43:00.000-08:00

Além do documentário anglo-americano Lixo Extraordinário, a outra participação brasileira na Panorama foi Besouro, exibido terça-feira, filme de artes marciais já lançado nos cinemas do Brasil. A revista Hollywood Repórter publicou critica muito positiva do filme de Daniel Tikhomiroff assinada por Deborah Young. “O divertido Besouro é um tipo raro de filme de artes marciais com história envolvente e idéias sociais sendo expressas”.

Lars & Martin

2010-02-17T08:25:00.000-08:00

Há um boato tão interessante quanto inusitado correndo em Berlim sobre uma possível parceria entre Martin Scorsese, na cidade para divulgar A Ilha do Medo, e o dinamarquês Lars Von Trier. Segundo a revista inglesa Screen International, os dois teriam se encontrado na cidade no final de semana para discutir uma refilmagem de Taxi Driver, o clássico de Scorsese. O projeto seria parte de uma série proposta por Von Trier com base nos “filmes que me fizeram querer fazer filmes”. O produtor de Von Trier, Peter Aalbaek, não confirmou nem negou, e disse que um anuncio oficial será feito em breve. Rumores também apontam para a participação de Robert de Niro...

A Film Unfinished

2010-02-17T08:21:00.000-08:00

por Kleber Mendonça Filho
cinemascopio@gmail.com

Abandonando um pouco a seleção oficial, dois documentários poderosos, de realizadoras independentes, foram apresentados na seção Panorama. Ilustram linhas de tempo totalmente distintas para a história do povo de Israel, agregando novos valores aos arquivos de imagem dessa história, e também reprocessando-os.

Em A Film Unfinished (Um Filme Inacabado), de Yael Hersonski, a copia de trabalho de um filme nazista de propaganda rodado no Gueto de Varsóvia é revista, depois de décadas perdida nos arquivos. Em Budrus, a brasileira Julia Bacha (radicada nos EUA) registra o conflito entre moradores de uma vila nos territórios ocupados por Israel, que reagem pacificamente à construção injusta de um muro de segurança nas suas terras.

A peculiaridade dessa descoberta é investigar a natureza do cinema de registro como uma farsa, uma vez que as equipes de reportagem do 3o Reich foram enviadas para armar um relato parcialmente ficcional sobre a propagada natureza avarenta dos judeus.

Cerca de 500 mil judeus foram segregados no gueto, que a história revelou ter sido a última parada da grande maioria antes das deportações para campos de extermínio como Treblinka e Auschwitz.

Com farto material de takes “1”, “2” e “3”, cenas eram ensaiadas e repetidas para ilustrar o contraste entre os ricos e os pobres, a equipe trazia carne para frigoríficos vazios e dramatizava uma vida burguesa onde muitos morriam de fome.

A idéia de propaganda filmada é uma constante na produção de imagens desde o início do cinema, há mais de 100 anos, com destaque para o acervo de imagens da 2a. Guerra Mundial via americanos, soviéticos, ingleses e alemães.

O filme é inferior a um relato russo chamado Blockade (2005), de Sergei Loznitsa, montado com imagens recusadas na época pela máquina de propaganda da URSS, sobre a vida em São Petersburgo durante o cerco nazista. A jovem Hersonski, por exemplo, usa música dramática e reconstitui uma entrevista importante em cristalino formato de alta definição, criando choque indesejável com o material em película encontrado.

De qualquer forma, há no seu filme algo de verdadeiro e particularmente grotesco nessa análise de imagens encontradas proposta. Especialmente quando a realidade histórica é quebrada pela repetição imposta por um sentido ainda mais grotesco de ficção, a equipe nazista vista acidentalmente nas cenas que foram cortadas.